Bleu de cobalt

A noir ...

A noir, E blanc, I rouge, U vert, O bleu : voyelles,
Je dirai quelque jour vos naissances latentes :
A, noir corset velu des mouches éclatantes
Qui bombinent autour des puanteurs cruelles,

 

Gustave Courbet, L'origine du monde, 1866, huile sur toile
46 x 55 cm, Paris, Musée d'Orsay

« A noir, E blanc, I rouge, U vert, O bleu : voyelles, / Je dirai quelque jour vos naissances latentes. » On a proposé bien des explications pour cette couleur des voyelles, la plus plausible demeurant, semble-t-il, la solution anatomique. Le sonnet de Rimbaud ne serait rien d’autre qu’un blason du corps féminin, dans la tradition de la galanterie énigmatique. A, la vulve (« noir corset velu... ») (2)

(1) Sur l'histoire du tableau, ici et un article très intéressant sur le blog Appeau vert, là 

(2) Ecrits d'Alain Roger

"Rêve cosmique" ...

A l'occasion de la visite de l'exposition du Greco à Dali au musée Jacquemart-André, un autre rapprochement s'est imposé de lui-même. Tout en voyant cette œuvre de Dali, "L'Ascension du Christ", peinte en 1958, je me remémorai différents panneaux du retable d'Issenheim peint par Mathias Grünewald (vers 1512-1516), notamment celui de la crucifixion et celui de la résurrection.

Ce sont les mains avec ces doigts recroquevillés, exacerbés, et ces bras déployés qui semblent embrasser l'univers qui m'ont tout de suite fait repenser aux mains du Christ crucifiées, convulsées, exsangues du panneau central

représentant la crucifixion ; ces mains exhibées, telles des bois de cervidés, des trophées de chasse que l'on peut presque confondre avec la couronne d'épines sur la tête du Christ. Puis, c'est le halo lumineux et enfin les cercles concentriques du panneau de la Résurrection qui se sont tout naturellement révélés.

Dans ces deux œuvres, nous ressentons comme une lévitation : à l'horizontal pour Dali, qui n'est pas sans rappeler le Christ de Mantegna et qui est plutôt atypique pour les scènes représentant l'Ascension ; à la verticale pour Grünewald, dont la force d'arrachement au sol est renforcée par la posture des soldats au premier plan qui, renversés au sol, sont comme foudroyés et semblent flotter, dans un style très proche de celui qu'aura Simon Vouet un siècle plus tard.

Et coïncidence ? pour traduire ce phénomène qui ne peut pas se décrire c'est la même palette de couleurs qui a été utilisée : la pleine nuit noire enveloppe le Christ avec un rappel ocre pour la terre (le rocher du tombeau du Christ, ou l'univers métamorphosé dans une poussière de météorites), tandis que le disque solaire apporte un halo lumineux jaune, le blanc du linceul étant repris par Dali dans ce deuxième halo blanc lumineux, décalé, dans lequel s'inscrit parfaitement en triangle le corps du Christ.

Dernier trait commun dans ces deux œuvres, le visage du Christ se dérobe à nos yeux. Chez Dali, nous devinons plus que nous n'apercevons le visage du Christ. En fait, il est complètement caché et si nous l'apercevons c'est que nous nous mettons à la place de la Vierge. "Au sommet du tableau, la Vierge, sous les traits de son épouse et muse Gala, pleure encore la Passion de son fils avec les larmes d’une Vierge flamande" (1). Chez Grünewald, "la tête et le buste du Christ se confondent avec la lumière de son nimbe agrandi aux dimensions d'un soleil" (2), son visage semble s'évaporer dans la lumière.

Ces deux peintres ont essayé de rendre visible la réalité du Christ ressuscité qui n'est perceptible que dans la foi. Rendre perceptible l'invisible, nous vous laissons contempler ...

(1) l'explication de l'œuvre "L'Ascension du Christ" dans la présentation de l'exposition du "Gréco à Dali" au Musée Jacquemart-André

(2) Sur le retable d'Issenheim et Mathias Grünewald, vous pouvez consulter cet article très complet

Une floraison éphémère ...

De toute la série de vergers peinte par Van Gogh, c'est sans aucun doute la toile "Poirier en fleurs", datant d'avril 1888, qui montre le plus de correspondance avec les estampes japonaises (1).

C'est à Anvers en 1886 que Van Gogh les découvre et qu'il commence lui aussi, comme Monet, à les collectionner et, pour certaines, à les copier. Et en arrivant à Arles, début 1888, après un séjour parisien, il est impressionné par la luminosité et les couleurs du paysage. Il dit à son ami Émile Bernard : "Comme j'ai promis de t'écrire, je vais commencer par te dire que cette région me paraît aussi belle que le Japon, par la luminosité de l'air et le joyeux effet des couleurs. L'eau forme des taches d'un beau vert émeraude et d'un bleu profond dans le paysage, semblable à celles que nous voyons dans les crépons. Les couchers de soleils sont d'un orangé pâle qui fait paraître le sol tout bleu. Splendide soleil jaune !".

Perspective raccourcie, vue plongeante, composition oblique, cadrage resserré sur le poirier dont le tronc est légèrement décentré, mouvement inclus jusqu'au bout des branches, art du détail (fleurs du poirier, papillon jaune, pour voir en détail cliquez ici), tous ces éléments concourent à faire de ce tableau une magnifique estampe japonaise même si nous sommes à Arles.

Impression délicate, émouvante, douceur de la tonalité des couleurs (surtout ocre, bleu et rose), nous sommes plongés dans un instant unique, à la fois intemporel et éphémère ...

(1) Une balade dans les estampes japonaises sur le thème du paysage

(2) A noter l'exposition "The Real Van Gogh. The Artist and His letters", à la Royal Academy, à Londres, jusqu'au 18 avril, qui propose une lecture de ses tableaux à partir de sa correspondance.

Fugit tempus ...

Invitation aux rêveries vers de lointains horizons, le cabinet de curiosités regroupe depuis la Renaissance en Europe des objets rares ou étranges, provenant du monde animal, végétal et minéral ainsi que des réalisations humaines.

Ce tableau "Le cabinet de curiosités" de Johann Georg Hinz, peint vers 1666, que l'on pouvait voir à l'exposition Brukenthal au Musée Jacquemart-André en est une remarquable illustration.

Réalisé en peinture en trompe l'oeil, le peintre regroupe, sur un fond noir et un format très géométrique, des objets très divers et sans hiérarchie, c'est-à-dire à la fois des richesses de la nature et des créations de l'homme : notamment des pierres précieuses (plusieurs colliers de perles), de multiples coquillages (dont coquilles de nautile), des coraux, deux pistolets, une mappemonde, deux horloges, un coffre précieux en marqueterie, une aiguière et deux autres objets en ivoire. Le rendu des matières (bois, aspect nacré des coquillages et de l'ivoire, marqueterie, métal...) est particulièrement impressionnant dans ce tableau de grand format, ainsi que la composition savamment étudiée des couleurs (rouge qui forme un triangle, blanc concentré au milieu sur un fond uniformément noir) ; de même que le reflet de la lumière.

"Le succès rencontré par ces cabinets explique leur multiplication. On y retrouve les mêmes assemblages et non la reproduction fidèle d'un cabinet donné" (1) ; c'est le cas du tableau commandé par le roi du Danemark qui fait pendant à celui-ci.

Et à chaque fois, la présence d'un crâne dans la composition, nous rappelle que nous sommes simples mortels, "tempus fugit" (2) ...

(1) Extrait du catalogue de l'exposition Brukenthal, p. 158

(2) A noter une exposition sur ce thème "C'est la vie ! Vanités de Caravage à Damien Hirst" au Musée Maillol à Paris du 3 février au 28 juin 2010

Un sommeil éternel ...

Aujourd'hui, je vous emmène au hasard de mes lectures, découvertes et de ces rapprochements totalement fortuits ... En voyant cette superbe photographie de Jacques-André Boiffard de "Renée Jacobi" (1), que vous pouvez encore admirer à l'exposition "La subversion des images" à Beaubourg (jusqu'au 11 janvier), je n'ai pu m'empêcher de songer au mythe d'Ophélie et aux multiples représentations qui en ont été faite et, notamment, à cette toile d'Odilon Redon, "L'Enfant prédestinée" dit "Ophélie".

Ces deux femmes, dont les paupières sont closes, dont l'une est allongée à la verticale, alors que l'autre est comme emprisonnée dans une cavité, sous une voûte de fleurs, semblent flotter endormies dans l'eau ou dans l'air ... à vrai dire nous ne le savons plus vraiment ...

 

Ces deux artistes parviennent ici à nous faire remarquablement ressentir ce flottement des corps ... comme si nous avions enfin vaincu l'apesanteur ... corps à jamais apaisés et endormis d'un sommeil éternel.

(1) "Renée Jacobi" 1930, Jacques-André Boiffard,
Photographie publiée dans Documents, n°8, 1930
Épreuve gélatino-argentique, tirage d’époque, 23,8 x 18,8 cm
Centre Georges Pompidou, Musée national d’art moderne, Paris

(2) Pour ceux qui souhaitent aller plus loin dans le mythe d'Ophélie, "Ophélie histoire d'un mythe fin de siècle"

(2) Le poème "Ophélie" d'Arthur Rimbaud

Femmes dans la rue

Voici une autre rue, quelques décennies plus tard, dans une autre capitale européenne, à Berlin. Il s'agit du tableau "Femmes dans la rue", peint par Ernst Ludwig Kirchner en 1914.

Kirchner a peint d'autres scènes de rue, mais ici la tonalité générale est très particulière et je trouve même que la reproduction ne rend pas exactement compte de l'impression saturée de vert que j'ai pu ressentir lorsque j'ai vu cette toile à l'exposition "Fauves et Expressionnistes" au Musée Marmottan.

"Surgissant d'une lumière bleu verdâtre comme d'un décor de rêve" (1), s'agit-il d'un lieu de spectacle, d'un café ou d'un cabaret ? deux femmes, dont la silhouette est quelque peu étrange, apparaissent au premier plan et sont accompagnées par un homme d'ailleurs dont la silhouette masculine est à peine différenciée. Plumes sur la tête, visages émaciés, silhouettes stylisées drapées dans une sorte de houppelande, bras anormalement allongés, on ne sait pas s'il s'agit d'élégantes, de passantes ou de prostituées. Avec leur allure de femmes-oiseaux, elles préfigurent déjà la libération féminine lors des années folles (coupes garçonnes, abandon de la robe longue, vêtements fluides autour du corps).

D'un point de vue pictural, on sent à la fois l'influence du cubisme par les formes très géométriques de l'ensemble de la toile, traits au sol triangulaires, dans le fond, ligne de fuite de la façade de l'immeuble, au premier plan, redingote bleue de l'homme composée de nombreux triangles, qui multiplient les angles de vue à l'intérieur du tableau ; et à la fois l'influence des arts primitifs, surtout par la représentation des visages qui, pour moi, ont une similitude frappante avec des masques africains.

(1) Jean-Michel Palmier, voir le très intéressant article en complément

Jour de pluie à Paris

Grisaille d'un après-midi d'hiver, des pavés glissants qui rutilent sous la pluie, des immeubles haussmanniens, des passants se protégeant de la pluie, d'autres prenant leur temps, on pourrait presque se croire dans le Paris actuel ! Toutefois quelques détails nous ramènent en arrière, vers la fin du 19ème siècle, l'élégance vestimentaire des passants (chapeaux haut-de-forme, redingotes, tournures, chapeaux à voilette, voir en zoomant sur ce lien) et les trop rares fiacres que l'on aperçoit en lieu et place des voitures !

La composition de cette toile "Rue de Paris ; temps de pluie", peinte en 1877 par Gustave Caillebotte a fait l'objet d'un certain nombre de dessins préparatoires et même d'esquisses à l'huile. Dès le début, le réverbère fait partie de celle-ci ; axe vertical, il va partager en deux parties quasiment identiques le tableau, et va permettre ce cadrage asymétrique particulièrement audacieux, digne d'un cliché photographique pris au grand angle. La partie gauche est dominée par la ligne fuyante des immeubles et du pavage, alors que la partie droite est ramenée au premier plan avec ce couple nonchalant qui apparaît à notre hauteur et qui regarde quelque chose hors champ alors qu'un homme les croise et attend sur le côté qu'ils passent.

Non seulement la composition de cette toile, mais la dimension de celle-ci est impressionnante (212,2 x 276,2 cm) et, de ce fait, le couple au premier plan est à la hauteur de nos yeux et nous avons presque l'impression d'être un passant dans cette rue ... Cet effet est sans nul doute renforcé par la manière de peindre de Caillebotte. Comme dans d'autres de ses tableaux ("L' Yerres, effet de pluie" ou "Jeune homme à sa fenêtre"), le trait est très précis, la touche très léchée, bien loin des impressions de ses contemporains. Indéniablement, sa peinture présente une allure proche à celle d'un cliché photographique ce qui lui a été souvent reproché à l'époque : "le décalque de la vérité, sans impression originale du peintre, est une pauvre chose". (1)

Ce qui est étonnant dans cette toile, c'est que "malgré le mouvement suggéré par les personnages, l'image semble remarquablement immobile, engourdie par sa structure impérieuse, figée dans la fraîcheur humide entre les façades rigides en pierre de taille. Les passants sont strictement alignés ... Visages détournés, à peine individualisés ou cachés sous des parapluies à baleines métalliques tous identiques, ces personnages anonymes, uniformément vêtus de gris et de noir sont aussi monotones que leur environnement". (2) Même les fiacres, de par leur position, semblent figés et les passants, qui marchent et traversent sans orientation précise, renforcent cette sensation d'immobilité.

Pourtant, cet effet est particulièrement réussi, c'est comme si tout l'effort du peintre avait porté sur le renouveau architectural de la ville de Paris (que certains jugeaient monotone (3)) et que ses habitants finalement passaient au second plan, totalement stéréotypés.

(1) Citation d'Emile Zola

(2) Julia Sagraves, La rue, catalogue de l'exposition Gustave Caillebotte, Editions de la Rmn, 1994

(3) Pour Victor Fournel, le Préfet de Paris a créé "la monotone égalité d'une magnificence banale, en imposant la même rue géométrique et rectiligne, qui prolonge dans une perspective d'une lieue ses rangées de maisons, toujours les mêmes". Voir une analyse sociologique intéressante en complément, ici (a priori les rues citées ne sont pas exactes ... j'ai tendance à croire le catalogue de l'exposition ...)

(4) Le même site maintenant (déplacer le curseur jusqu'au carrefour), vous reconnaissez ? il s'agit du carrefour en étoile formé par les rues de Moscou, Clapeyron, de Turin et de Saint-Pétersbourg dans le 8ème arrondissement

Des allégories intemporelles ...

Un autre tableau remarquable de Jean-Antoine Watteau est le Pierrot, dit autrefois "Gilles" qu'il peint à la fin de sa vie, vers 1718-1719. On ne sait pas grand chose sur la genèse de cette œuvre, est-ce une enseigne pour le café que tenait l'acteur Belloni, ou est-ce la représentation d'un spectacle de forains ?

Debout face à nous, les bras ballants, ce Pierrot triste, aux yeux perdus dans le vague, a une allure très lunaire. Tous les regards convergent vers le centre du tableau, comme le regard du spectateur happé cette tenue blanche qui semble irradier la toile ; et il se détache du ciel et des feuillages qui délimitent la toile. Le cadrage en légère contre-plongée renforce l'étrangeté de la scène : ce personnage de la Commedia dell'arte est-il sur une scène d'un théâtre de foire ? En arrière-plan, figurent effectivement les compagnons habituels de Pierrot, le docteur sur son âne, Léandre et Isabelle, les amoureux, et le capitaine ... ou ce personnage a-t-il droit à un tableau de plein pied comme les nobles et les grands personnages d'états ? et représente de manière allégorique l'artiste ?

Philippe Sollers dit de ce tableau : "Le Gilles de Watteau est l’un des tableaux les plus mystérieux du monde. Tout en lui est évident, lumineux, et tout est obscur."

D'une façon un peu étrange, ce tableau ne me renvoie pas à celui qu'a réalisé Derain ou encore Picasso au début du vingtième siècle, mais à un tableau bien plus ancien que j'ai pu voir à la Galerie des Offices à Florence où j'ai eu l'impression de retrouver cette même grâce éphémère et intemporelle, je veux parler de "La naissance de Vénus" peint vers 1485 par Botticelli.

Une envie de vert ?

Envie d'une petite balade dans un champ de coquelicots (ici et là), ou au bord du ciel (ici et là), ou tout simplement d'une petite bouffée d'air pur ? Je vous propose une petite immersion dans le vert !

En visitant au début de ce mois l'exposition Van Gogh "Entre terre et ciel" au Kunstmuseum de Bâle, mon œil a été accroché par quelques toiles et cette huile sur toile, "L'herbage aux papillons", en fait partie (ci-contre, National Gallery, Londres, (1)). Peinte en mai 1890, elle m'a fait penser à cette toile peinte quelques années plus tard, vers 1905, par Gustav Klimt "Rosiers sous les arbres" que l'on peut admirer au Musée d'Orsay (ci-dessous, (2)).

Dans ces deux toiles l'espace est saturé de vert, presque sans horizon, à tel point que sans la référence excentrée au petit chemin pour van Gogh et au petit coin de ciel bleu sur lequel se détache un arbre pour Klimt, nous serions en présence de deux toiles abstraites.

Autre point impressionnant dans ces deux toiles, c'est la large palette de verts utilisée, du vert très clair, un vert d'eau à un vert plus soutenu, voire vert émeraude, rehaussée par des pointes d'ocres, de jaune, de violet et de blanc (blanc des papillons, blanc des rosiers).

Pour autant l'impression dégagée est sensiblement différente. Chez van Gogh, avec les traits très fins qui épousent la forme des touffes d'herbe, on ressent le vent qui agite cet herbage, on sent la vie, le frémissement de la nature (3).

Chez Klimt, la juxtaposition des touches de couleur, façon mosaïque, donne un traitement particulier à la nature et, s'il n'y avait pas les quelques troncs d'arbres suggérés au premier plan, on serait perdu dans une luxuriance végétale et décorative ; pourtant, je me prends à rêver de trois silhouettes de femmes en lieu et place des rosiers tombants ...

(1) Si vous voulez découvrir d'autres toiles de van Gogh, je vous suggère une balade sur le blog de Grillon

(2) Notice du tableau "Rosiers sous les arbres" de Klimt sur le site du Musée d'Orsay

(3) Petite découverte aborigène que je trouve étonnement proche de la toile de van Gogh ...

Or, bleu profond et rose carmin ...

Or, bleu profond, rose carmin, ces trois couleurs m'accompagnent depuis ma dernière visite au Musée Jacquemart-André ... et les voilà, là, devant moi, bien présentes, avec cette sépulture faite d'un panneau en bois doré sur lequel reposent quelques pétales d'or, un bouquet de roses et une éponge bleue.

Il s'agit d'une œuvre singulière d'Yves Klein, "Ci-gît l'Espace", réalisée en 1960, et qui semble déjà présager de sa disparition précoce à l'âge de 34 ans.

Et je ne peux m'empêcher de voir qu'au delà de la vie terrestre, de la chair et du sang symbolisés par les roses, la couronne en éponge, représentative de la souffrance et du martyr et matérialisée dans la couleur bleu Klein, en élevant l'esprit vers le spirituel, va permettre de parvenir aux portes de l'éternité, à l'immatériel.

"A travers les religions et les âges, l'or a toujours matérialisé le divin. Dans la religion chrétienne des premiers temps, le fond d'or signifiait Dieu, irreprésentable et son espace divin, impénétrable. Cette matière est celle des dieux égyptiens, hindous, bouddhistes, celtes" (1).

Ces trois couleurs vont à nouveau se rejoindre dans un "Ex-voto dédié à la Sainte-Rita de Cascia", qu'il crée en 1961 pour le sanctuaire de Sainte-Rita de Cascia : du pigment pur de magenta, de bleu et des feuilles et lingots d'or, dans un simple coffrage en plexiglas.

"Articulé au bleu et au rose, l'or est aussi au cœur du feu. L'or, Dieu le père, le bleu pour le divin fait homme, et le rose garance carminé pour le Saint-Esprit, voilà comment Pierre Restany expliquait l'articulation systématique des trois couleurs à la fin de la vie de Klein" (2).

(1) (2) Extrait de l'Esprit de Klein, exposition Yves Klein "Corps, couleur, immatériel", Editions du Centre Pompidou, Paris 2006