Bleu de cobalt

Violon d'Ingres

Voici encore un exemple de beauté et de pureté de la ligne ... Il s'agit du "Violon d'Ingres", une œuvre surréaliste de Man Ray datant de 1924, une photographie retravaillée à la façon d'un tableau et de cette autre œuvre très classique de Salvador Dali "Dos de femme", peinte en 1960 (il en avait peint une autre version bien plus surréaliste des années auparavant).

Référence explicite au fameux tableau qu'Ingres a peint à la fin de sa vie, "Le bain turc", ces deux œuvres représentent la muse de l'artiste, Kiki de Montparnasse pour Man Ray et Gala pour Salvador Dali. 

Exaltation de la beauté et de la sensualité féminine, mis en valeur par le cadrage rapproché sur un fond neutre, métamorphose du corps féminin en violon avec les deux ouïes (rajoutées à la mine de plomb et l'encre de chine sur le tirage argentique) pour Man Ray, plissé éminemment sensuel des draps blancs pour Dali, je dois vous avouer que, dans ma mémoire, ces deux œuvres n'en faisaient qu'une, à tel point que je reste encore incrédule de ne pas retrouver parmi les tableaux de Dali, celui représentant un dos de femme métamorphosée en violon ...

. A noter en ce moment, au Centre Pompidou, une exposition sur "La subversion des images", Surréalisme, Photographie, Film 

Attention fragile !

En voyant "La Femme nue" (1) de Veilhan perdue dans l'immensité de la cour d'honneur, je n'ai pas pu m'empêcher de penser à Giacometti, à sa "Femme qui marche" réalisée en 1932, ainsi qu'à sa phase où celui-ci ne parvenait plus "à créer de figure qu'aux dimensions exactes définies par sa perception subjective et par la distance entre la figure et sa position personnelle. A son épouvante, ses figures devinrent de plus en plus petites" (2).

Beauté et pureté de la ligne, pureté des matériaux utilisés (l'alliage de bronze et de manganèse est particulièrement en harmonie avec les grilles dorées du château), avec pour ces deux sculptures une touche d'inspiration africaine, ces deux femmes sont l'archétype de la femme nue contemporaine, une sorte de Vénus intemporelle.

Autant les petites sculptures de Giacometti et notamment "Le petit homme", exposé tout seul dans une pièce de la Fondation Beyeler (sculpture de 2,05 cm de hauteur) suscite sourires et amusement, autant cette "Femme nue" (3) de Veilhan suscite l'étonnement et l'émerveillement : "le matériaux solide et immuable qui constitue la Femme nue contraste avec l'apparente fragilité de sa petite silhouette, le spectateur l'observera avec attention et délicatesse" (4).

Attention fragile !

(1) Photographie d'Yves le comptable

(2) Extrait du draft de l'exposition Giacometti à la Fondation Beyeler jusqu'au 11 octobre

(3 Dans l'article, aller jusqu'à la photographie de la "Femme nue" et la faire pivoter

(4) Extrait du site de Xavier Veilhan sur l'exposition

Des allégories intemporelles ...

Un autre tableau remarquable de Jean-Antoine Watteau est le Pierrot, dit autrefois "Gilles" qu'il peint à la fin de sa vie, vers 1718-1719. On ne sait pas grand chose sur la genèse de cette œuvre, est-ce une enseigne pour le café que tenait l'acteur Belloni, ou est-ce la représentation d'un spectacle de forains ?

Debout face à nous, les bras ballants, ce Pierrot triste, aux yeux perdus dans le vague, a une allure très lunaire. Tous les regards convergent vers le centre du tableau, comme le regard du spectateur happé cette tenue blanche qui semble irradier la toile ; et il se détache du ciel et des feuillages qui délimitent la toile. Le cadrage en légère contre-plongée renforce l'étrangeté de la scène : ce personnage de la Commedia dell'arte est-il sur une scène d'un théâtre de foire ? En arrière-plan, figurent effectivement les compagnons habituels de Pierrot, le docteur sur son âne, Léandre et Isabelle, les amoureux, et le capitaine ... ou ce personnage a-t-il droit à un tableau de plein pied comme les nobles et les grands personnages d'états ? et représente de manière allégorique l'artiste ?

Philippe Sollers dit de ce tableau : "Le Gilles de Watteau est l’un des tableaux les plus mystérieux du monde. Tout en lui est évident, lumineux, et tout est obscur."

D'une façon un peu étrange, ce tableau ne me renvoie pas à celui qu'a réalisé Derain ou encore Picasso au début du vingtième siècle, mais à un tableau bien plus ancien que j'ai pu voir à la Galerie des Offices à Florence où j'ai eu l'impression de retrouver cette même grâce éphémère et intemporelle, je veux parler de "La naissance de Vénus" peint vers 1485 par Botticelli.

Escapade 3 : le rêve du serpent ...

Indéniablement cette "Serpentine rouge" me renvoie au rêve du serpent, thème récurrent dans la peinture aborigène, d'autres en parlent bien mieux que je ne saurais le faire.

Je veux parler de Détour des Mondes et de Bertrand avec son blog "Sur les pas de la collection ... Brocard II". Ci-contre, avec son aimable autorisation, Spinifex community. Wati Tjutaku. Travail collaboratif masculin.

Ci-dessous, "Cinq rêves" de Michael Jagamarra Nelson.

Résonance stellaire

A l'occasion de la nuit des étoiles qui débute ce soir, permettez-moi un rapprochement que vous trouverez peut être un peu insolite, mais en voyant ce tableau "Quelques cercles" à l'exposition Kandinsky à Beaubourg (voir autres notes sur cette exposition ici et là), je n'ai pas pu m'empêcher de songer à la nuit interstellaire, aux planètes et au système solaire. 

Peint en 1926 par Kandinsky dans sa période "Bauhaus", cette huile sur toile, d'assez grande dimension, presque carrée (140,3 x 140,7 cm) nous emporte dans une autre dimension. En utilisant une seule forme géométrique, le cercle, et des couleurs pastels sur un fond uniformément noir, il imprime une dynamique toute particulière qui se rapproche du mouvement des planètes autour d'un noyau central : ces cercles "variés se superposent en transparence et semblent flotter librement, mis en mouvement par une énergie mystérieuse" (1).

Le cercle est "(1) la forme la plus modeste mais qui s'impose sans scrupule ; (2) précis mais inépuisablement variable ; (3) stable et instable en même temps ; (4) silencieux et sonore en même temps ; (5) une tension qui porte en elle d'innombrables tensions." (2)

Et, en regardant cette photographie du système solaire, j'ai trouvé troublante la coïncidence de ce halo bleu clair qui se détache du fond sombre ...

Je vous laisse contempler ...

(1) Stéphane Mroczkowski, dossier de l'art n° 162

(2) propos de Kandinsky, catalogue de l'exposition, p. 45 

Un déjeuner peut en cacher un autre !

Autant vous le dire tout de suite, lors de l'exposition "Picasso et les Maîtres" au Grand Palais, je n'ai pas été voir le pendant qui était organisé au Musée d'Orsay autour du déjeuner sur l'herbe, finalement peu sensible aux multiples digressions qu'a pu en faire Picasso alors qu'avec cette toile peinte en 1903, "La Famille Soler", visible au Grand Palais (d'habitude au Musée d'art moderne de Liège), il avait déjà retenu ce thème en le traitant d'une manière tout à fait singulière.

Toile peinte pendant sa période bleue, de dimension plus modeste (150 x 200 cm) que le déjeuner sur l'herbe de Manet (voir la note précédente), elle en reprend la composition avec la nappe blanche au premier plan et les personnages se détachant d'un fond neutre, plutôt à dominance de bleu vert. Il est à préciser que celle-ci est la partie centrale d'un triptyque, puisqu'elle se trouve flanquée "des portraits symétriques des deux époux Soler (ici et là) pour composer le retable de quelque autel domestique" (1).

Ici, ce qui frappe c'est la profonde tristesse et l'ennui mortel qui semble toucher l'ensemble des personnages avec au centre du tableau, non plus une femme prenant son bain dans les sous-bois comme chez Manet, mais une petite fille campée sur ses jambes, toute de noire vêtue, et vous fixant avec insistance, droit dans les yeux, alors que tous les autres personnages sont assis et regardent ailleurs.

Ce pique-nique improvisé (?) de retour de chasse avec la gibecière, le fusil et le lièvre mort au tout premier plan prend l'allure d'une étrange réunion de famille où chaque personnage semble étranger à la scène comme marqué, lui aussi, par le sceau de la vanité ...

(1) Extrait du catalogue de l'exposition "Picasso et les Maîtres", Editions de la Réunion des musées nationaux, p. 155

Un déjeuner sur l'herbe ?

Quelques années après le fameux tableau "Déjeuner sur l'herbe" d'Edouard Manet exposé en 1863 au salon des refusés et qui fit scandale, Monet entreprend lui aussi une œuvre monumentale sur le même sujet mais il ne parviendra pas à la finir (voir ici l'esquisse).

Là où Monet suggère, une femme réajuste ses épingles à chignon, tandis que son compagnon lui tient son ombrelle et ses affaires, Manet provoque, en mettant  

au premier plan, au niveau du regard, une femme nue en la compagnie de deux hommes habillés ; pour autant la scène est très sage, et si elle fait scandale à l'époque c'est parce que la présence féminine nue n'est justifiée par aucune allégorie biblique ou mythologique et qu'elle se suffit à elle-même. Chez Monet, on reste dans l'impressionnisme avec un travail très important sur le rendu de l'ombre et de la lumière, chez Manet, il y a une précision quasi photographique dans le rendu des personnages par rapport au flou relatif du sous-bois.

Dans ce déjeuner sur l'herbe, largement inspiré du "Concert champêtre" attribué désormais à Titien, Emile Zola y voyait une page admirable : "Ce qu'il faut voir dans le tableau, ce n’est pas un déjeuner sur l'herbe, c'est le paysage entier, avec ses vigueurs et ses finesses, avec ses premiers plans si larges, si solides, et ses fonds d'une délicatesse si légère ; c'est cette chair ferme modelée à grands pans de lumière, ces étoffes souples et fortes, et surtout cette délicieuse silhouette de femme en chemise qui fait dans le fond, une adorable tache blanche au milieu des feuilles vertes, c’est enfin cet ensemble vaste, plein d'air, ce coin de la nature rendu avec une simplicité si juste, toute cette page admirable dans laquelle un artiste a mis tous les éléments particuliers et rares qui étaient en lui." 

Indéniablement, on sent une modernité chez Manet que l'on ne retrouve pas chez Monet.

Une envie de vert ?

Envie d'une petite balade dans un champ de coquelicots (ici et là), ou au bord du ciel (ici et là), ou tout simplement d'une petite bouffée d'air pur ? Je vous propose une petite immersion dans le vert !

En visitant au début de ce mois l'exposition Van Gogh "Entre terre et ciel" au Kunstmuseum de Bâle, mon œil a été accroché par quelques toiles et cette huile sur toile, "L'herbage aux papillons", en fait partie (ci-contre, National Gallery, Londres, (1)). Peinte en mai 1890, elle m'a fait penser à cette toile peinte quelques années plus tard, vers 1905, par Gustav Klimt "Rosiers sous les arbres" que l'on peut admirer au Musée d'Orsay (ci-dessous, (2)).

Dans ces deux toiles l'espace est saturé de vert, presque sans horizon, à tel point que sans la référence excentrée au petit chemin pour van Gogh et au petit coin de ciel bleu sur lequel se détache un arbre pour Klimt, nous serions en présence de deux toiles abstraites.

Autre point impressionnant dans ces deux toiles, c'est la large palette de verts utilisée, du vert très clair, un vert d'eau à un vert plus soutenu, voire vert émeraude, rehaussée par des pointes d'ocres, de jaune, de violet et de blanc (blanc des papillons, blanc des rosiers).

Pour autant l'impression dégagée est sensiblement différente. Chez van Gogh, avec les traits très fins qui épousent la forme des touffes d'herbe, on ressent le vent qui agite cet herbage, on sent la vie, le frémissement de la nature (3).

Chez Klimt, la juxtaposition des touches de couleur, façon mosaïque, donne un traitement particulier à la nature et, s'il n'y avait pas les quelques troncs d'arbres suggérés au premier plan, on serait perdu dans une luxuriance végétale et décorative ; pourtant, je me prends à rêver de trois silhouettes de femmes en lieu et place des rosiers tombants ...

(1) Si vous voulez découvrir d'autres toiles de van Gogh, je vous suggère une balade sur le blog de Grillon

(2) Notice du tableau "Rosiers sous les arbres" de Klimt sur le site du Musée d'Orsay

(3) Petite découverte aborigène que je trouve étonnement proche de la toile de van Gogh ...

Résonances aquatiques ...

Si l'aventure vous tente, je vous suggère d'aller jusqu'à la Fondation Beyeler, située dans la banlieue de Bâle. Vous y découvrirez la remarquable collection d'œuvres modernes et d'arts premiers rassemblées par Hildy et Ernst Beyeler ainsi que des expositions temporaires, en ce moment Giacometti, dans un lieu particulièrement bien aménagé.

C'est ainsi que j'ai pu faire, la semaine passée, une rencontre improbable entre le triptyque "Le Bassin aux nymphéas" (1917-1920) de Monet et les "Femmes de Venise I - IX" (1956) de Giacometti qui sont exposés, dans le foyer du musée, devant un grand sofa blanc qui invite à la paresse ...

 

Certes, ces deux œuvres sont imposantes, d'un côté un triptyque constitué de toiles de 200 X 300 cm pour chaque partie, de l'autre côté neuf sculptures qui occupent l'espace (ici et là, photographies prises lors d'autres expositions), mais a priori toute ressemblance s'arrête là.

Pourtant la présence de cet ensemble de neuf figures de femme, juste à côté de ces nymphéas, m'est apparue comme aller de soi, comme une évidence que je n'avais soupçonnée jusque là ... Ces femmes, aux silhouettes allongées et tourmentées, comme formées par la tourbe que l'on trouve près des nappes d'eau ou des marais, me sont apparues étonnamment aquatiques, "marquées par une pâte presque picturale"(1), prêtes à se dissoudre dans ces trois toiles où toute ligne d'horizon a disparu au profit de la seule contemplation de l'eau, des nymphéas et des reflets du ciel, des nuages ou de la végétation dans l'eau. Ci-contre, l'une d'entre elle,"Femme IX".

"Cet ensemble ... est le fruit de la quête intensive à laquelle s'est livré Alberto Giacometti pour parvenir à la sculpture parfaite d'une femme, qu'il voulait présenter à la Biennale de Venise de 1956" (2). D'aucuns y verront avec la référence à Venise un clin d'œil pour ces naïades des temps modernes !...

Encore un grand merci à Elisabeth pour cette escapade enrichissante !

(1) (2) Extraits du "Petit Journal" de l'exposition Giacometti du 31 mai au 11 octobre 2009 à la Fondation Beyeler

"Les funérailles de Mona Lisa"

Autant les portraits d'Andy Warhol sont colorés, représentatifs d'une image glamour, idéale, autant ceux de Yan Pei-Ming sont ancrés dans le réel, et la plupart du temps sombres. Il s'y lit l'angoisse, la crispation de l'humanité et sa Mona Lisa qui vient d'être exposée au Louvre (au même endroit où l'on a pu admirer les femmes d'Alger de Delacroix/Picasso) n'y échappe pas ! 

Ce n'est pas la première fois que le tableau le plus connu au monde "La Joconde", peint par Léonard de Vinci, fait l'objet d'une appropriation par un artiste. Appropriation provocatrice par Marcel Duchamp en 1919 avec L.H.O.O.Q. qui l'affuble d'une moustache et d'une barbichette, ou par Salvador Dali en 1954 qui en profite pour faire son "Autoportrait en Mona Lisa", revisitation relativement conventionnelle par Fernand Léger en 1930 avec "La Joconde aux clés", ou par Fernando Botero avec la "Mona Lisa", ou carrément relecture de l'œuvre par Robert Filliou en 1968 avec "La Joconde est dans l'escalier", toutes ces relectures sont, somme toute, une fois que l'on a dépassé le stade de la dérision et de la provocation assez rafraichissantes !

Plus récemment avec des artistes comme Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat ou Rauschenberg, l'image renvoyée de cette icône, au delà de la provocation, est bien plus inquiétante, sombre, pessimiste, comme un reflet de notre société actuelle (?) et Yan Pei-Ming se situe, dans le même registre, avec son polyptyque monochrome constitué par cinq tableaux.

La Joconde, placée au centre de ce "retable", est encadrée de part et d'autre par un paysage imaginaire assez indistinct où l'on peut voir répétés des crânes humains (réalisés à partir d'un scanner du crâne de l'artiste) gisant sur le sol.

Pour la première fois, le paysage à l'arrière plan présente une certaine unité qui aurait fait plaisir à l'historien d'art Daniel Arasse ! (1) Deux autres portraits complètent ce triptyque, à gauche le père de l'artiste mort, les yeux ouverts, et à droite un autoportrait de l'artiste qui préfigure en quelque sorte sa mort. On est happé à la fois par la grisaille de cette œuvre et à la fois par l'impression de blancheur ... "En Chine, le blanc est la couleur du deuil, mais pour que ce blanc existe, je l'ai interprété en gris" (2). Et la mort est présente partout à l'exception de la Joconde qui apparaît belle et bien vivante malgré des larmes de peinture sur son visage et ses mains croisées ... C'est là le paradoxe de ces funérailles fantomatiques de l'icône de la peinture occidentale par Yan Pei-Ming, artiste qui de son vivant est exposé au Louvre, et qui lui se représente déjà "mort, mourant ou endormi" (2).

(1) Daniel Arasse, "Histoires de peintures", chapitre 2

(2) Propos de Yan Pei-Ming recueillis par Guillaume Durand

(3) Pour ceux qui souhaitent aller plus loin, interview de l'artiste sur FR3 en février 2009