Bleu de cobalt

Rétrospective Robert Cahen - Sanaa

Il y a des coïncidences étranges, à l'occasion du vernissage de la rétrospective consacrée à Robert Cahen au Musée du Jeu de Paume, j'ai pu revoir l'une des vidéos de l'artiste "Sanaa, passages en noir" (1), et quelques jours plus tard j'ai pu écouter en live à Pleyel la musique "La Passion selon Saint-Jean" de Jean-Sébastien Bach qui accompagne cette œuvre et qui manifestement n'a pas été choisie au hasard, mais au contraire avec beaucoup de soin. 

Nous sommes à Sanaa, qui est la capitale du Yémen. Nous sommes dans une rue, il faudrait plutôt dire une ruelle étroite de la ville. Nous apercevons les passants, des femmes voilées, entièrement vêtues de noir, qui nous tournent le dos, tandis qu'un homme, poignard ostensiblement visible à la ceinture, tout de blanc vêtu, marche vers nous.

Lorsque je vous disais que cette musique a été choisie avec beaucoup de soin, c'est que nous en oublions que nous sommes au Yémen, et qu'elle nous renvoie vers des horizons connus européens. Pour ma part, à la fois, vers les ruelles étroites d'Assise avec la silhouette des religieuses vêtues de noir se rendant aux offices, et à la fois vers les "rives" de Vicence où les masques noirs vont se venger de Don Giovanni (à cet égard le début de la "Passion selon Saint-Jean" me renvoie à Mozart, à son requiem et à l'opéra Don Giovanni). Et paradoxalement, c'est l'image avec son côté répétitif qui nous renvoie vers les rives orientales, vers les rythmes orientaux...

Silhouettes noires, ombres portées, flottantes, qui disparaissent sans fin, ces femmes sont-elles l'ombre d'elles-mêmes... existent-elles encore ? Dévouées à Dieu, ou respectant la charia, elles n'existent plus à nos yeux, et cela, je vous l'avoue, m'a donné à réfléchir...

(1) Robert Cahen a été primé pour cette vidéo réalisée en 2007. "Sanaa, passages en noir" a reçu le prix du ”documentaire le plus innovatif ” du Festival  SOLE LUNA, Festival International du documentaire sur la Méditerranée et sur l’Islam. Palerme, Italie
Production : Boulevard des Productions Strasbourg, montage effets spéciaux Thierry Maury

Extrait de la vidéo avec la courtoisie de Robert Cahen

Rétrospective Robert Cahen - Le souffle du temps

Si vous êtes à Paris, je vous invite à vous rendre au Musée du Jeu de Paume (jusqu'au dimanche 18 avril) à la rétrospective consacrée à Robert Cahen, vidéaste, réalisateur et compositeur de formation.

Invitation à un voyage, avec cette rétrospective de ses films et vidéos, cet artiste vous emmène vers des rives inconnues, vers des horizons picturaux insoupçonnés, dans des histoires à la fois réalistes et improbables.

Au détour d'une image vivace, fugace ou ralentie, précise ou floue, intermittente ou persistante, qui se dérobe ou s'affirme, vous serrez spectateurs, vous ressentirez l'enchevêtrement de votre dédale intérieur, vous parcourrez les étendues ondoyantes des blés semblables à vos cheveux, vous pourrez palper l'eau tellement limpide qu'elle en devient matière minérale, vous serez vous-même une ombre fugitive, vous pourrez approcher le monde flottant, ce monde ralenti, sans début, ni fin, ce monde éphémère et intemporel, délicieusement poétique...

"Le choix du ralenti par exemple, qui traverse toute mon œuvre, reste un des points primordiaux de mon écriture : il tente de raconter, entre autres, ce qui ne se voit pas, l'invisible, mais aussi dans son étirement, de proposer une partition nouvelle, une lecture ouverte pour le spectateur qui va se projeter dans les images ralenties et qui alors peut se raconter sa propre histoire. Il y a aussi la tension, le suspens de ce qui doit arriver, contenu dans le "ralenti", et puis comme le disait si bien Roland Barthes, il y a le "ralentir pour avoir le temps de voir enfin" (dans son livre "La chambre claire")." (1)

 

Beauté et fluidité des paysages, persistance de ceux-ci ou des visages ou des corps, ou liquéfaction des arbres, de la mer, du ciel, l'image danse, oscille et se répète, le temps joue, oscille et revient en arrière, la bande son - bruits des essieux sur les rails, battements secs, cris d'enfants, bruits de monitoring, etc... - jalonne, métronome le temps qui s'écoule inexorablement... alors que le cinéaste voudrait le retenir, le dompter, l'immobiliser...

Je reste encore avec le souvenir de cette dernière scène des "Sept visions fugitives" où nous sommes en Chine sur un marché. Caméra au poing, nous nous frayons un chemin parmi la foule, les hommes et les femmes présents nous voient ou nous ignorent, ou encore s'écartent au dernier moment, ils nous regardent curieux ou incrédules, et nous, nous les regardons amusés, un moment d'humanité singulière naît, le temps s'est métamorphosé l'espace d'un instant...

(1) Propos de Robert Cahen

(2) La programmation de la rétrospective, ici

Munch ou l'"Anti-Cri"

Encore le succès pour cette exposition "Munch ou l'"Anti-cri"" à la Pinacothèque de Paris où la foule se presse ! Titre un rien accrocheur, l'exposition présentée ici permet surtout de mettre en lumière le parcours de ce peintre norvégien à la charnière du vingtième siècle, période très foisonnante d'un point de vue artistique, et de découvrir des toiles et des gravures provenant presque toutes de collections privées, ce qui est plutôt exceptionnel.

Orphelin à l'âge de cinq ans, marqué par le décès de sa sœur huit ans plus tard et son éducation puritaine, Edvard Munch ne se contente pas de peindre pour montrer, il veut faire sentir : "On ne peut pas peindre éternellement des femmes qui tricotent et des hommes qui lisent ; je veux représenter des êtres qui respirent, sentent, aiment et souffrent. Le spectateur doit prendre conscience de ce qu'il y a de sacré en eux, de sorte qu'il se découvrira devant eux, comme à l'église" (1).

De ses débuts impressionnistes, comme dans ce tableau "Femme au chapeau rouge sur le Fjord" peint en 1891, il en conservera une palette assez claire. Plus tard, influencé par Gauguin et Van Gogh, ce sont les fauves et surtout le symbolisme allemand qui vont l'amener à son "style caractéristique, puissamment synthétique, animé des arabesques mouvantes qui seront celles de l'Art nouveau et chargé d'un symbolisme diffus" (2).

      Stylisation des formes, des lignes et des couleurs, la touche est large, sommaire et employée comme un moyen d'expression. "Cette lumineuse et ondulante nuit d'été à l'ombre de grands arbres (dont l'un évoque le cyprès) abrite quatre couples, fondus en un seul baiser" (2) (Nuit d'été à Studenterbunden, 1899). C'est à peine si nous distinguons ces couples d'amoureux tant ils sont à la lisière de la végétation, confondus avec celle-ci, l'homme lui-même étant totalement absorbé, seule la silhouette colorée de la femme rythmant le tableau.

Êtres solitaires, ombres errantes, tensions psychologiques, ses toiles comme ses gravures finissent par rendre visible son état d'esprit marqué par la maladie, la mélancolie, l'amour et la mort.

Audacieux dans sa série de la Madone (à gauche, Madone, 1895, lithographie colorée à la main) jusqu'à encadrer la toile de spermatozoïdes et d'un fœtus, il propose toute une variation autour de la conception et de la mort ; les lignes autour du visage et du corps de la femme ondulent dans un rythme doux et suggestif, ses yeux clos marquant son abandon. Ici, dans Attraction I (1896, lithographie colorée à la main), les cheveux de la femme vont jusqu'à subjuguer l'homme.

Par la suite, dans ces œuvres les plus tardives, les lignes finissent par être moins prononcées, elles s'épurent jusqu'à devenir des ombres fantomatiques, comme c'est le cas ici dans cette "Nuit d'hiver" peinte en 1923 (huile sur toile).

Mais ce qui ressort le plus de ces œuvres c'est que rien n'est véritablement figé, la toile semble prise dans le vertige du doute, l'âme doute...

(1) Écrits de Munch

(2) Hors Série Connaissance des Arts, n° 438

(3) Découverte d'autres toiles d'Edvard Munch ici et là

Teotihuacan : "La cité des Dieux"

Mieux vaut tard que jamais ! Voici un compte-rendu d'exposition qui s'est fait attendre et que je devrais peut être faire le 21 décembre 2012 !! Allez, je ne vais quand même pas vous faire attendre jusque là et je vais sacrifier au rituel ... En attendant, c'est peut être ce qui explique l'affluence de visiteurs lors des derniers jours de l'exposition "Teotihuacan, la Cité des Dieux", au Musée du Quai Branly, à tel point que l'on avait du mal à se frayer un chemin !

Teotihuacan ... je dois vous avouer que j'ignorais jusqu'au nom de cette cité de Mésoamérique qui s'étendait sur 22 kilomètres carrés et qui a connu à son apogée (vers 150-200 ans après J.-C.) quelques 100 000 habitants (seul Rome dans l'Antiquité pouvait rivaliser avec cette taille). Située au nord de la vallée de Mexico à 2 275 mètres d'altitude cette cité connaît un développement considérable entre 100 avant J.-C. et les années 550-650 de notre ère. Pauvre en ressources agricoles, la principale source de richesse provenait de l'obsidienne (une pierre très dure) qui permettait le troc (contre du coton, des plumes, des céramiques ...) et certainement la découpe des pierres pour une civilisation qui ne connaissait ni la roue, ni les animaux de trait et qui en était, de ce point de vue, à l'âge néolithique.

En revanche, d'un point de vue culturel et artistique, cette civilisation connait une incomparable vitalité. L'exposition s'ouvre sur quelques œuvres imposantes qui faisaient partie d'œuvres monumentales (temples, palais, ...) avec cette "Tête de serpent" (ci-dessus, 150-200 ans ap J.-C.) qui était insérée sur tout le tour du temple du Serpent à plumes et sur ce "Jaguar de Xalla" (ci-contre, 350-650 ans ap J.-C.), découvert dans le palais Xalla au cœur de la cité, en position offensive avec les griffes sorties, et les babines retroussées qui font voir les crocs (1). Il reste encore sur ce jaguar encore quelques traces de polychromie.

Puis l'on découvre de superbes fresques murales, comme celle-ci, baptisée le "Quetzalcoatl rouge" (ci-dessous, stuc et pigments, 74,5 x 159,5 x 6,7 cm) et qui représente le jaguar qui est l'un des animaux les plus représentés dans l'art mésoaméricain. "Symbole de pouvoir, de vaillance et de force, il est associé aux sources, à la fertilité de la terre, à l'obscurité, à la nuit, aux phénomènes astronomiques et à l'intramonde" (2). On peut observer ici un personnage vu de face, dont le visage est peint en rouge, coiffé d'un masque "pouvant évoquer deux profils affrontés de félins ou une gueule de face : il s'agit sans doute d'un jaguar paré de gerbes de plumes" et donc de la représentation d'un "guerrier jaguar" (2).

Puis, l'exposition se poursuivait avec un grand nombre d'objets très divers de la vie quotidienne ou utilisés lors des cérémonies rituelles : des vases, des figurines, des encensoirs, des masques, des bijoux. A côté du travail sur l'obsidienne, le travail sur la céramique présente également une très grande diversité. A gauche, vous voyez une pièce particulièrement exubérante, il s'agit du couvercle d'un encensoir (une pièce de 41 x 33 cm) avec guerrier, et à droite un récipient dit le "Pato Loco" (canard fou ou la poule folle !), orné de coquillages, et qui n'a rien à envier aux créations contemporaines !

(1) "Félin associé au pouvoir politique, les symboles dont son visage est paré (la planète Vénus) évoquent les activités guerrières, tandis que les virgules fleuries sur les ailerons symbolisent la fertilité", Hors Série Connaissances des Arts sur l'exposition Teotihuacan

(2) Catalogue de l'exposition

(3) Pour aller plus loin, un diaporama ici, un article très intéressant là, et une vidéo là.

James Ensor : un peintre démasqué (3) ?

... suite et fin

Désormais, les squelettes et les masques accompagnent l'œuvre de James Ensor (1), ce peintre qui ose se moquer de tout y compris de la mort.

Faut-il le rappeler ses parents étaient marchands de souvenirs à Ostende (jouets, bibelots, coquillages, objets exotiques, masques de carnaval) et cela a nourrit son imagination (2). "Mon enfance a été peuplée de rêves merveilleux et la fréquentation de la boutique de la grand-mère toute irisée de reflets de coquilles et des somptuosités des dentelles, d'étranges bêtes empaillées et des armes terribles de sauvage m'épouvantent ...".

Dans ce tableau "L'Etonnement du masque Wouse" peint en 1889, une vieille femme s'apprête à partir défiler pour le carnaval (le carnaval d'Ostende), mais existe-t-elle vraiment ? N'est-ce donc pas plutôt un squelette que l'on aurait affublé à la hâte de quelques vêtements et d'une ombrelle rouge ? Ses pieds semblent surgir de nulle part, ses mains trop petites et son nez grotesque (d'où coule de la morve) renforcent cette impression, d'autant plus que le sol est jonché de masques abandonnés et de têtes de mort, alors que des spectateurs masqués surgissent sur les deux côtés de la toile (à noter le superbe masque de théâtre nô en haut à droite, masques dont il possédait une collection). "C'est précisément ce réalisme incertain et ambigu des objets, des joyeux "carnavaliers" ou des chimères et démons, qui s'avère crucial dans les mascarades grotesques d'Ensor, leur conférant un aspect irréel caractéristique à partir de 1887" (3).

Son goût pour la provocation et la farce, ce réalisme incertain, nous le retrouvons dans bon nombre de ces tableaux, comme dans cette toile "L'Intrigue" (1890). Exposée à hauteur de notre regard, nous sommes conviés à rejoindre ce cortège qui se rend au carnaval, à moins que cela ne soit celui du mariage de sa sœur Mariette avec un marchand d'art chinois, l'enfant au premier plan étant sa nièce. Harmonie de couleurs vives et crues, cette toile dénote d'un travail extraordinaire de finesse. Par les masques, à la fois il cache et il met en lumière la caricature de l'humanité. 

Allant jusqu'à pratiquer l'auto-dérision avec jubilation comme c'est le cas avec ces deux "Squelettes se disputant un hareng-saur" (1891, huile sur bois, 16 x 21,5 cm), où il se représente lui-même (l'Art Ensor = "hareng saur") déchiqueté par deux critiques, sa critique de la bourgeoisie, de la société, de l'ordre établi peut être féroce ! 

S'inscrivant dans la lignée du grotesque et de la fantaisie présente dans la peinture flamande comme chez Jérôme Bosch ou Peter Brueghel et incarnant comme nul autre l'expressionnisme flamand, "il a jeté à bas toutes les conventions, poussant dans leurs retranchements le dessin et la gravure, renouvelant la veine de la satire et du grotesque, dans un pie de nez aux avant-gardes de son époque. Burlesque, déroutant, insoumis, son art, aujourd'hui encore, se reconnaît entre mille" (3 et 4).

(1) Un aperçu très complet des œuvres d'Ensor

(2) Découverte de l'univers d'Ensor, sa maison-musée à Ostende

(3) Dossier de l'art, n° 168, "James Ensor - Exposition au Musée d'Orsay", dans l'ordre p.32 et p.13

(4) Billets sur le blog d'Alice au pays des arts "James Ensor, prince des peintres" et sur le blog de la Dilettante "James Ensor - Le maître du fantastique"

Meilleurs voeux !

Un petit clin d'oeil malicieux pour vous souhaiter une EXCELLENTE ANNEE 2010 !! º°¨¨°º¤ø °¨♥¨°º¤ø ¸„ø¤º°¨♥¨°º¤ø,HAPPY NEW YEAR !!¤ø ¸♥„ø¤º°¨♥¨°º¤ø ø¤º°¨♥¨¨°º¤ø ¸„ø¤FELICE ANNO NUOVO !!°¨¨°º¤ø ¸„ø¤º°¨♥¨°º¤øС Новым Годом !!¸„ø¤º°¨♥¨°º¤ø,„FELIX ANO NUEVO !!¤ø ¸„ø¤º°¨♥¨°º¤ø ø¤º°..♥..GODT NYTT ÅR !!♥vº°¨¨°º¤ø °¨♥¨°PROSIT NEUJAHR !!¨°º¤ø °¨♥¨°

Veilhan caracole à Versailles !

Après Jeff Koons l'an passé, c'est au tour de Xavier Veilhan, artiste plasticien, de s'emparer du domaine de Versailles. Huit œuvres d'art, spécialement conçues pour l'occasion, jalonnent le domaine sur un axe Est Ouest de la cour d'honneur pavée jusqu'à la perspective finale sur les bassins.

Comme il le dit lui-même, Xavier Veilhan s'est laissé "envahir par Versailles" (1) et ses œuvres sont autant de clins d'œil actuels à la grandeur passée du lieu et à la charge émotionnelle qui y est liée.

Pour ce roi qui fut novateur et bâtisseur, il convie côté jardin, neuf sculptures dont les silhouettes évoquent les architectes d'aujourd'hui comme Jean Nouvel, Renzo Piano ou Richard Rogers et dont les socles laissent intact la perspective sur les jardins et le grand bassin. Et il fait réaliser un 341ème jet d'eau qui culmine à 100 mètres de hauteur ! Frissons garantis depuis les embarcations sur le grand canal !

Pour ce roi-Soleil, il invite depuis "le point de vue du roi", la lune sous la forme d'une anamorphose, et, sur le pavement très géométrique de la cour de marbre, l'espace avec le gisant du premier homme à avoir voyagé dans l'espace, le russe Gagarine.

Pour cette monarchie qui courait à sa perte, il utilise la couleur violette "la couleur du deuil du roi, la couleur du religieux mais aussi de l'excès, du décorum et des délires Seventies" (1) et l'attelage violet lancé au grand galop, qui peut évoquer la fuite à Varennes dans la cour d'honneur, est particulièrement réussi.

Utilisant un certain nombre de techniques et supports modernes (sculptures en 3D, pixels, bronze, mobile ...), ces œuvres nous permettent de découvrir ou de redécouvrir Versailles avec tonicité et poésie.

(1) Textes entre guillemets de l'auteur

(2) Exposition Veilhan en détail là

(3) Interview de Xavier Veilhan ici

Escapade 4 : Danse bleue !

Dernière escapade de ces quartiers d'été, une découverte étonnante avec cette installation de Robert Henke et Christopher Bauder ...

Point d'ancrage : "Misconceivable"

Sur le canal de la Martinière, Erwin Wurm, artiste sculptural, a imaginé un bateau, voilier de son état, "Misconceivable" prêt à rejoindre ses congénères et à plonger dans le grand bleu ! 

Quel face à face cocasse !

Ces "Misconceivable" ne dépareillaient pas dans les dessins animés ... Et tout compte fait, il est peut être plus prudent de ne pas monter à bord !

Pour autant certains y voient un petit clin d'œil inconceivable à la Dali  !

 

Escapade 1 : un bestiaire improbable !

Après les photographies rafraîchissantes et insolites de Paola Pivi, je ne résiste pas dans le même registre à vous montrer un tout petit extrait de la "Bossa Fataka" de Rameau sur une chorégraphie de la Compagnie Montalvo Hervieu !