Bleu de cobalt

Effets de vent

Paysage rythmé par des troncs d'arbres, oscillation de la végétation, reflets dans l'eau, luminosités éclatantes ou plus ternes, effets de feuillage, voici quelques une des toiles peintes par Claude Monet au cours des années 1890 sur les peupliers. Cette série, peinte entre celles des meules et de la cathédrale de Rouen, dont le motif existe déjà avant 1890 (Peupliers à Giverny, 1888), connut un succès immédiat à une époque friande de peintures d'extérieur (à la même époque, par exemple, la série de vergers de Van Gogh).

Pour la petite histoire, cette série va être une véritable course contre la montre, puisque les arbres que peint Claude Monet sont voués à disparaître et qu'il va même jusqu'à payer le marchand de bois, qui acheté la parcelle, pour reporter de quelques semaines la destruction de ceux-ci.

Touches promptes (Les peupliers au bord de l'Epte, 1891, à droite) ou à peine esquissées (Effets de vents, série de peupliers, 1891, à gauche), "la composition, coupée dans le vif, matérialise elle aussi le sens de l'instantanéité, comme si le peintre, ne pouvant embrasser tout le déploiement des arbres, pas plus que la succession des heures, se contentait d'un fragment, pour dire l'ensemble.

Parfois enlacée en sinuosités asymétriques, à la manière japonisante, la composition parvient à rendre visible le cheminement des berges autant que le passage du vent dans les feuilles, de telle sorte que c'est un parcours visuel et mental que le promeneur accomplit en compagnie de Monet." (1)(2)

Un parcours fragmentaire rythmé par le temps...

(1) Dossier de l'art n° 177 sur l'exposition Monet aux Galeries Nationales du Grand Palais

(2) Une illustration musicale des Peupliers en automne, au centre, cliquez ici

La danse de la vie...

Peut être avez-vous eu la curiosité de regarder quelques uns des films de Mark Lewis, auquel cas vous aurez peut être découvert celui-ci Northumberland (en 2005) dont le plan fixe me renvoit étroitement à l'univers d'Edvard Munch, à la fois pour les éléments qui composent l'image (rochers, arbres) et pour la jonction eau/ciel et terre, et surtout pour l'implacable impression du temps qui passe comme dans la danse de la vie...

Northumberland, 2005, pour voir le film cliquez ici

"Au milieu, la grande toile que j'ai peinte cet été. Je dansais avec mon premier amour ; il s'agissait d'un souvenir d'elle. C'est alors qu'entre la femme souriante aux boucles blondes, qui veut arracher la fleur de l'amour, mais qui ne s'autorise pas à être elle-même cueillie. A l'opposé, une femme habillée de noir regarde, pleine de chagrin, le couple en train de danser. Elle est l'exclue, tout comme j'ai été exclu par sa danse [...]" (1)

Edvard Munch, La Danse de la vie, 1899-1900

"La fresque de vie a été pensée comme une série cohérente de tableaux, qui doivent donner ensemble un aperçu de la vie. Toute la fresque est traversée par la ligne diffuse du rivage, au-delà de laquelle déferle la mer toujours en mouvement ; Les diverses formes de la vie se déploient sous le couvert des grands arbres, avec leurs soucis et leurs joies.
J'ai ressenti cette fresque comme un poème de vie, d'amour et de mort... les tableaux avec le rivage et les arbres - ce sont toujours les mêmes couleurs qui réapparaissent ici -, la nuit d'été donne l'accord -, les arbres et la mer donnent les lignes verticales et horizontales qui se répètent sur toutes les toiles, le rivage et les personnages donnent le ton de la vie qui foisonne à son gré -, des couleurs puissantes répandent à travers toutes les toiles l'écho du même accord..." (2)

(1) et (2) Ecrits d'Edvard Munch

Chantier paysage

Impressions, perceptions particulières, Mark Lewis, photographe cinéaste nous emmène dans un monde à la fois très proche et très lointain. Avec son regard particulièrement aiguisé et un montage minimaliste, il parvient à nous transporter avec des prises de vue, somme toute banales, dans une sorte de contemplation picturale assez inédite.

 
Algonquin park, september 2001 © Courtesy : studio Mark Lewis et galerie Serge Le Borgne

"Plus généralement, les films de Lewis (1) n’ont ni début ni fin et circonscrivent très souvent des espaces urbains ordinaires, marqués par l’inachèvement ou l’abandon. Les modalités de tournage, la vitesse et l’angle de prise de vues, les jeux de lumière, de cadrage et les mouvements de caméra donnent à ces lieux une intensité et une dimension d’étrangeté qui font basculer le rapport entre l’identité de ce que l’on voit et la perception qu’on en a." (2)

(1) Les films de Mark Lewis sur son site

(2) Extrait du Petit Journal sur Mark Lewis

Monet et l'abstraction

Avant de vous emmener à la découverte de l'exposition Monet au Grand Palais, je souhaitais aujourd'hui revenir sur l'exposition "Monet et l'abstraction" qui vient juste de se terminer au Musée Marmottan.

C'était à vrai dire une exposition pour Bleu de Cobalt ! avec les nombreux parallèles établis entre les toiles de Monet, précurseur de l'impressionnisme, et celles d'un certain nombre de peintres abstraits comme Rothko, Sam Francis, Pollock, Zao Wou-Ki, Mark Tobey, Joan Mitchell... dont on ne peut être que frappé par l'écho et la ressemblance.

Si certains rapprochements sont évidents, comme ici où l'on retrouve la même vibration rouge orangée entre le tableau phare de l'impressionnisme "Impression, soleil levant" de 1872, et ce tableau "Untitled" peint par Rothko en 1969...

  

... ou encore ce "Saule pleureur" à côté de cette toile "Untitled" de Zao Wou-Ki dont les masses dessinées semblent reprendre l'impression de fouillis végétal...

 

 

 

 

 

 

 

 

... ou encore ces esquisses de traits "Painting" de Joan Mitchell à côté des filaments de peinture  rapidement tracées de Monet à la fin de sa vie dans sa série des ponts japonais, ici l'une de ses toiles "Pont Japonais", peinte vers 1918, où le dessin et la forme semblent une fois de plus se fondre... 

  

... d'autres semblent plus discutables comme s'il fallait absolument trouver des points communs.

Pour autant, on ne peut être que frappé par l'écho entre ces peintres abstraits et l'évolution de la peinture de Monet, en ce sens Monet est indiscutablement un précurseur de l'abstraction.

De l'art et du requin

Me voilà partagée entre l'anecdotique et l'artistique ... pour l'exposition "Cornucopia" qui a lieu au Musée Océanographique de Monaco jusqu'à fin septembre 2010.

  A l'occasion du centenaire du musée, une rétrospective est consacrée à l'artiste Damien Hirst, avec une soixantaine de ses œuvres ainsi que quelques nouvelles sculptures qui couvrent une quinzaine d'années de sa carrière. Connu pour son fameux "Veau d'or" enfermé dans un aquarium rempli de formol, l'artiste a déclaré à l'occasion de cette manifestation "qu'il n'a jamais été aussi facile de faire de l'art" et l'on n'en doute pas !

Accueillis par une minuscule colombe blanche "After the Flood" suspendue comme par magie, nous débouchons sur le fameux squale "Immortal 1997-2005" (ci-dessus) entouré par quelques vitrines dont deux Stills avec des instruments dont on devine aisément l'usage et qui font un peu froid dans le dos. Au palier du premier étage, un cabinet de curiosité moderne, en acier inoxydable de 9 mètres de long, renferme une superbe collection de papillons, de scarabés et d'insectes (il y en aurait 3.502 !) qui nous fait face "The Forgiveness". Dans les deux grandes salles et mezzanine à cette étage d'autres séries de tableaux avec des papillons qui s'insèrent tellement bien dans le musée que dans un premier temps on ne les remarque pas vraiment. J'oubliais un petit soupoudrage de toile sur les vanités, ici "Beautiful Vertummus Stream of Consciousness Painting" (ci-contre) et quelques sculptures devant le musée, la terrasse et le Musoir de la Digue du Port de Fontvieille (et même sur la terrasse on ne parvient quasiment pas à "voler" une photographie, gardien de sécurité oblige).

Comme vous avez peut être pu le comprendre, j'ai été un peu déçue par cette exposition (1) (2). Indéniablement on sent que l'artiste est "fasciné par le Musée, son ambiance, son architecture et la diversité de ses collections", et ses œuvres se fondent parfaitement dans cette ambiance, mais justement peut être de trop. On ne ressent pas d'émotion particulière devant les deux requins alors que quelques mètres plus bas l'émotion est là, palpable, derrière les vitres des aquariums. Finalement l'univers de Damien Hirst met à la portée de tous les sempiternels bocaux de formol ou les cartons de rangement que l'on peut voir au Muséum National d'Histoire Naturelle même si parfois quelques œuvres se rapprochent plus de l'environnement médical ou sont plus difficilement supportables par le public (comme le mouton coupé en deux dont on voit les entrailles), so wait ...

(1) Un diaporama de l'exposition et l'exposition "Cornucopia" au British Museum en 2008

(2) Une vidéo sur l'exposition

O bleu ...

O, suprême Clairon plein des strideurs étranges,
Silences traversés des Mondes et des Anges :
- O l'Oméga, rayon violet de Ses Yeux !

Alexandre Cabanel (1) (2), La naissance de Vénus, 1863,
huile sur toile, 130 × 225 cm, Musée d'Orsay, Paris

« A noir, E blanc, I rouge, U vert, O bleu : voyelles, / Je dirai quelque jour vos naissances latentes. » On a proposé bien des explications pour cette couleur des voyelles, la plus plausible demeurant, semble-t-il, la solution anatomique. Le sonnet de Rimbaud ne serait rien d’autre qu’un blason du corps féminin, dans la tradition de la galanterie énigmatique. A, la vulve (« noir corset velu... »), E, les seins (« lances des glaciers fiers... »), I, la bouche (« rire des lèvres belles... »), mais, comme il est bien difficile de trouver à la surface du corps le moindre signe vert, hormis la pupille (mais celle-ci est confisquée par « O bleu »), on ne voit pas comment le jeune Arthur a pu s’acquitter de sa gageure érotique. (3) (4)

(1) Exposition "Alexandre Cabanel, La tradition du beau" à Montpellier du 10 juillet au 5 décembre 2010, un article de Didier Rykner sur Tribune de l'Art et un autre éclairage de Philippe Dagen

(2) Vidéo sur l'exposition

(3) Ecrits d'Alain Roger

(4) Avec une suggestion d'accompagnement musical chez Poisson Rêveur et un très beau texte sur la poésie "L'or du temps" sur le blog "A saut & à gambades"

Des graffitis étincelants !

Aujourd'hui, c'est avec ces quelques toiles (1) que je voudrais vous faire découvrir Jean-Michel Basquiat, un artiste de l'unterground new-yorkais dont on fête le cinquantenaire de sa naissance et qui est décédé à l'âge de vingt-sept ans d'une overdose.

Fils d'un immigré haïtien et d'une mère d'origine portoricaine, il démarre par des graffitis sur les murs de Manhattan signés sous le pseudo de "Samo" ("same old shit") puis, à l'âge de 19 ans, il passe à la peinture avec une frénésie incroyable. 

C'est cette frénésie que nous présente avec brio la Fondation Beyeler (2) avec cette rétrospective qui lui est consacrée à Bâle jusqu'au 5 septembre et qui sera ensuite présentée à partir du 15 octobre au Musée d'Art moderne de la ville de Paris.

«Je commence un tableau et je l’achève. Je ne pense pas à l’art pendant que je travaille, j’essaye de penser à la vie.»

Couleurs vives, contrastées, présence de squelettes, de crânes, de couronnes de roi, mots en vrac (signes, pictogrammes, mots parfois qui recouvrent complètement la toile), repeints, collages, fortement influencé par certains artistes contemporains comme Picasso, Twombly ou Rauschenberg, alchimie entre ses racines afro-américaines et la culture occidentale, ses œuvres apparaissent comme des icônes de l'époque contemporaine avec la représentation de certains maux qui hantent la société actuelle (la violence, la drogue, le racisme, ...). Une sorte de hip-hop pictural avec des graffitis étincelants !

«Je crois que Jean-Michel a vécu comme une flamme. Il a brûlé haut et clair. Puis le feu s’est éteint. Mais les braises rougeoient encore.»(3)

(1) Les œuvres présentées : Boy and Dog in a Johnnypump, 1982, Untitled, 1981, Untitled, 1982, Light blue movers, 1987, In italian, 1983
(2) Une vidéo sur l'exposition, ici
(3) propos du graffeur new-yorkais Fab 5 Freddy

Ceci n'est pas un Magritte ! (2)

... suite

Titres décalés (1), jeux avec les mots et les images, puisque définitivement "ceci continue de ne pas être une pipe", René Magritte nous emporte dans un monde réel mais totalement inconnu.

C'est le cas avec ce paysage très banal, quelques montagnes au loin, une eau calme, un bout de terre, nous sommes sur "L'Île au Trésor" (1942) et des oiseaux (que l'on retrouve très souvent dans l'œuvre de Magritte) mais ici ils remplacent le végétal, ce sont des oiseaux-feuilles : "si l'on imagine des jeunes filles en fleurs, on peut également admettre des oiseaux en fleurs. L'apparition de cet oiseau est agréable comme au lever du soleil" dixit Magritte. Et sous un ciel partiellement nuageux, ils semblent apporter sous leurs ailes protectrices un havre de réconfort.

Rapprochement inattendu de la terre et du ciel au travers du corps d'une femme et c'est ce très beau tableau "La magie noire" peint en 1945 qui n'est pas sans rappeler certaines toiles de Salvador Dali où "Magritte transforme la chair de la femme en ciel, il fait, dit-il, "un acte de magie noire"" (2).

Très souvent aussi avec Magritte, nous retrouvons une note humoristique. Il n'y a qu'à voir son interprétation de "La Joconde" ou "La Poitrine" ci-dessous s'il fallait encore en être convaincu ! Voilà que je ne peux que vous inciter à venir jusqu'à Bruxelles pour embarquer dans l'univers si décalé et poétique de Magritte !

"Je n'ai pas le sentiment "d'ajouter" quelque chose au monde, où irais-je prendre ce que j'ajoute sinon dans le monde ?"

(1) "Ses peintures jouent souvent sur le décalage entre un objet et sa représentation. Par exemple, un de ses tableaux les plus célèbres est une image de pipe sous laquelle figure le texte « Ceci n’est pas une pipe » (La Trahison des images, 1928-1929). Il s’agit en fait de considérer l’objet comme une réalité concrète et non pas en fonction d’un terme à la fois abstrait et arbitraire. Pour expliquer ce qu’il a voulu représenter à travers cette œuvre, Magritte a déclaré : « La fameuse pipe, me l’a-t-on assez reprochée ! Et pourtant, pouvez-vous la bourrer ma pipe ? Non, n’est-ce pas, elle n’est qu’une représentation. Donc si j’avais écrit sous mon tableau « ceci est une pipe », j’aurais menti ! » Extrait de Wikipédia

(2) Cf. Magritte aux Musées des Beaux-Arts de Belgique, p. 52

(3) En complément, la Fondation Magritte, voir la galerie virtuelle et une vidéo sur le musée, ici

Le Caravage en clair obscur (2)

... suite

Progressivement, les figures seules qui marquent les débuts du Caravage vont être remplacées par des compositions plus élaborées, avec des scènes de genre, puis de plus en plus, des sujets religieux (inspirés de l'ancien ou du nouveau testament) qu'il va traiter avec un réalisme étonnant.

Bien loin de la grâce juvénile de ces premiers tableaux, le tableau "Judith décapitant d'Holopherne" peint en 1599 marque une tension dramatique particulièrement saisissante. Une scène horrible se joue sous nos yeux : sous les tonalités intenses d'un rideau rouge, rouge sang, Judith, à bonne distance d'Holopherne, semble se convaincre à terminer son exécution, tandis que ce dernier connait les derniers soubresauts avant l'instant final, sous les yeux d'une servante impavide. Extrême tension des corps, présence de la lame tranchante, filets de sang obliques, densité des portraits avec la tête expressive d'Holopherne et la beauté de Judith contrastant avec le visage de la vieille femme (qui fait penser à certains visages de Mantegna), tout concourt au réalisme et à la théâtralisation de cette scène qui va jusqu'à être résumée dans ce linge tendu - c'est fini - tenu par la servante.

Même théâtralité avec "L'arrestation du Christ", tableau que Le Caravage peint en 1602. Pris dans une bousculade, le Christ accepte sa destinée d'un geste poignant : doigts croisés, paume vers le sol, il se laisse embrasser sans grande conviction, c'est Judas qui donne son baiser. Et de nouveau, cette scène centrale est entourée par les étoffes rouges, tandis que la lumière qui se reflète sur les armures des soldats romains ne provient pas de ce lampion qu'un homme lève à droite, mais vient de l'extérieur gauche apportant comme un coup de projecteur sur cette scène ce qui pourrait faire presque croire à une illusion une fois la lumière coupée. A noter ici le cadrage resserré sur les protagonistes et la ligne oblique qui scinde le tableau en deux, avec d'un côté la lumière, et de l'autre l'ombre.

Composition horizontale, composition verticale, tout semble simple pour Le Caravage ! Et parmi les grandes compositions, "La mise au tombeau" datant de 1602-1603 est sans doute parmi les plus réussies et équilibrées. Sur un fond uniformément noir, le corps du Christ est accompagné dans cette mise au sépulcre, depuis les bras levés de Marie-Madeleine, en passant par l'attitude recueillie de la Vierge Marie, habillée en nonne, ainsi que celle de la femme à ses côtés, puis celle des deux hommes, Joseph d'Arimathie à droite et Nicomède à gauche, qui le portent délicatement, jusqu'au bras arrondi inerte du Christ qui touche la dalle de pierre qui ouvre sur le caveau. Ce mouvement en arc de cercle est remarquablement mis en valeur par le jeux des mains, mains implorantes de Marie-Madeleine, main affligée de la femme, main protectrice de Marie au dessus de la tête de son fils, main de Nicomède près d'une plaie du Christ, main tombante du Christ. A remarquer là encore, ce drapé rouge vertical entre la Vierge Marie et le Christ, et le linceul blanc qui éclaire le bas du tableau.

Une fois de plus on ne peut être que frappé par la maîtrise de la composition, l'expressivité des visages et des attitudes, l'intelligence avec laquelle la lumière et l'ombre sont traitées.

(1) Interview du Commissaire de l'exposition, Claudio Strinati

(2) Un article intéressant sur la lumière chez Le Caravage

Le Caravage en clair obscur (1)

A l'occasion des 400 ans de la mort du Caravage, une exposition exceptionnelle a rassemblé à Rome aux Ecuries du Quirinal vingt-quatre de ses œuvres et je crois que je suis encore sous le choc !

A tel point que je peine à retrouver sur le net des images de ses tableaux, fidèles à la réalité que j'ai pu voir. Il faut dire que les tableaux exposés étaient servis par une scénographie éblouissante : dans la pénombre, ils se détachaient soit sur un fond carmin, soit vert tilleul.

Et dès ses œuvres de jeunesse, on sent une maîtrise impressionnante. Ainsi dans "Le Garçon à la corbeille de fruits", peint en 1593-1594, "la description des nombreux fruits, les qualités transparentes ou veloutées de leur surface, de leur consistance, des différents accidents dans les feuilles est sans précédent" (1). Une virtuosité a l'égal des natures mortes hollandaises que l'on va admirer par la suite.

Mais il y a déjà plus encore, il y a la présence de ce jeune garçon mis en valeur par l'éclairage (la lumière qui provient de l'extérieur du tableau éclaire son épaule droite) et dont l'attitude languide ne peut que retenir notre attention avec ses yeux dans le vague et ses lèvres entrouvertes. 

A peu près à la même période en 1594-1595, et peut être inspiré par "Le Concert champêtre" désormais attribué au Titien, il peint "Les Musiciens", un groupe de jeune garçons réunis autour de la musique. Nous y retrouvons le joueur de luth de face avec en second plan un autre musicien dont le visage rappelle le garçon à la corbeille (ce serait un autoportrait du Caravage) tandis que les deux autres personnages apparaissent secondaires : "la présence si forte des deux portraits au centre du tableau empêche d'appréhender ce groupe de manière conventionnelle, malgré le ton classique de la composition, fondée sur l'antithèse entre le joueur de luth vu de face et le garçon vu de dos". (1)

A remarquer ici l'habileté dans le rendu des étoffes et des drapés et déjà la présence de ce drapé rouge théâtral que l'on va par la suite retrouver très fréquemment dans les œuvres du Caravage (l'exemple le plus abouti en étant peut être dans la toile "La mort de la Vierge").

A suivre ...

(1) Le Caravage, Giorgio Bonsanti

(2) Une présentation de l'exposition sur Arte, ici