Bleu de cobalt

Culture 2.0

 

Quand la révolution culturelle réécrit les grands classiques, ça donne ça : 

 

 

    Les Boloss des Belles Lettres et leur ambassadeur, Jean Rochefort, ont crée le buzz ces derniers mois (leurs vidéos sont notamment diffusées sur France 5). Et il y a de quoi ! Imaginez les pages de Molière, Choderlos de Laclos, Zola, ou bien de Saint-Exupéry écrites dans la langue 2.0, avec les codes et les expressions de la "génération Internet". Cela peut paraître ingrat pour certain, mais une vraie révélation pour d'autres...

    À l'origine, Les Boloss des Belles Lettres n'utilisaient qu'un seul support qui était leur site Tumblr (site). Mais avec le succès grandissant de leurs réécritures, ils ont publié un livre et ouvert une chaîne YouTube. À l'ère numérique, être visible sur tous les supports s'avère être une nécessité, et permet aussi de fidéliser des publics différents selon les formats. Et finalement, écrire dans la "langue Internet" est la seule manière d'atteindre un public qui aujourd'hui, malheureusement, se détourne de plus en plus de la culture.

   Jean Rochefort incarne alors le symbole de ce "gap" entre les uns, aficionados des réseaux sociaux et les autres, défenseurs du livre papier et de la culture dite "classique". Certes, c'est peut-être une réduction simpliste et stéréotypée, mais il faut reconnaître qu'un grand nombre de personnes aujourd'hui ne s'intéresse qu'aux contenus qui sont adaptés à leurs propres codes (hashtags, expressions, etc...). On le voit notamment dans le domaine de la communication ; l'analyse des discours de communication montre que le langage Internet a presque inventé une nouvelle langue. Dorénavant, d'une certaine manière, c'est la culture qui doit venir au public et non plus le public qui doit venir à la culture. D'autant plus que le public est habitué à avoir accès à une information instantanée et le plus souvent gratuite. 

    À l'image des Boloss des Belles Lettres, il existe dans le registre musical l'émission Eve Ruggieri raconte... sur Radio Classique qui est une autre manière de raconter l'histoire de la musique. Elle rend les oeuvres classiques plus accessibles, loin du ton magistral que pourrait avoir un cours sur les mouvements musicaux et les grands compositeurs. Les anecdotes et les touches d'humour attisent la curiosité du lecteur/auditeur/téléspectateur/internaute ce qui rend immédiatement le contenu plus attirant.

    L'entertainment est devenu une norme que l'on ne peut pas ignorer. Ainsi, pour susciter l'intérêt du public, le visuel et le format (dans le cas des vidéos et du livre des Boloss des Belles Lettres) - ce qu'on peut appeler le "packaging" - jouent un rôle très important. Jean Rochefort excelle dans cet exercice puisque les vidéos YouTube deviennent une prestation unique que l'on peut voir directement chez soi. Les nouveaux supports apportent un point de vue différent et créent un nouveau rapport à la culture. 

    Dans la même perspective, de grandes oeuvres musicales sont revenues au goût du jour grâce à des DJ et des beatmakers qui les ont intégrées à des remix ou en ont fait des instrus. Il faut tout de même rappeler que la musique classique reste une source d'inspiration inépuisable pour les musiciens d'aujourd'hui, qu'ils soient chanteurs, pointures de l'électro ou bien rappeurs. Par exemple Yoann Lemoine, alias Woodkid, représente ce "projet musical" comme le dit France Inter ; il symbolise le pont entre culture classique et culture moderne. Le rappeur américain Meek Mill, quant à lui, fait du Lacrimosa de Mozart l'instru de son morceau Lord Knows. Lacrimosa, tiré du Requiem Mass in D minor, donne une profondeur transcendante au flow de Meek Mill. 

 

 

    En plus du contenu audio, le clip offre aussi une fenêtre ouverte sur l'univers cinématographique étant donné que le morceau a été utilisé dans le film Creed, L'Héritage de Rocky Balboa. Il existe une véritable convergence entre tous les domaines de la culture qui est encore plus manifeste aujourd'hui grâce au relai entre les différents médias. 

    On peut dès lors parler d'une culture 2.0, qui en gardant le même contenu, parvient à renouveler sa forme. Les spécialistes parlent très souvent d'une "révolution numérique" pour caractériser ce phénomène (révolution qui touche tous les médias). D'ailleurs, Google Books vient d'avoir le feu vert pour continuer son projet tant controversé de créer une bibliothèque numérique, ce qui est l'exemple même d'une forme de culture de plus en plus numérisée. 

Découverte guidée de l'univers de James Blake

    Découvert en 2009, ce nouveau génie du genre dit « electronic-soul » ne cesse de séduire. Étudiant à Goldsmiths (une école à Londres) en musique populaire, ce jeune homme d'une vingtaine d'années a pris l'habitude d'enregistrer des chansons dans sa chambre. Son premier single « Airand Lack Thereof » marque le début d'une carrière ascensionnelle.

    James Blake a la particularité d'être innovant en matière de sons et de textures. Il arrive, de manière assez impressionnante, à réaliser des manipulations vocales qui lui permettent de bâtir son style dans la lignée du chant diphonique. Son univers unique nous plonge dans une sorte de monde parallèle (si, bien sûr, on est sensible à son genre musical). L'univers qu'il s'applique à créer dans chaque chanson est une création pointue et étudiée. En effet, une seule écoute ne permet pas de saisir l'ensemble des sons. Ses chansons redeviennent alors sans cesse une décuverte à chaque écoute. Pour comprendre les quelques minutes qu'il nous offre, il faut être attentif aux moindres sons qui sont presque indescriptibles. Le plus surprenant chez ce jeune « DJ », c'est qu'il a la capacité de voyager de styles en styles ; on passe d'une ambiance indie à des résonances plus techno avec toujours une touche expérimentale. De la plus touchante à la plus étrange de ses chansons, un leitmotiv aérien fait figure de personnage principal. En seulement quelques instants, l'apesanteur musicale est donc de mise ; la musique de James Blake est quelque chose à apprécier tant dans son intégralité que dans son unicité. Sa voix si caractéristique, sous des faux airs de Bon Iver et Outlines, acquière plusieurs dimensions. C'est probablement cet effet qui provoque, en partie, une profondeur certaine derrière l'aspect éthéré de son style.

    Le caractère pointilleux de sa maîtrise musicale conçoit à chaque fois une nouvelle histoire. La plupart de ses titres démarrent très sobrement et arrivent à un point clé où sonorités, résonances et éclats s'entremêlent. Même si parfois son style choque, ou paraît trop poussé, on se laisse volontiers porter par le croisement des différentes voix qui paraissent hors de portée. De plus, il arrive à manier les sons de manière à ce qu'ensemble, ils forment une réelle harmonie.

    Je ne cache pas que, pour ma part, je préfère ses titres de 2011 à aujourd'hui car je les trouve moins « psyché ». Son style actuel me parle beaucoup plus. Par ailleurs, à part quelques exceptions, il ne chantait pas dans ses premiers titres. Je trouve que sa voix rajoute un côté stratosphérique à sa musique, ce qui rend l'ensemble vraiment cohérent. Il accompagne sa voix de rythmes très terre à terre et profonds, créant ainsi un vrai contraste entre apesanteur et intensité. Sa plus grande qualité reste incontestablement, sa manière de mixer les sons et les voix qui fait de lui un artiste à part entière. Sa sensibilité musicale est largement discernable et il sait la partager à tous ceux qui y sont réceptifs. 

    Je vous invite donc à découvrir cet artiste sans plus attendre, et plus particulièrement quelques titres qui sont vraiment révélateurs de son style :

Retrograde – Limit to your love – The wilhelm scream – Unluck – Lindisfarne I et II –  A case of you ainsi que CMYK (un de ses titres phares).

    Il a également donné naissance à un nouveau projet en collaboration avec l'artiste anglais Trim (connu aussi comme Trimbal ou encore Roll Deep’s Trim), avec le soutien de R&S Records. Sous le nom d'Harmonimix, ils ont sortis quelques titres dont « Confidence boost » (à écouter), et ont déjà remixés des titres comme « A milli » de Lil Wayne ou « Bills bills bills » de Destiny's Child. Dans cette lignée, je vous invite également à écouter ce titre : Something about you - Majid Jordan qui se rapproche énormément de l'univers de James Blake.  

 

    Le lien de son site internet est : James Blake. Son site est d'une esthétique très soignée et ses clips sont d'ailleurs tout aussi artistiques que ses chansons. Mon grand coup de cœur est la vidéo de « A case of you » (vidéo du clip). Vous pouvez également trouver son dernier album (par exemple) Overgrown à la FNAC pour 7€ (lien Fnac).

 

 

L'exposition Martin Scorsese

        Avis à tous les cinéphiles : l’exposition sur Martin Scorsese à la Cinémathèque de Paris est l’un des rendez-vous incontournables de l’année. Cette grande rétrospective sur la carrière du cinéaste retrace non seulement son travail en tant que réalisateur, mais révèle aussi les influences qui l’ont marqué depuis son plus jeune âge. L’exposition bénéficie notamment de la collection privée de Martin Scorsese ainsi que de celles de Robert de Niro et Paul Schrader - deux figures essentielles du cinéma « scorsesien » - ce qui permet un rapport plus intime à ces « stars » que l’on voit souvent de loin.

    L’agencement de l’exposition est très bien pensé ; ici et là de grands écrans qui diffusent des extraits de films, à côté on trouve des vitrines emplies de précieux manuscrits et aux murs de nombreuses photographies. Le parcours est ponctué de panneaux lumineux qui mettent en exergue les différentes inspirations de l’univers de Scorsese : New York et sa « Little Italy », les émigrés italiens, la vie des gangs et de la rue, le thème de la fraternité, etc… L’exposition se conçoit alors comme l’envers du décor hollywoodien. En effet, les photographies de tournage, les scripts manuscrits ainsi que les dessins du découpage technique faits par Scorsese lui-même dévoilent les coulisses de ses films.

    L’exposition se concentre tout de même largement sur ses productions les plus anciennes ; on regrette alors quelque peu que ses films les plus récents comme Le Loup de Wall Street n’apparaissent qu’à la toute fin à travers une affiche et quelques photographies. Malgré cela, la mise en perspective de la vie de Scorsese, de ses relations avec ses acteurs fétiches (Robert de Niro, Léonardo di Caprio, etc…) et de son art en lui-même, nous permet de saisir et comprendre le regard du cinéaste. Désormais, il sera dur de regarder un des films de Scorsese sans penser à tout ce qui se joue dans son oeuvre car l’exposition permet aussi cela ; avoir un point de vue pointu sur ses films et savoir en développer une profonde analyse.

    Cette exposition saura alors ravir le plus grand nombre car Martin Scorsese est un monument du cinéma moderne pour les cinéphiles mais aussi pour le grand public. C’est un tout autre regard que permet cette rétrospective dans le sens où on a la possibilité de découvrir tout ce qu’on ne voit jamais à l’écran. Et pour les plus mordus de cinéma, la Cinémathèque de Paris a également programmé la projection de l’intégralité de ses films.

 

Exposition Martin Scorsese

Du 14 octobre 2015 au 14 février 2016

Cinémathèque française, 51, rue de Bercy 75012 Paris

Lundi, et mercredi à vendredi de 12 à 19h.

Week-end, jours fériés et vacances scolaires de 10 à 20h.

Nocturne le jeudi jusqu’à 22h.

Fermeture le mardi.

Pour plus d'infos : Exposition Martin Scorsese

Un récit de voyage moderne

 

    

 

    C’est un touchant témoignage de sa vie que nous livre Luis Sepúlveda dans son premier roman Le vieux qui lisait des romans d’amour. Prix France Culture du roman étranger en 1992 ainsi que prix Relais H du roman d’évasion, ce récit poignant nous fait voyager dans la profondeur de la forêt amazonienne. L’auteur nous invite aux confins du monde colonisé et de la nature à son état le plus originel. Ainsi, à travers cette fiction inspirée de faits réels, ce dernier nous transmet son expérience chez les Indiens Shuars suite à sa participation à une recherche de l’UNESCO sur « l’impact de la colonisation sur les populations amazoniennes ».

    

 

 

 

    Et voilà qu’arrive Antonio José Bolivar ; le vieil homme est toujours là pour l’arrivée des bateaux au port. Mais cette-fois ci, les bateaux n’amènent pas de bonnes nouvelles. Grâce à un début in medias res, le livre nous projette alors dans cette petite île d’El Idilio le jour où les habitants découvrent, dans une pirogue, le cadavre d’un jeune homme blond. Le maire, personnage puant surnommé « la limace », s’empresse d’accuser les Indiens Shuars qu’il traite même de « sauvages » tandis que tout semble indiquer que c’est l’oeuvre d’un animal. Motivé par cet élément déclencheur, le récit opère un retour en arrière qui met en lumière la vie d’Antonio José Bolivar ; ce fils adoptif des Indiens Shuars et à la fois réfugié d’El Idilio.

    Cependant, l’histoire bascule une deuxième fois puisqu’une nouvelle victime est retrouvée. Le maire décide donc de partir en expédition avec ses hommes dans les abîmes de la forêt amazonienne aux côtés d’Antonio José Bolivar afin de chasser le félin aux griffes acérées. Mais, la peur au ventre, les hommes de la ville préfèrent rebrousser chemin et laisser Antonio José Bolivar mener la recherche seul. Le vieux continue la traque et quand il trouve enfin la bête, le duel s’entame frénétiquement. La suite s’offrira à ceux qui, curieux, entameront ce livre sans jamais s’arrêter.

    Un vieux qui lisait des romans d’amour est, en effet, un livre qu’on lit d’un trait. Un de ces livres qui vous emportent dans des contrées lointaines par le biais d’une langue imagée. L’auteur emploie un vocabulaire riche mais concis, toujours saisissant, presque fulgurant. Cependant, l’esthétique très recherchée de la langue n’est qu’un aspect du roman. Au delà de la beauté de la langue, Luis Sepúlveda nous livre une profonde réflexion sur la réalité de son époque ; un monde divisé par les préjugés. Une réalité qui semble encore persister de nos jours (la situation en Australie par exemple ; le pays est le théâtre d'affrontements entre les Aborigènes et le reste de la population).

    Le fil de l’intrigue, mené en quelque sorte à la manière d’une enquête policière, nous retient dans une tension permanente. Au fur et à mesure des pages, le décor se construit et ce paysage inconnu finit par devenir familier. Ce roman, inspiré d’une expérience réelle peut finalement être comparé aux récits de voyage apparus dès le XIIIème siècle. Luis Sepúlveda en fait une réécriture moderne en nous invitant à voyager à ses côtés au coeur de l’Amazonie déchirée entre deux mondes : celui des colons et celui des colonisés. En prêtant sa voix à son personnage principal, Luis Sepúlveda prend du recul par rapport à la dimension autobiographique de son oeuvre.

    C’est là que réside toute l’ingéniosité de son écriture puisque ce recul lui permet de développer une réflexion d’ordre sociologique et historique tout au long du récit, ce qui fait d’ailleurs penser aux ouvrages de Claude Lévi-Strauss (même si bien évidemment nous ne sommes pas dans le même registre). Il y a, incontestablement, une portée métaphysique à travers l’intrigue car il s’agit également de l’affrontement entre la vie et la mort. Dans ce récit de voyage à l’allure moderne, où le schéma s’inverse afin qu’Antonio José Bolivar nous livre la vision de ceux qui subissent la colonisation, chaque image est un symbole. Ainsi, les grands moments de la vie d’Antonio José Bolivar sont métaphorisés par des rites de passage propres aux cultures amazoniennes. L’épreuve du venin du serpent rejoint le « venin de la vieillesse » de la même manière que le duel avec le félin représente un combat avec la mort. Si l’on observe avec attention la construction du récit, la chasse est l’élément qui se trouve toujours en filigrane tout au long du récit. Cette chasse devient l’incarnation du devenir de l’homme ; tantôt chassé, tantôt chasseur.

    Le groupe hétéroclite que forme le maire, ses hommes et Antonio José Bolivar apparaît comme la pure et simple métaphore de ces deux mondes qui s’affrontent. Le personnage du maire est l’incarnation même du colon tyrannique et égocentrique, d’une cupidité redoutable. Le grotesque du personnage et la critique du gouvernement ont une résonance d’autant plus frappante lorsque l’on sait que Luis Sepúlveda fut emprisonné et exilé en raison de ses convictions politiques.

    Au delà de tout cela, l’auteur nous offre une forme de mise en abyme de la littérature. Antonio José Bolivar, ce vieux qui lit des romans d’amour, incarne le lecteur en quête d’évasion. Grâce à ses lectures, le vieux s’échappe quelques instants de sa cabane humide, pleine de moustiques, pour prendre place dans une gondole à Venise. Luis Sepúlveda nous fait alors doublement voyager et met en avant le pouvoir figuratif des mots. Cependant, la quête principale d’Antonio José Bolivar n’est pas en premier lieu le voyage mais l’expression de la souffrance amoureuse. On regrette alors que l’accent ne soit pas mis sur l’opposition entre les souffrances liées à l’amour - souffrances émotionnelles - et les souffrances du corps. En effet, cette dualité entre douleur psychique et douleur physique paraît peu exploitée alors qu’elle est tout à fait légitime et même attendue. Le rapport au corps lacéré, matérialisé par un vocabulaire frappant parfois même écoeurant, fait de ses blessures la représentation de la barbarie des hommes. Mais de ce fait, on cherche l’affrontement entre sentiments et raison puisque, petit à petit, l’image du corps meurtri se vidant de son sang se banalise sous le regard d’Antonio José Bolivar et perd alors son aspect “tabou” déroutant.

    En lisant Le vieux qui lisait des romans d’amour, on s'embarque dans une rêverie à bord de la pirogue d’Antonio José Bolivar. Le vieux nous guide et nous livre les secrets les plus profonds de la forêt amazonienne. S’il y a bien une chose que l’on doit retenir c’est que la force de Luis Sepúlveda réside dans sa grande maîtrise du vocabulaire. En feuilletant les premières pages, on sentirait presque la pluie ruisseler sur notre visage, la chaleur écrasante nous étouffer la poitrine et la férocité des morsures d’insectes nous déchirer la peau. On apprécie le témoignage fort que nous livre cet auteur activiste à travers son attachant personnage ; Antonio José Bolivar. Ce roman est une lutte perpétuelle, une chasse dans la brume épaisse ; et cette tension nous tient le souffle coupé. Pour le lecteur qui ne connaît pas les paysages amazoniens, c’est tout un imaginaire qui se déploie autour de ces terres inconnues. J’identifie, personnellement, ces paysages à une série de peintures d’Henri Rousseau sur le thème de la jungle, notamment La jungle équatoriale (1) et Le Rêve (2).                  

 
(1)

  (2)

 

    Cela fait partie des livres qui ne peuvent pas laisser indifférent car en plus de poser de nombreuses questions sur des sujets de nature presque anthropologique c’est aussi une ode à l’écriture esthétisée, l’écriture qui chante quand elle parle. En fin compte, on se tient « debout, un livre ouvert sur la table, en train de lire lentement Le vieux qui lisait des romans d’amour, à l’abri de l’infatigable barbarie humaine ». 

 

 

Klein

  Je vous propose aujourd'hui de (re)découvrir le bleu de Klein pour célébrer cette couleur aux milles facettes.

 

    Le fameux "monochrome bleu" de Klein est un bleu mystique, électrique voire un bleu obsédant, intriguant. Il attire l'oeil et invoque tout un imaginaire propre à l'interprétation de chacun. La profondeur de ce bleu saturé matérialise, selon Yves Klein, l'expérience du vide. En effet, ce bleu complexe fixe le vide et l'invisible et leur donne une réalité concrète tout en demeurant une énergie insaisissable. C'est donc à travers cette couleur qu'il parvient à exprimer toute sa sensibilité artistique. Le plasticien décrit même la couleur en ces termes : « Le bleu n'a pas de dimension, il est hors dimension, tandis que les autres couleurs elles, en ont [...] Toutes les couleurs amènent des associations d’idées concrètes [...] tandis que le bleu rappelle tout au plus la mer et le ciel, ce qu'il y a de plus abstrait dans la nature tangible et visible. ». 

 

                        

    Cette couleur, aux inspirations outre-mer, nous plonge dans une autre dimension où le bleu se réinvente à chaque regard. On pourrait presque le qualifier de "manichéen" ou d'antithétique par le fait même qu'il mêle luminosité et obscurité au sein d'un ensemble autarcique. Il est, par essence, la représentation de l'évanescent, du fuyant et concentre ainsi toutes les particules de ce qui est imperceptible à l'oeil nu ; ce qui en fait toute sa force. A travers ce bleu, Yves Klein nous livre alors un macrocosme dont il reste encore tout à découvrir. 

           

Man Ray : photographe surréaliste et... Mondain ?

La rétrospective Man Ray à la National Portrait Gallery est assez impressionnante car très complète. Elle permet d'appréhender les différentes facettes de Man Ray, photographe qui a indéniablement contribué à faire évoluer l'art photographique notamment dans deux domaines : celui du portrait comme celui de la mode.

On y retrouvera bien entendu les photographies les plus emblématiques et qui continuent à alimenter les imprimeurs de posters dans le monde entier (Le violon d'Ingres, les différents portraits de Kiki de Montparnasse dont celui, célèbre, associant le visage de cette femme avec une statuette africaine).

Les expériences du maître sur le procédé de la solarisation sont aussi largement représentées tout au long de l'exposition.

On retrouvera aussi une série de portraits dont la puissance expressive est indéniable (j'ai été particulièrement marqué par le portrait d'un de Maurice de Vlaminck visiblement habité, de la Comtesse de Castiglione, d'Helen Tamiris ou d'Antonin Artaud).

On est aussi frappé, grâce à un nombre importante de clichés, par la modernité incroyable de la photographe et modèle Lee Miller qui fut une des égéries importantes de Man Ray.

Les photographies de mode, réalisées notamment pour Harper's, sont aussi assez bien présentées et mises en perspective.

On dispose par cette exposition très complète et bien faite, d'une vision assez large du travail très prolifique de Man Ray. On est notamment marqué à quel point il évoluait avec aisance dans différents milieux intellectuels et mondains, au delà des purs mouvements surréaliste et dadaïste auquel on l'associe, je trouve, de façon trop restrictive.

Exposition à ne pas manquer si on passe à Londres.

A la National Portrait Gallery jusqu'au 27 mai.

Hopper peintre statique

J'ai découvert l'œuvre d'Hopper il y a vingt cinq ans, quand je séjournais à New York. C'est la collection du Whitney Museum qui m'a permis de découvrir parmi ses pièces les plus importantes. Ce même musée est, en toute logique, l'un des plus importants contributeurs à l'exposition majeure qui se déroule à Paris au Petit Palais du 10 octobre 2012 au 28 janvier 2013. Pour être franc, je n'ai jamais été vraiment fasciné par son oeuvre, lui repprochant essentiellement de "boucler" sur un motif sans jamais avoir tenté de s'affirmer, de s'affranchir d'un figuratisme statique pour rechercher une forme de lyrisme et expérimenter l'abstraction.

Je n'aborderai pas dans cette note les sujets maintes fois évoqués à propos de l'œuvre d'Hedward Hopper : peintre de la solitude urbaine, du vide existentiel associé aux chimères du 'rêve américain"... L'Exposition très complète, et particulièrement bien faite, qui lui est consacrée au Grand Palais révèle d'autres points qui, pour ma part, sont vraiment les caractéristiques intrinsèques de son travail.

Parmi les points marquants, on notera cette fascination pour la lumière latérale, comme ces lumières de début ou de fin de journée qui accentuent la portée des ombres et amplifient le caractère oppressant des formes urbaines. Les personnages peints par Hopper, emprisonnés par leur mélancolie, sont orientés vers le soleil comme des tournesols. Dans l'application IPad consacrée à l'exposition, Didier Ottinger évoque ces personnages héliotropes. Figés, comme immuablement vissés au sol, même lorsqu'ils semblent être "en action", ils se trouvent irradiés par une lumière que le pigment de leur peau, souvent peinte gauchement d'ailleurs, refroidit singulièrement.

La marque de fabrique d'Hopper est incontestablement de forcer les contrastes, allonger les ombres pour augmenter la sensation de lumière, qu'elle soit naturelle (ex : "Morning sun", le fameux phare de "Lighthouse hill" ou même, en intérieur, la peau d'un blanc sidérant de la jeune femme de "Chop suey") ou artificielle (ex : "Summer evening").

Deuxième point qui m'a frappé en parcourant l'exposition est que les êtres peints par Hopper, de par leur aspect statique, le minimalisme des textures, des plis de vêtements, des chevelures, n'ont rien de vivant et se confondent avec l'environnement de pierre, plâtre, ciment ou béton qui les entoure. Cet environnement est d'ailleurs vidé de tout objet ou détail qui pourrait nuire aux objectifs de minimalisme de l'artiste.

C'est particulièrement frappant dans l'un des tableaux les plus fameux, "Hotel room", où la femme assise sur le lit n'a rien d'humain et fait partie intégrante des lignes contribuant à se placer à la frange du figuralisme et de l'abstraction. Le comble est que cette sensation subsiste, voire s'accentue, dans un tableau, comme le singulier "Summertime". C'est l'une des rares fois où Hopper s'aventure à suggérer la sensualité (lumière chaude d'été, robe transparente, fenêtre ouverte et rideau au vent, pose suggestive...) alors que la femme sur ce perron semble aussi minérale et inerte que les structures de l'immeuble qui l'entoure.

Le troisième point est lié au fait qu'Hopper est indéniablement un peintre de transition entre un figuralisme classique et le pop art. C'est d'ailleurs révélateur que la première exposition qui lui est consacrée après sa mort à Sao Paulo expose également des artistes pop. Cette filiation m'est apparue comme particulièrement évidente avec le troublant "Gas".

Dernier point, et qui malheureusement n'est pas le plus avantageux pour le peintre : une telle rétrospective, traitée de façon chronologique, met en évidence à quel point l'art d'Edward Hopper n'a pratiquement pas évolué en trente ans (entre les années trente et les années soixante). Il faut attendre trente ans pour que le peintre tente, avec une audace toute mesurée, de frôler l'abstraction avec par exemple "Sun in an empty room"...

Le bilan est donc un petit peu amer sur ce peintre. Comme je l'ai dit en introduction, je n'avais jamais été un inconditionnel et dois avouer que cette exposition ne fait que confirmer l'enigme qu'il représente dans l'évolution de la peinture moderne.

Le dessin est rigide, la technique assez sommaire et le fait qu'il ait fait cette trouvaille du minimalisme figuratif semble l'ériger comme peintre majeur. Je le considère plus pour ma part comme un artiste de transition que comme une figure majeure de la peinture du XXème siècle. Ce qui manque indéniablement ce sont le souffle, la puissance, la tension. Tout est statique chez Eward Hopper : la technique, le style, les sujets, la philosophie générale. La façon dont ses tableaux peuvent subjuguer le public fait alors partie de ces énigmes de l'art pictural.

Ténébreuse sensualité

 

Les tableaux de Rachel Yedid interpellent immédiatement par leur incroyable force. Toute la puissance expressive réside dans une belle ambiguïté : ces femmes mises en scène dans l'écrin d'un noir absolu qui tranche avec la transparence et la légèreté du tulle, sèment en nous un superbe doute. Leur pose peut autant suggérer la tension, la souffrance que l'extase, l'abandon.

 

                Le nuage de Pamina

 

Le contraste, entre la chair, révélée par une lumière crue, et le noir profond révèle une ambivalence troublante, où sensualité et tension se mèlent de façon singulière. On ne peut être que capté par cette association ambilavente de l'évocation de la féminité la plus absolue avec un ténébrisme aux profondeurs inquiétantes.

 

                Prélude N°9

 

La gestuelle vient rythmer chaque tableau en suggérant aussi bien le lâcher prise (Prélude N°9), qu'inversement la tension (Mon Soleil), ou bien une sorte de "musique intérieure" (Reine de la mer).

Le travail de Rachel Yedid est d'une puissance rare et ses tableaux opèrent sur l'observateur un pouvoir hypnotique indéniable.

Rachel Yedid est exposée à Paris la Galerie Albert Benamou.

Artiste à suivre absolument.

Abstraction naturelle (6)

La NASA a révélé hier les images de la planète Mercure, planète la plus proche du Soleil, par la sonde Messenger.

Je propose de faire un parallèle troublant entre la surface de cette petite planète, qui, par ses nombreux cratères, démontre à quel point elle a été et demeure percutée par les météorites et une toile de Jackson Pollock. Le parallèle est saisissant entre l'impact des corps qui viennent percuter la planète et ceux des jetées de "dripping" du maître de l'expressionnisme abstrait américain. Même dynamique, même intensité. Une composition ascendante commune. Troublant.

 

 

Nous faisons de l'art sans le savoir !

Comme Monsieur Jourdain faisait de la prose sans le savoir, nous faisons tous de l'art sans le savoir ! Avec l'aide du chat de Geluck ...

Très bon 1er avril ;-)

Lucas Cranach : la ligne sinueuse

Les médias semblent s'evertuer à ne parler que des nus de Lucas Cranach lorsqu'ils évoquent l'exposition qui lui est consacré au Musée du Luxembourg à Paris. Il est vrai que le maître allemand a excellé en la matière avec ce que l'on appelle la ligne sinueuse. Les courbes, la posture de ses Eve par exemple, ne sont pas sans rappeler les maniéristes italiens. Le corps se présente selon un certain nombre de canons (dont la position de trois quart du buste, une jambe avancée et les pieds à 90°; la position que prennent les danseuses classiques). Ces canons contribuent indéniablement à l'élévation esthétique, sorte de sublimation, mais aussi à la suggestion d'une volupté évidente.

Cela étant dit, il convient aussi de retenir de cette exposition, trois autres points, à mon avis essentiels : l'art extraordinaire du portrait du maître, son sens des compositions étonnantes et un soigné dans le traitement de l'huile et des pigments, digne des plus grands virtuoses flamands.

Pour le portrait, l'exposition vous accueille, dans un clair obscur très bien agencé, avec cet auto-portrait envoutant de Lucs Cranach (Coblence - SchlossStolzenfels). Regard incisif, avec mélange d'interrogation, comme si le peintre nous soupçonnait de quelque chose. Ces portraits, où les peintres font surgir les visages de la plus grande obscurité sont particulièrement incisifs et nous hypnosent littéralement. Sur le thème du portrait, il y a également les dessins représentant Martin Luther, notamment une gravure sur cuivre où l'homme incarnant la Réforme est représenté en moine augustin (Washington, National Gallery of Art). Le regard ici traduit admirablement l'autorité morale et spirituelle du personnage. On imagine l'individu par facile du tout, tout entier dévoué à sa mission. Il y a aussi, le splendide dessin représentant le portrait déterminé et soucieux du Comte Philipp von Solms-Lich (Bautzen, Stadtmuseum). L'influence de Dürer sur ces portraits est indéniable.

Les compositions étonnantes. Sur son auto-portrait d'abord, avec le visage partant en arrière. Le déséquilibre formel du visage contribue à accentuer le sentiment d'incertitude, le questionnement intrinsèque que suggère l'expression du visage. Sublime trouvaille. D'autres exemples, qui pourraient sembler mineurs, nous interpellent comme le petit tableau Hercule et Antée (Bremen, Galerie Neuse Kunsthandel) où les corps se déstructurent pour occuper l'espace de façon incroyablement dynamique et incongrue.

La maîtrise de la technique enfin, est prodigieuse sur les ciels et paysages des scènes religieuses. C'est particulièrement notable dans le dyptique : la Sainte Famille entourée des anges et L'Education de la Vierge Marie (Dessau, Anhaltische Gemäldegalerie) où le dégradé du ciel nous plonge dans la lumière la plus divine qui soit.

Pour "boucler la boucle" sur le thème du nu, l'exposition consacre une large section à cette partie. Le sujet est certainement incontournable chez ce peintre qui a su marquer ses femmes d'un type reconnaissable entre mille. J'ai surtout retenu la magnifique Lucrèce (collection particulière), notamment pour ses parures qui contribuent à exalter la blancheur opaline de sa poitrine et, surtout, la subtile évocation du suicide par des gouttes de sang coulant d'un minuscule entaille de la pointe acérée du couteau.

J'ai aussi été séduit par la beauté juvénile de l'Allégorie de la Justice (collection particulière) dont le hiératisme et les positions maniérés ne peuvent cacher une sensualité indéniable.

L'Exposition se déroule jusqu'au 23 mai 2011.

On notera le très intéressant catalogue électronique édité par la RMN sur cette exposition et produit pour l'iPad, selon le même modèle que celui qui avait été constitué pour l'exposition sur Claude Monet.

Perception faussée par l'usure du temps...

On connaissait déjà les blancs qu'utilisaient les peintres classiques et dont le plomb ternissait terriblement le rendu au fil du temps. Ces blancs qui deviennent gris...

Les pigments utilisés dans les peintures à l'huile sont notamment sensibles aux ultraviolets. On parle maintenant des jaunes de Van Gogh, qui auraient considérablement perdu de leur éclat sous l'effet de ces mêmes utraviolets.

 

Je vous renvoie à un article du Monde du 19 février dernier (extraits) : "Les rayons ultraviolets sont responsables du brunissement du jaune de chrome utilisé par le peintre des « Tournesols ». La palette de Van Gogh était à l'image de son âme tourmentée. Elle exprimait, disait-il, « les terribles passions humaines ». Las, l'éclat de certaines couleurs s'estompe avec le temps. Les jaunes fulgurants de la série des Tournesols s'assombrissent, virant au brun. Un phénomène qui affecte aussi les oeuvres d'autres peintres de la fin du XIXe siècle. Le fautif est connu : le soleil, dont les rayons ultraviolets (UV) dégradent les pigments. Mais l'alchimie de ce ternissement restait mystérieuse".

Lien vers l'article du Figaro du 22 février pour l'explication scientifique.

Lien vers l'article de Libération du 14 février.

George Romanation pictures

George Romanation est un ami de longue date. Nous étions "roommate" à New York il y a un peu plus de vingt-cinq ans et partagions un appartement avec d'autres "roommates". Il pratique la photographie, en théorie en amateur puisque ce n'est pas son métier principal, mais en réalité comme un professionnel. Il d'ailleurs diplômé de la prestigieuse Parsons School of Design de New York.

Vadrouillant souvent entre les Etats-Unis et la France, son univers s'attache à fixer des moments, dans ses parcours urbains, intimistes, très attachants avec une part de poésie indéniable. Les êtres qu'il capte semblent perdus dans leur incroyable solitude, au milieu, soit des oeuvres d'un grand musée (on reconnaîtra le Louvre) ou d'un parc (comme le Luxembourg). Une élégance indéniable ressort de ses clichés. Sur certains d'entre eux, la filiation avec un maître comme Jeanloup Sieff est évidente. Un thème de prédilection également : la perception du monde par son reflet capté un instant sur un miroir posé négligemment ou sur une vitrine. Le monde suggéré et non directement appréhendé.

Je vous propose de visiter son blog.

Certains de ses clichés sont également en vente sur eBay.

Google Art Project : une contribution à la démocratisation de l'art ?

Je rebondis sur le commentaire pertinent de Nicolas pour évoquer le Projet Google Art. Pendant sa première semaine de lancement, Google Art Project a enregistré plus de 10 millions de connexions. Je vous renvoie à l'article intéressant de artclair.com sur ce sujet.

Un petit bémol, sur ces 10 millions de visiteurs, seulement 70 000 auraient activé la fonctionnalité permettant de se constituer sa galerie virtuelle privée à partir de la visite des 17 établissements (musées, galeries) inscrits dans ce projet.

Ce projet offre pourtant une fonctionnalité extraordinaire qui répond au fantasme de tout amateur d'art : se constituer une galerie privée imaginaire des plus beaux tableaux rencontrés lors de ses visites !

Je pars vite constituer ma galerie virtuelle...

Lien direct vers Google Art Project.

 

Quand un musée rend hommage au collectionnisme

La Pinacothèque de Paris propose l'exposition "Les Romanov, Tsars collectionneurs" du 26 janvier au 23 mai. Une sélection des collections issues du Musée de l'Ermitage et constituées par les Romanov est proposée aux visiteurs.

On est au coeur de l'un des traits les plus fascinants du mécénat et du collectionnisme. Des souverains ou conquérants, réputés pour leur férocité guerrière ou politique, peuvent également avoir les goûts les plus raffinés en matière d'art.

C'était le cas par exemple, lors de la Renaissance italienne, avec des condottieri les plus féroces qui étaient aussi les mécènes les plus avisés (ex : Sigismond Malatesta ou Frederic de Montefeltro, Duc d'Urbin). Les Romanov n'échappent pas à cet archétype.

Une centaine d'oeuvres très rarement exposées en dehors de l'Ermitage sont proposées pour notre plus grand plaisir.

Découvrez Les nouveaux espaces de la Pinacothèque célèbrent les collectionneurs sur Culturebox !

Couleurs 1

J'avais évoqué le fait que je publierai les poèmes et photos que Myriam avait prises en 2010. Il me semble important de faire revivre Myriam au travers de son travail d'écriture et de photographie et qui avait joué un rôle thérapeutique fondamental pour elle. Ces textes et photos feront l'objet d'un ouvrage que je compte faire paraître à compte d'auteur.

Deux volets étaient couverts par Myriam : Couleurs et Attente.

Premier post sur Couleurs mettant un poème en écho avec des photos.

 

Blanc, blanc, cerceau,
Blanc, blanc, ex-voto,
Rouge, rouge, bigarreaux,
Rouge, rouge, coquelicot,
Rose, rose, chamallow,
Rose, rose, amaroso,
Jaune, jaune, tabaccho
Jaune, jaune, yellow
Bleu, bleu, curaçao
Bleu, bleu, indigo,
Vert, vert, Eldorado
Vert, vert, mosquito,
Ocre, ocre, Marengo,
Ocre, ocre, Bamako,
Brun, brun, cacao,
Brun, brun, noix de coco
Gris, gris, Chicago,
Gris, gris, lamento,
Noir, noir, Rotko,
Noir, noir, vertigo.

 

Myriam Delaide - 2010.

Les "miniaturiseurs" s'en prennent à Van Gogh

Une technique photographique est actuellement très en vogue. Il s'agit du "tilt-shifting", c'est à dire le décalage de la focalisation des optiques lors de la prise de vue afin de créer une profondeur de champ artificielle. Lorsqu'une photographie est prise avec un diaphragme fortement ouvert et comprenant plusieurs plans, la focalisation de fait sur l'un des plans et les autres deviennent flous (exmple : un portrait net et un fond flou).

Lorsque l'on force la profondeur de champ artificiellement sur des prises de vues très distantes (paysages, foules représentant des personnages de petite taille), on obtient l'équivalent d'une miniaturisation. Ainsi, en prenant, par exemple, des personnes sur le quai d'une gare, en focalisant sur les personnages et en "floutant" l'environnement (ex : le bâtiment de la gare ou le train), on obtient le même effet que si on prenait en photo une maquette ou un train miniature. Notre cerveau ayant intégré que les photos de miniatures avaient très souvent une faible profondeur de champ, quand on accentue celle-ci sur des photogrpahies de scènes réelles, on crée ainsi artificiellement une impression de miniaturisation.

Des exemples frappants sont visibles aussi bien en photographie (exemple ci-dessus, tiré du site creamart.fr) qu'en vidéo (exemple saisissant ci-dessous : Toy soldiers, vues du défilé du 14 juillet à Paris faites pat Alta Media Productions) :

L'autre exemple est celui du calendrier de la marque Uniqlo (je vous conseille d'enlever la musique très très moyenne...).

Ces travaux sont intéressants dans la mesure où ils apportent indéniablement une dimension poétique.

En revanche, où cette démarche devient plus discutable, c'est lorsque les "minaturiseurs" appliquent leur technique à des oeuvres d'art. Je trouve que cet exercice n'apporte absolument rien et, finalement, rabaisse les oeuvres au domaine de l'anecdoctique. En outre, du point de vue esthétique, le résultat n'est pas très convaincant. Je vous laisse vous faire votre opinion sur ce qu'a fait Serena Malyon, étudiante à l’Alberta College of Art and Design sur des toiles de Vincent Van Gogh. Le procédé est ici différent : il consiste à utiliser Photoshop pour détourer les zones à "flouter". Lien vers le site ecrans.fr pour en savoir plus.

 

 

 

Application iPad sur l'exposition Claude Monet

L'App Store propose une application permettant de découvrir sur iPad la plupart des tableaux exposés au Grand Palais et au Musée d'Orsay dans le cadre de l'exposition Monet en cours (et qui prend fin le 24 janvier prochain).

Il s'agit en fait d'un mini-catalogue ("e-album"), présenté sous forme interactive, adaptée au format iPad. L'application coûte 4,99 euros (pour ne pas dire 5...).

   

 

Chaque toile peut être vue verticalement ou horizontalement (via la rotation de l'iPad) et, surtout, on, peut zommer sur les tableaux en gardant  un niveau de netteté impressionnant. Le rendu des couleurs, grâce au rétro-éclairage de l'iPad, est finalement plus proche de la réalité que le catalogue papier. L'observation des tableaux par le biais de la tablette a alors quelque chose de fascinant et on rentre encore plus dans l'intimité des oeuvres.

Le texte qui accompagne les tableaux peut être également zommé et isolé sous forme d'une fenêtre à part.

Des vidéos sont incrustées (interviews d'experts) et activables par une simple pression de doigt.

L'album peut être parcouru de façon totalement intuitive et la navigation est très agréable.

Le contenu est en revanche assez décevant car finalement assez anecdotique, s'atttachant plus à décrire les lieux successifs de viliégiature de Claude Monet au fil de l'évolution de son art qu'à nous apporter un éclarage sur l'évolution de sa technique, de ses options esthétiques.

La nostalgie de l'Antiquité

Il reste un mois pour les parisiens ou les personnes de passage sur la capitale pour visiter au Louvre (Hall Napoléon, sous la Pyramide) la belle exposition "L'Antiquité rêvée - Innovations et résistance au XVIIIème siècle". Les 150 oeuvres exposées permettent de mieux décrypter l'attrait du XVIIIème siècle pour le style antique grec ou romain et, surtout, comment s'est matérialisée cette appropriation des canons de l'art antique par les "néo-classiques", depuis le Style Rocaille français au style dit sublime, terrible et onirique anglais. "L'anticomanie" revêt alors des formes très diverses, du style rococo français, guidé par la couleur, au véritable néo-clacissisme, construit, quant à lui, sur la pureté de la ligne.

Les pièces les plus prenantes et admirables sont indéniablement les sculptures. L'exposition part des bustes à l'antique que commandaient les aristocrates anglais, adeptes du "Grand Tour" (périple que tout amateur d'art antique se devait de réaliser notamment en Italie, et principalement à Rome), aux chefs d'oeuvre d'Antonio Canova.

J'ai particulièrement été marqué par le superbe buste de Philippe von Stosch (grand collectionneur de pierres gravées antiques), réalisé par Edme Bouchardon, en prenant comme modèle un saisissant portrait de l'Empereur Trajan, exposé au musée du Capitole à Rome et présent pour cette exposition au Louvre, présenté comme pendant du buste de Bouchardon.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Les bustes de Diderot par Jean-Antoine Houdon, de Montesquieu par Jean-Baptiste Lemoyne, également traités "à l'antique", sont saisissants de vie.

Je n'ai pu me défaire, à la fin de l'exposition, de la magnifique Psyché debout d'Antonio Canova (cf. photo ci-dessus) dont la pureté et la finesse d'exécution est proprement éblouissante. Cette sculpture, d'une sensualité extraordinaire est à proprement parler hypnotique et l'équilibre de ses formes est parfait.

Il faut également noter l'atypique Vénus sortant du bain de Christophe-Gabriel Allegrain, tant par la torsion du corps, constituant une véritable prouesse quant au traitement de la pierre, que par le marbre lui-même, veiné et considéré comme impur par les observateurs de l'époque.

On retrouve dans cette exposition, des chefs d'oeuvre des théoriciens du "vrai style" comme Jacques-Louis David avec, notamment, le fameux monumental Serment des Horaces, emblématique des collections du Louvre, ou comme Jean-Baptiste Greuze avec "L'Empereur Septime Sévère reproche à son fils Caracalla d'avoir voulu l'assassiner".

L'exposition permet, dans le cas de David, de découvrir sa Psyché, d'une facture différente, dont le style et la posture sont particulièrement opposés au hiératisme des compositions habituelles du maître. Les touches de peinture rendent la peau d'une façon différente, rappelant étonnament le pastel et Psyché est d'une volupté indéniable. Les touches de couleurs irrisées sur la peau annonce de façon étonnante le travail des impressionnistes. Ce tableau a été retenu par le Louvre comme l'une des affiches de l'exposition.

L'exposition nous présente aussi les dessins singuliers, inquiétants et puissants de celui qui incarnera le mieux le style sublime et terrible, à savoir Johann Heinrich Füssli, dit Henry Fuseli (notamment ce plus que suggestif Cauchemar).

L'agencement des pièces et, surtout, l'éclairage des sculptures de cette exposition sont parfaitement réussis. Les pièces sont peu éclairées et les magnifiques marbres blancs ressortent parfaitement de ce superbe écrin.

Exposition à ne pas manquer si vous pouvez vous libérer d'ici vendredi. 

Je recommande également l'excellent numéro du Dossier de l'Art (disponible en principe en kiosque), consacré au thème de l'exposition avec, notamment, une interview très intéresssante de Marc Fumaroli, membre de l'Académie française, professeur au Collège de France et commissaire général de l'exposition.

La "Femme-Loire" fait débat

Vaste débat... Je vous laisser commenter. Pour ma part, je trouve intéressante la démarche d'exposer de façon permanente des œuvres modernes monumentales si elles s'intègrent avec une certaine poésie, harmonie avec l'environnement naturel, qu'il s'agisse de créations figuratives ou non. J'ai une nette préférence pour les formes plus abstraites car elles stimulent plus l'imagination et nous font rechercher une certaine résonance dans les formes abstraites que la nature peut elle-même avoir (cf. "abstractions naturelles").

Dans le cas présent, je reste dubitatif sur ce que donne la simulation présentée par le reportage, au delà de la polémique "morale" évoquée.

 

Découvrez La nudité de la "Femme-Loire" de Michel Audiard fait polémique sur Culturebox !

Bonne année 2011

 

2010 aura certainement été marquée, entre autres, par la prolongation des expositions controversées du Château de Versailles. Après Jeff Koons en 2008 / 2009, et Takashi Murakami en 2010, il semble que ce soit à l'artiste portugaise Joana Vasconcelos d'investir le Château en 2011.

L'année 2011 étant, selon l'horoscope chinois, l'année du chat, je vous propose ce chat paré de dentelles. Il s'agit d'une caractéristique esthétique principale de l'artiste contemporaine (on parle de "plasticienne"), à savoir, habiller de dentelles assez baroques, femmes, hommes, animaux.

Le Château abandonne les poupées gonflables et personnages de Manga qui associent volontiers la femme à un objet de pure satisfaction érotique pour ouvrir ses portes à un univers où une artiste nous propose justement ses propres interrogations sur la féminité.

Le Château de Versailles a enregistré une hausse de 10% de sa fréquentation en 2010. Jean-Jacques Aillagon associe directement cette hausse à l'exposition Murikami. Une affirmation du contraire aurait été étonnante.

Très bonne année 2011 en espérant qu'elle nous réservera de belles surprises artistiques.

 

Topographies

Lorsque j'ai découvert cette photo aérienne du Groupe aérospatial d'entretien et de régénération des États-Unis (base militaire de Davis-Monthan, près de Tuscon, dans l’Arizona) (source Barcroft Media/Abaca - publiée par le Figaro - 24 heures photo), je n'ai pas pu m'empêcher de lui trouver un lien naturel avec l'art moderne aborigène.

Cet immense espace regroupant 4 400 aéronefs ainsi parqués pour être démontés et rénovés, rappelle de toute évidence les codes des peintures aborigènes contemporaines : découpage de l'espace, rythme, graphisme, symboles.

Vue du ciel, cette concentration de matériel industriel révèle une géométrie qui fait incroyablement raisonnance à la célébration ancestrale des éléments (eau, terre, feu).

Vraiment troublant.

Marapinti de Naata Nungarrayi (source productionmyarts.com / blogmyarts).

Géométrie corporelle

Je ne peux m'empêcher de faire un parallèle entre la superbe photo d'André Kertesz, "The satiric danser" (1927) (traduite soit sous le nom, soit de danseuse satirique, soit de danseuse burlesque) et le tableau de Pablo Picasso, "Femme étendue sur un canapé" (1934 -  Philips Collection / Washington DC - The Carey Walker Foundation).

Dans deux cas, il s'agit de femmes en effet étendues sur un sofa, avec, pour point de ralliement entre les deux oeuvres, ce découpage géométrique de l'espace, suggéré par les corps à chaque fois. Dans le cas de Picasso, cette démarche est bien-sût intrinsèquement associée au cubisme. Pour Kertesz, il y a certainement la volonté de découper, dans une logique de forme en S ou de quelque spirale, l'espace noire avec les bras et les jambes de cette femme malicieuse, avec une sensualité certaine. Ce dernier point constitue en revanche ce qui sépare le plus les deux oeuvres. Pour faire la liaison avec le post précédent, on ne parlera pas de senusalité chez Picasso mais encore de ... bestialité. Finalement, la plus burlesque ou satirique des deux n'est pas celle que l'on croit.

A noter, dans le rapprochement du découpage spacial, la similitude troublante dans la disposition des bras.

 

Picasso retrouvés : fauvisme fascinant d'une étude de main

Dans cette histoire assez étonnante (que d'aucuns qualifieront de rocambolesque) des 271 oeuvres inédites de Picasso apportées à la famille héritière par un couple de retraités des Alpes Maritimes, il est intéressant de s'attarder tout de même sur l'importance artistique des dites oeuvres alors que les médias mettent surtout l'accent sur leur valeur marchande.

J'ai été particulièrement interpellé par une étude de main, tout à fait envoûtante. Parée de couleurs fauvistes, cette main sort littéralement de la toile avec une puissance expressive surprenante. Dans le cas précis, ce terme de fauvisme prend tout son sens littéral. On sait à quel point la dualité homme / animal, le caractère bestial des sujets peints par Picasso était un thème cher au maître. On est ici, je trouve, au centre de cette dualité. La force musculaire ici transcrite, exacerbée par le jeu complémentaire des couleurs dégage un sentiment de puissance qui évoque de façon évidente quelque patte épaisse d'un animal, un... fauve justement. Je me permets de faire ici un parallèle que vous jugerez peut-être déplacé avec les pattes de tigre brossées par les peintres traditionnels chinois.

La bestialité de cette main est évidente. Il s'en dégage à la fois une force indéniable et une certaine sérénité. Quand on sait à quel point, dans la peinture classique et académique, la grâce des mains devait constituer un code incontournable (code sublimé, par exemple, avec les peintres maniéristes de la fin du XVIème siècle), Picasso, comme dans toute son oeuvre, brise les conventions et s'attache plutôt à traduire la part animale qui peut résider en tout homme (ou femme, on ne sait pas bien sur cette étude ?) et, surtout, désire revenir à une expression brute, directe, dénuée de tous les apprêts du classicisme.

Cette main a un caractère proprement hypnotique...

 

Abstractions naturelles (5)

En cette période glaciaire qui touche une bonne partie de l'Europe, je vous propose cette image nous plongeant dans le mystères des profondeurs cosmiques. Les raisonnances sont multples sur cette image : indéniable référence au monde tellurique mais aussi rappel inévitable de matières organiques, l'eau et la terre, mêlés avec une sensation de chaos et, toutefois, une disposition géométrique assez régulière de cette "spirale blanche". Il ne s'agit ni plus ni moins de la calotte polaire de Mars, constituée de neige carbonique. Cette planète nous interpelle par le beauté inquiétante de sa topographie, fournissant de multiples occasions de stimuler notre imagination. On ne peut pas s'empêcher de penser à quelque forme d'expressionnisme abstrait avec, par exemple, l'association avec la peinture d'Helen Frankenthaler (Radius - 1993). Les tonalités n'ont rien à voir mais les dynamiques ont une similitude troublante.

 

Myriam (2)

Les obsèques de Myriam ont eu lieu aujourd'hui.

 

Photographie de Myriam - Sans titre - 2 juillet 2010.

 

Blanc
Immaculé
Marbre
Lisse
Gisants
Eternels
Tombeaux
Inachevés
Linceul
De neige
Lys
Oubliés
La terre
Se rétracte

Myriam - février 2010.

Myriam

Myriam, mon épouse et co-auteur du blog était devenue au fil du temps l'unique auteur de Bleu de Cobalt. Elle est à l'origine de la quasi-totalité des 189 posts parus depuis la création du blog en août 2008. Je sais que vous êtes nombreux à visiter et apprécier le blog et qu'elle a tissé, via ce site, des complicités et de réelles affinités, notamment avec d'autres blogueurs.

Myriam s'est éteinte le 5 novembre alors que nous étions en voyage en famille aux Etats-Unis. Elle luttait déjà avec un courage et une force morale exemplaires contre la maladie depuis début 2008 et une infection, réfractaire à tout traitement, l'a terrassée alors que nous faisions cette escapade que nous avions prévues de longue date. Face à cette épreuve épouvantable que nous subissons, je prends tout de même la force de vous écrire.

Ce blog, avec le jeu de l'écriture, des images, du dialogue complice, des échanges colorés et positifs, a été pour elle une thérapie extraordinaire. Elle me disait ô combien j'avais eu raison de la convaincre de se lancer dans cette belle aventure et elle s'est piquée au jeu de devenir une blogueuse d'une activité extraordinaire, avec une envie de croquer toutes les plus beaux instants de la vie, affrontant un sentiment d'urgence, face à une échéance incertaine. Elle laisse sur le net une trace que, pour ma part, je trouve superbe et extrêmement émouvante, mais il est vrai que je ne peux être objectif. Elle sera partie avec des images lumineuses et saturées de couleurs vives comme elle les amait et, j'en suis certain, le souvenir d'échanges d'une belle intensité avec ses lecteurs. Je tiens, à cette occasion, à tous vous remercier pour votre contribution et qui a été une source indéniable de vitalité pour Myriam face à la sournoiserie épouvantable de la maladie.

C'est pour l'instant au dessus de mes forces de tenter de prendre le relais sur le blog. De toute façon, je n'arriverai jamais à atteindre a qualité de ses notes. Je tenterai certainement de me remettre, avec le temps, aux exercices "abstractions naturelles" et "trait pour trait".

Myriam a beaucoup écrit et beaucoup photographié au cours de ces dix derniers mois. Je prévois d'éditer certains de ses textes avec ses propres illustrations photographiques à compte d'auteur. Je pense que Bleu de Cobalt pourra être également le lieu de diffusion des créations de Myriam, en plus des posts consacrés aux thèmes habituellement couverts.

Même si je n'en n'ai jamais parlé avec Myriam, je pense qu'elle aurait certainement voulu que je continue à faire vivre le blog. Je vais tenter de mon mieux en vous remerciant à nouveau de tout mon coeur pour votre contribution.

Bien à vous.

Philippe

Image intégrée : Pablo Picasso - L'entretien, Cap d'Antibes 1923 - Huile et crayon gras sur huile - Image que Myriam a sur sa table de chevet.

 

Clin d'oeil !

Un petit clin d'oeil coloré avec ce superbe cliché photographique du blog "Trottoir bleu", un blog de deux plasticiennes que je vous incite vivement à découvrir.

A très vite !

 

Cette photographie "Souvenir rouge" (© Emmanuelle Vial) que je peux reproduire ici, avec l'aimable autorisation d'Emmanuelle Vial, est dans la série sur New-York.

Effets de vent

Paysage rythmé par des troncs d'arbres, oscillation de la végétation, reflets dans l'eau, luminosités éclatantes ou plus ternes, effets de feuillage, voici quelques une des toiles peintes par Claude Monet au cours des années 1890 sur les peupliers. Cette série, peinte entre celles des meules et de la cathédrale de Rouen, dont le motif existe déjà avant 1890 (Peupliers à Giverny, 1888), connut un succès immédiat à une époque friande de peintures d'extérieur (à la même époque, par exemple, la série de vergers de Van Gogh).

Pour la petite histoire, cette série va être une véritable course contre la montre, puisque les arbres que peint Claude Monet sont voués à disparaître et qu'il va même jusqu'à payer le marchand de bois, qui acheté la parcelle, pour reporter de quelques semaines la destruction de ceux-ci.

Touches promptes (Les peupliers au bord de l'Epte, 1891, à droite) ou à peine esquissées (Effets de vents, série de peupliers, 1891, à gauche), "la composition, coupée dans le vif, matérialise elle aussi le sens de l'instantanéité, comme si le peintre, ne pouvant embrasser tout le déploiement des arbres, pas plus que la succession des heures, se contentait d'un fragment, pour dire l'ensemble.

Parfois enlacée en sinuosités asymétriques, à la manière japonisante, la composition parvient à rendre visible le cheminement des berges autant que le passage du vent dans les feuilles, de telle sorte que c'est un parcours visuel et mental que le promeneur accomplit en compagnie de Monet." (1)(2)

Un parcours fragmentaire rythmé par le temps...

(1) Dossier de l'art n° 177 sur l'exposition Monet aux Galeries Nationales du Grand Palais

(2) Une illustration musicale des Peupliers en automne, au centre, cliquez ici

La danse de la vie...

Peut être avez-vous eu la curiosité de regarder quelques uns des films de Mark Lewis, auquel cas vous aurez peut être découvert celui-ci Northumberland (en 2005) dont le plan fixe me renvoit étroitement à l'univers d'Edvard Munch, à la fois pour les éléments qui composent l'image (rochers, arbres) et pour la jonction eau/ciel et terre, et surtout pour l'implacable impression du temps qui passe comme dans la danse de la vie...

Northumberland, 2005, pour voir le film cliquez ici

"Au milieu, la grande toile que j'ai peinte cet été. Je dansais avec mon premier amour ; il s'agissait d'un souvenir d'elle. C'est alors qu'entre la femme souriante aux boucles blondes, qui veut arracher la fleur de l'amour, mais qui ne s'autorise pas à être elle-même cueillie. A l'opposé, une femme habillée de noir regarde, pleine de chagrin, le couple en train de danser. Elle est l'exclue, tout comme j'ai été exclu par sa danse [...]" (1)

Edvard Munch, La Danse de la vie, 1899-1900

"La fresque de vie a été pensée comme une série cohérente de tableaux, qui doivent donner ensemble un aperçu de la vie. Toute la fresque est traversée par la ligne diffuse du rivage, au-delà de laquelle déferle la mer toujours en mouvement ; Les diverses formes de la vie se déploient sous le couvert des grands arbres, avec leurs soucis et leurs joies.
J'ai ressenti cette fresque comme un poème de vie, d'amour et de mort... les tableaux avec le rivage et les arbres - ce sont toujours les mêmes couleurs qui réapparaissent ici -, la nuit d'été donne l'accord -, les arbres et la mer donnent les lignes verticales et horizontales qui se répètent sur toutes les toiles, le rivage et les personnages donnent le ton de la vie qui foisonne à son gré -, des couleurs puissantes répandent à travers toutes les toiles l'écho du même accord..." (2)

(1) et (2) Ecrits d'Edvard Munch

Chantier paysage

Impressions, perceptions particulières, Mark Lewis, photographe cinéaste nous emmène dans un monde à la fois très proche et très lointain. Avec son regard particulièrement aiguisé et un montage minimaliste, il parvient à nous transporter avec des prises de vue, somme toute banales, dans une sorte de contemplation picturale assez inédite.

 
Algonquin park, september 2001 © Courtesy : studio Mark Lewis et galerie Serge Le Borgne

"Plus généralement, les films de Lewis (1) n’ont ni début ni fin et circonscrivent très souvent des espaces urbains ordinaires, marqués par l’inachèvement ou l’abandon. Les modalités de tournage, la vitesse et l’angle de prise de vues, les jeux de lumière, de cadrage et les mouvements de caméra donnent à ces lieux une intensité et une dimension d’étrangeté qui font basculer le rapport entre l’identité de ce que l’on voit et la perception qu’on en a." (2)

(1) Les films de Mark Lewis sur son site

(2) Extrait du Petit Journal sur Mark Lewis

Couleurs

Sans doute la grisaille actuelle m'incite-t-elle aujourd'hui à vous parler de couleurs ! A l'occasion de l'exposition "Monet et l'abstraction", on pouvait voir cette toile "Paysage méditerranéen" de Nicolas de Staël que je ne connaissais pas.

La juxtaposition des différents bleus, accentuée par le travail de matiérage, est très réussi. Et comme toujours chez ce peintre ce qui me frappe c'est l'utilisation de la couleur, qui relève d'une sorte d'alchimie intime avec le paysage représenté.

Ici, des bleus plus sourds encadrent, dans une perspective qui s'organise par "couches de couleur-forme" (1), le bleu céruleum de la mer positionné presque au centre du tableau. La palette utilisée nous emmène loin du Ciel à Honfleur, nous sommes descendus plus vers le sud, et nous nous sommes arrêtés sur les rives méditerranéennes. Mais il me semble que nous ne sommes pas plus au sud, parce qu'il n'y a pas suffisamment de blanc, de sécheresse et d'aridité de la terre. 

Cette aridité, il va parvenir à la rendre en saturant l'espace de la toile de couleurs chaudes, voire totalement inhabituelles comme ici dans ce tableau "Sicile" (peint en 1954) avec un ciel vert, et du rose et du violet au sol, ou encore dans celui-ci "Agrigente" (peint en 1953) avec un ciel rouge qui reprend la rougeur de la terre.

Et puisqu'il faut marquer encore plus la sécheresse, c'est sur un fond noir que se découpe la masse blanche de la terre et de quelques habitations, ci-dessous "Agrigente", peint la même année, marquée par une autre émotion.

"La lumière, la matière, les formes colorées et la manière de concevoir la composition de l’œuvre changent radicalement selon qu’il s’agit de paysages normands ou du sud de l’Italie, par exemple. Cette révolution plastique, à chaque fois recommencée, n’est pas seulement liée aux variations du motif et des lieux en question, elle naît de la confrontation de sa peinture avec le visible, vécue toujours comme une véritable expérience de l’être" (1).

C'est cette connivence insoupçonnée avec les couleurs qui, à mon sens, résume au mieux l'œuvre de cet artiste...

 (1) Extrait du parcours pédagogique de l'exposition consacrée à Nicolas de Staël à Beaubourg en 2003

(2) Exposition Nicolas de Staël en ce moment à Martigny

Monet et l'abstraction

Avant de vous emmener à la découverte de l'exposition Monet au Grand Palais, je souhaitais aujourd'hui revenir sur l'exposition "Monet et l'abstraction" qui vient juste de se terminer au Musée Marmottan.

C'était à vrai dire une exposition pour Bleu de Cobalt ! avec les nombreux parallèles établis entre les toiles de Monet, précurseur de l'impressionnisme, et celles d'un certain nombre de peintres abstraits comme Rothko, Sam Francis, Pollock, Zao Wou-Ki, Mark Tobey, Joan Mitchell... dont on ne peut être que frappé par l'écho et la ressemblance.

Si certains rapprochements sont évidents, comme ici où l'on retrouve la même vibration rouge orangée entre le tableau phare de l'impressionnisme "Impression, soleil levant" de 1872, et ce tableau "Untitled" peint par Rothko en 1969...

  

... ou encore ce "Saule pleureur" à côté de cette toile "Untitled" de Zao Wou-Ki dont les masses dessinées semblent reprendre l'impression de fouillis végétal...

 

 

 

 

 

 

 

 

... ou encore ces esquisses de traits "Painting" de Joan Mitchell à côté des filaments de peinture  rapidement tracées de Monet à la fin de sa vie dans sa série des ponts japonais, ici l'une de ses toiles "Pont Japonais", peinte vers 1918, où le dessin et la forme semblent une fois de plus se fondre... 

  

... d'autres semblent plus discutables comme s'il fallait absolument trouver des points communs.

Pour autant, on ne peut être que frappé par l'écho entre ces peintres abstraits et l'évolution de la peinture de Monet, en ce sens Monet est indiscutablement un précurseur de l'abstraction.

Couleur automnale ...

Couleur automnale aujourd'hui avec ce tableau de J.M.W. Turner au caractère inachevé : "on se trouve en face d’un brouillis de rose et de terre de Sienne brûlée, de bleu de de blanc, frottés avec un chiffon, tantôt en tournant en rond, tantôt en filant en droite ligne ou en bifurquant en de longs zigzags" ! (1)

 

    "Confluent de la Severn et de la Wye", dit "Paysage avec une rivière et une baie au loin", vers 1845

Paysage au contour à peine esquissé, seule la silhouette d'arbre se détachant à droite permet de raccrocher l'oeil à un élément connu et de l'emmener le long des méandres de la rivière, jusqu'aux collines au loin et au lac bleuté... Enlevez cet élément et nous serions déjà dans l'abstraction, même si "loin de se détourner du réel, l'abstraction offre sous cet angle une traduction inédite, plus synthétique, du monde visible" (2).

Je dirais même une traduction poétique que certainement Marcel Proust (3) n'aurait pas reniée...

(1) Dixit le critique d'art Joris-Karl Huysmans

(2) D'après la présentation de l'exposition "Aux origines de l'abstraction" qui a eu lieu au Musée d'Orsay en 2004

(3) Pour la petite histoire, il semblerait que Marcel Proust ait pu voir ce tableau qui faisait partie de la collection de l'industriel Camille Groult

Retour sur tableaux

Quel ne fût pas mon étonnement à l'exposition "Turner et ses maîtres" lorsque j'aperçus certaines des toiles exposées qui faisaient la part belle à la lumière en se plaçant dans la continuité de celles de Rembrandt (1) et qui m'ont évoqué presque immédiatement les recherches sur la lumière de James Ensor.

Ainsi ce tableau "L'Ange debout dans le soleil" (ci-dessous, à droite), peint par Turner en 1846, peut être  mis en parallèle avec "Le foudroiement des anges rebelles" (ci-dessous, à gauche), peint seulement quelques décennies plus tard, en 1889, par Ensor. Chez Turner, le trait est encore figuratif alors que chez Ensor, il y a un tumulte effervescent, un tourbillon de traits, qui donne au tableau un caractère inachevé et qui relèverait plus de l'énergie créatrice à la Pollock ou du graffiti à la façon de Basquiat.  

        

Le même rapprochement peut être fait entre "Shadrak, Méshak et Abed-Négo dans la fournaise ardente" peint par Turner en 1832 (2) et "La Vive et Rayonnante. L'entrée du Christ à Jérusalem", pastel exécuté en 1885 par Ensor.  

 

Turner en couleur, tout comme Ensor en noir et blanc parviennent à "utiliser la lumière comme une force dramatique, à la limite du fantastique et de l'irréel". Pour l'un, au rougeoiement intense, répond la pâleur et la blancheur de la chair et des pierres ; pour l'autre, le contraste entre le foncé du pourtour et les échappées blanches laissées sur le papier permettent à la lumière d'apparaître.

Liberté du trait et de la composition, équilibre entre la forme et la couleur, avec ces deux peintres nous touchons du doigt l'évanescence ...

(1) Voir également un billet intéressant sur le blog Passée des Arts sur Simon Mathurin Lantera

(2) Détail de l'épisode de la Bible

Retour sur image (2)

Pour continuer dans les rapprochements plus qu'improbables, je vous propose aujourd'hui une photographie et une peinture, saurez-vous retrouver ce dont-il s'agit ?

Et, pour accompagner ces images, un voyage à Hawaï avec le volcanologue Guy de Saint-Cyr.

Retour sur image (1)

Pour renouer avec une catégorie "Abstractions naturelles" un peu délaissée ces derniers temps, je voulais partager avec vous certaines de mes émotions lors de la visite de l'exposition "Turner et ses peintres" qui a eu lieu au Grand Palais au début de cette année.

D'un côté, vous avez l'Avalanche dans les Grisons, une toile présentée en 1810 où J.M.W. Turner parvient à rendre palpable le charivari des rochers et des pierres précipités vers la vallée par l'avalanche, la puissance des éléments et le chaos qui en résulte. Pour y parvenir, la composition est déséquilibrée, "balayée de puissantes diagonales" et la couche picturale blanche (plus épaisse que le ciel gris) est travaillée au couteau (à la manière plus tard d'un Riopelle). 

De l'autre côté, une photographie d'un volcan qui a fait parler de lui dans le ciel européen, je veux parler bien sûr du volcan Eyjafjallajökull, et j'y ai trouvé soudain une improbable résonance. Même puissance tellurique, même composition ou presque ! mêmes vibrations dans les rendus vaporeux de la neige et des nuages...

Nous sommes au cœur des éléments déchainés ! et imperceptiblement avec Turner nous sommes en marche vers l'abstrait...

Et de deux !

Un petit clin d'œil aujourd'hui avec l'aide de Jack Vettriano au pinceau pour fêter les deux ans du blog !

Et oui déjà ! :o)

Avec près de 177 chroniques picturales (au rythme en moyenne de 7 par mois) que vous avez suivies, nourries de vos commentaires avisés (en moyenne 13 par note, que des chiffres porte-bonheur !), nous vous avons emmenés dans une trentaine d'expositions parisiennes (quelques une régionales) et européennes et nous vous avons fait découvrir ou revoir plus de 500 œuvres d'artistes.

Plus récemment, nous avons ouvert une page Facebook "Bleu de cobalt" qui complète la publication de ce blog.

Nous sommes vraiment ravis de compter sur vous, lectrices et lecteurs fidèles, en constante augmentation, et également par la même occasion d'avoir pu faire la connaissance d'autres blogueuses et blogueurs qui ont élargis nos horizons artistiques et amicaux.

Voilà ! Le bolide est prêt à partir à toute allure, et nous comptons bien continuer à vous faire partager le plaisir de nos découvertes !

De l'art et du requin

Me voilà partagée entre l'anecdotique et l'artistique ... pour l'exposition "Cornucopia" qui a lieu au Musée Océanographique de Monaco jusqu'à fin septembre 2010.

  A l'occasion du centenaire du musée, une rétrospective est consacrée à l'artiste Damien Hirst, avec une soixantaine de ses œuvres ainsi que quelques nouvelles sculptures qui couvrent une quinzaine d'années de sa carrière. Connu pour son fameux "Veau d'or" enfermé dans un aquarium rempli de formol, l'artiste a déclaré à l'occasion de cette manifestation "qu'il n'a jamais été aussi facile de faire de l'art" et l'on n'en doute pas !

Accueillis par une minuscule colombe blanche "After the Flood" suspendue comme par magie, nous débouchons sur le fameux squale "Immortal 1997-2005" (ci-dessus) entouré par quelques vitrines dont deux Stills avec des instruments dont on devine aisément l'usage et qui font un peu froid dans le dos. Au palier du premier étage, un cabinet de curiosité moderne, en acier inoxydable de 9 mètres de long, renferme une superbe collection de papillons, de scarabés et d'insectes (il y en aurait 3.502 !) qui nous fait face "The Forgiveness". Dans les deux grandes salles et mezzanine à cette étage d'autres séries de tableaux avec des papillons qui s'insèrent tellement bien dans le musée que dans un premier temps on ne les remarque pas vraiment. J'oubliais un petit soupoudrage de toile sur les vanités, ici "Beautiful Vertummus Stream of Consciousness Painting" (ci-contre) et quelques sculptures devant le musée, la terrasse et le Musoir de la Digue du Port de Fontvieille (et même sur la terrasse on ne parvient quasiment pas à "voler" une photographie, gardien de sécurité oblige).

Comme vous avez peut être pu le comprendre, j'ai été un peu déçue par cette exposition (1) (2). Indéniablement on sent que l'artiste est "fasciné par le Musée, son ambiance, son architecture et la diversité de ses collections", et ses œuvres se fondent parfaitement dans cette ambiance, mais justement peut être de trop. On ne ressent pas d'émotion particulière devant les deux requins alors que quelques mètres plus bas l'émotion est là, palpable, derrière les vitres des aquariums. Finalement l'univers de Damien Hirst met à la portée de tous les sempiternels bocaux de formol ou les cartons de rangement que l'on peut voir au Muséum National d'Histoire Naturelle même si parfois quelques œuvres se rapprochent plus de l'environnement médical ou sont plus difficilement supportables par le public (comme le mouton coupé en deux dont on voit les entrailles), so wait ...

(1) Un diaporama de l'exposition et l'exposition "Cornucopia" au British Museum en 2008

(2) Une vidéo sur l'exposition

O bleu ...

O, suprême Clairon plein des strideurs étranges,
Silences traversés des Mondes et des Anges :
- O l'Oméga, rayon violet de Ses Yeux !

Alexandre Cabanel (1) (2), La naissance de Vénus, 1863,
huile sur toile, 130 × 225 cm, Musée d'Orsay, Paris

« A noir, E blanc, I rouge, U vert, O bleu : voyelles, / Je dirai quelque jour vos naissances latentes. » On a proposé bien des explications pour cette couleur des voyelles, la plus plausible demeurant, semble-t-il, la solution anatomique. Le sonnet de Rimbaud ne serait rien d’autre qu’un blason du corps féminin, dans la tradition de la galanterie énigmatique. A, la vulve (« noir corset velu... »), E, les seins (« lances des glaciers fiers... »), I, la bouche (« rire des lèvres belles... »), mais, comme il est bien difficile de trouver à la surface du corps le moindre signe vert, hormis la pupille (mais celle-ci est confisquée par « O bleu »), on ne voit pas comment le jeune Arthur a pu s’acquitter de sa gageure érotique. (3) (4)

(1) Exposition "Alexandre Cabanel, La tradition du beau" à Montpellier du 10 juillet au 5 décembre 2010, un article de Didier Rykner sur Tribune de l'Art et un autre éclairage de Philippe Dagen

(2) Vidéo sur l'exposition

(3) Ecrits d'Alain Roger

(4) Avec une suggestion d'accompagnement musical chez Poisson Rêveur et un très beau texte sur la poésie "L'or du temps" sur le blog "A saut & à gambades"