Bleu de cobalt

Des allégories intemporelles ...

Un autre tableau remarquable de Jean-Antoine Watteau est le Pierrot, dit autrefois "Gilles" qu'il peint à la fin de sa vie, vers 1718-1719. On ne sait pas grand chose sur la genèse de cette œuvre, est-ce une enseigne pour le café que tenait l'acteur Belloni, ou est-ce la représentation d'un spectacle de forains ?

Debout face à nous, les bras ballants, ce Pierrot triste, aux yeux perdus dans le vague, a une allure très lunaire. Tous les regards convergent vers le centre du tableau, comme le regard du spectateur happé cette tenue blanche qui semble irradier la toile ; et il se détache du ciel et des feuillages qui délimitent la toile. Le cadrage en légère contre-plongée renforce l'étrangeté de la scène : ce personnage de la Commedia dell'arte est-il sur une scène d'un théâtre de foire ? En arrière-plan, figurent effectivement les compagnons habituels de Pierrot, le docteur sur son âne, Léandre et Isabelle, les amoureux, et le capitaine ... ou ce personnage a-t-il droit à un tableau de plein pied comme les nobles et les grands personnages d'états ? et représente de manière allégorique l'artiste ?

Philippe Sollers dit de ce tableau : "Le Gilles de Watteau est l’un des tableaux les plus mystérieux du monde. Tout en lui est évident, lumineux, et tout est obscur."

D'une façon un peu étrange, ce tableau ne me renvoie pas à celui qu'a réalisé Derain ou encore Picasso au début du vingtième siècle, mais à un tableau bien plus ancien que j'ai pu voir à la Galerie des Offices à Florence où j'ai eu l'impression de retrouver cette même grâce éphémère et intemporelle, je veux parler de "La naissance de Vénus" peint vers 1485 par Botticelli.

Une envie de vert ?

Envie d'une petite balade dans un champ de coquelicots (ici et là), ou au bord du ciel (ici et là), ou tout simplement d'une petite bouffée d'air pur ? Je vous propose une petite immersion dans le vert !

En visitant au début de ce mois l'exposition Van Gogh "Entre terre et ciel" au Kunstmuseum de Bâle, mon œil a été accroché par quelques toiles et cette huile sur toile, "L'herbage aux papillons", en fait partie (ci-contre, National Gallery, Londres, (1)). Peinte en mai 1890, elle m'a fait penser à cette toile peinte quelques années plus tard, vers 1905, par Gustav Klimt "Rosiers sous les arbres" que l'on peut admirer au Musée d'Orsay (ci-dessous, (2)).

Dans ces deux toiles l'espace est saturé de vert, presque sans horizon, à tel point que sans la référence excentrée au petit chemin pour van Gogh et au petit coin de ciel bleu sur lequel se détache un arbre pour Klimt, nous serions en présence de deux toiles abstraites.

Autre point impressionnant dans ces deux toiles, c'est la large palette de verts utilisée, du vert très clair, un vert d'eau à un vert plus soutenu, voire vert émeraude, rehaussée par des pointes d'ocres, de jaune, de violet et de blanc (blanc des papillons, blanc des rosiers).

Pour autant l'impression dégagée est sensiblement différente. Chez van Gogh, avec les traits très fins qui épousent la forme des touffes d'herbe, on ressent le vent qui agite cet herbage, on sent la vie, le frémissement de la nature (3).

Chez Klimt, la juxtaposition des touches de couleur, façon mosaïque, donne un traitement particulier à la nature et, s'il n'y avait pas les quelques troncs d'arbres suggérés au premier plan, on serait perdu dans une luxuriance végétale et décorative ; pourtant, je me prends à rêver de trois silhouettes de femmes en lieu et place des rosiers tombants ...

(1) Si vous voulez découvrir d'autres toiles de van Gogh, je vous suggère une balade sur le blog de Grillon

(2) Notice du tableau "Rosiers sous les arbres" de Klimt sur le site du Musée d'Orsay

(3) Petite découverte aborigène que je trouve étonnement proche de la toile de van Gogh ...

Or, bleu profond et rose carmin ...

Or, bleu profond, rose carmin, ces trois couleurs m'accompagnent depuis ma dernière visite au Musée Jacquemart-André ... et les voilà, là, devant moi, bien présentes, avec cette sépulture faite d'un panneau en bois doré sur lequel reposent quelques pétales d'or, un bouquet de roses et une éponge bleue.

Il s'agit d'une œuvre singulière d'Yves Klein, "Ci-gît l'Espace", réalisée en 1960, et qui semble déjà présager de sa disparition précoce à l'âge de 34 ans.

Et je ne peux m'empêcher de voir qu'au delà de la vie terrestre, de la chair et du sang symbolisés par les roses, la couronne en éponge, représentative de la souffrance et du martyr et matérialisée dans la couleur bleu Klein, en élevant l'esprit vers le spirituel, va permettre de parvenir aux portes de l'éternité, à l'immatériel.

"A travers les religions et les âges, l'or a toujours matérialisé le divin. Dans la religion chrétienne des premiers temps, le fond d'or signifiait Dieu, irreprésentable et son espace divin, impénétrable. Cette matière est celle des dieux égyptiens, hindous, bouddhistes, celtes" (1).

Ces trois couleurs vont à nouveau se rejoindre dans un "Ex-voto dédié à la Sainte-Rita de Cascia", qu'il crée en 1961 pour le sanctuaire de Sainte-Rita de Cascia : du pigment pur de magenta, de bleu et des feuilles et lingots d'or, dans un simple coffrage en plexiglas.

"Articulé au bleu et au rose, l'or est aussi au cœur du feu. L'or, Dieu le père, le bleu pour le divin fait homme, et le rose garance carminé pour le Saint-Esprit, voilà comment Pierre Restany expliquait l'articulation systématique des trois couleurs à la fin de la vie de Klein" (2).

(1) (2) Extrait de l'Esprit de Klein, exposition Yves Klein "Corps, couleur, immatériel", Editions du Centre Pompidou, Paris 2006

Un lacrimosa éternel ...

Sur un fond d'or éternel, la Pietà de Villeneuve-lès-Avignon que l'on peut admirer au Louvre s'inscrit dans le prolongement de ce printemps italien.

Attribuée à Enguerrand Quarton, ce chef d'œuvre de l'école provençale, réalisé vers 1455 reprend le thème connu de la Pietà où la Vierge reçoit, à la descente de la croix, le corps de son fils, le corps du Christ mort.

Avec silhouettés à l'horizon, d'un côté la ville de Jérusalem et de l'autre le Mont Ventou, la composition de ce tableau adopte une forme de tympan dont les arcs sont formés par les corps inclinés de Marie-Madeleine et de Saint-Jean, qui accompagnent le corps du Christ raidi et disloqué, alors que la Vierge en position centrale, toute à sa douleur, reste digne, en prière, les mains jointes.

Composition très proche de celle de Van der Weyden, avec le corps du Christ mort situé en dessous de l'horizon, avec le côté sculptural des drapés et du corps du Christ, elle en diffère cependant à la fois par son expressivité et par son intériorité. Ici, il est certain que le Christ est mort, et non pas simplement endormi, et cela marque son corps bleui et cassé jusqu'à l'extrême, jusqu'à la raideur de son bras ballant, jusqu'à sa main droite recroquevillée. Ici, il est certain que la Vierge apparaît forte et confiante dans la résurrection, alors que chez Van der Weyden, submergée par la douleur, elle étreint dans un dernier contact charnel le corps de son fils.

Je vous laisse contempler ce lacrimosa éternel ...


Pour ceux qui voudraient prolonger la contemplation, je vous suggère "Un chemin de méditation" sur un ancien blog d'Alain et "Josquin, larmes sereines" sur le blog Vermischter Stil

Vive le printemps !

C'est le printemps aujourd'hui ! Les beaux jours reviennent avec la nature qui s'éveille après l'engourdissement de l'hiver, c'est le temps des vergers en fleurs et des arbres qui fleurissent les ciels bleu azur ! 

Ce thème des vergers en fleurs, van Gogh l'a abordé à plusieurs reprises dans son œuvre entre 1888 et 1890, mais j'ai une prédilection particulière pour ce tableau "Branches d'amandier en fleurs" (73,5 x 92 cm, Rijksmuseum Vincent van Gogh, Amsterdam), peint en février 1890, pour la naissance du fils de son frère Théo.

Sur un fond de ciel bleu azur, rendu avec de larges coup de pinceau, les fleurs blanches de l'amandier se détachent délicatement. Van Gogh a accordé "toute son attention à chacune des fleurs séparément ; il accompagne chacun des boutons, encore fermés mais sur le point déclore, d'un discret accent de rouge" (1).

La composition est une fois de plus influencée par les estampes japonaises avec, au premier plan, ce focus sur une branche en fleurs qui se détache du ciel bleu.

C'est une invitation poétique à des jours meilleurs ...

(1) Catalogue de l'exposition Vincent van Gogh au Rijksmuseun Vincent van Gogh, 30 mars - 29 juillet 1990

Les couleurs du noir : les chiens ne font pas des chats !

Tout comme les chats, les chiens ont toujours fait partie de l'univers familier de Bonnard et je ne voudrais surtout pas que l'on me soupçonne de favoritisme après mon dernier billet ! Ursule peut dormir tranquille !

Cette toile de petit format (36,3 x 39,5 cm), peinte en 1891, met en scène deux caniches qui occupent l'essentiel de l'espace. Comme pour Le Chat blanc (voir la note précédente) le cadrage est resserré, inspiré des estampes japonaises. Sur un fond d'herbe crue "les deux animaux, en proie à une folie délirante, sont saisis en plein mouvement au moyen d'arabesques complexes et d'aplats de couleur noire" (1)

On s'imagine bien le combat un peu féroce auquel se livre les deux animaux, l'un prêt à bondir avec sa gueule ouverte et l'autre en replis sur le dos, dont on distingue un œil et la langue (par deux points blanc) avec ses pattes redressées pour se protéger. Leurs silhouettes noires, qui sont à la fois compactes et sinueuses, sont très expressives, et elles apparaissent telles des ombres chinoises, sur ce fond vert relativement uniforme. Ursule peut revenir à la maison !

(1) Claire Frèches-Thory, Nabis 1888-1900, 1993

Le baiser éternel

Le baiser est certainement l'un des tableaux les plus connus de Gustav Klimt, si ce n'est le plus connu de ce peintre. Cette toile, réalisée en 1907-1908, appartient à la période dite dorée du peintre autrichien, où celui-ci utilise à la fois les couleurs dorées et les feuilles d'or.

Précédemment, lors de la quatorzième exposition des sécessionnistes en 1902 qui rendait hommage à la sculpture de Beethoven réalisée par Max Klinger, Klimt avait réalisé une peinture allégorique, la Frise Beethoven dans laquelle on trouve déjà la présence d'un couple enlacé ; "interprétation visuelle d'un vers de Schiller "O joie, belle étincelle divine - Ce baiser du monde entier" que Beethoven avait justement mis en musique dans sa neuvième symphonie." (1)

Sur un fond de feuilles d'or et d'argent, et une mosaïque de fleurs colorées - et de pampilles en or - au sol, se découpe la silhouette enlacée du couple enveloppée dans un ample vêtement doré. Vertigineusement décoré, les motifs de celui-ci varient en fonction du sexe : des rectangles noirs et blancs pour l'homme, des corolles de fleurs et des ronds colorées pour la femme. De cet  ensemble travaillé à la façon d'une icône, émerge l'expression de l'intimité amoureuse : les mains, une épaule et le visage de la femme. Il en émane à la fois une certaine fougue masculine, l'homme embrassant la femme qui se tient agenouillée sur le sol et qui, les yeux clos, se laisse aller à la passion de l'amour et, à la fois, me semble-t-il, une grande tendresse soulignée par la protection de l'homme qui entoure sa compagne et par la position de ses mains sur le cou de celle-ci.

Ce rapport fusionnel et chaste à la fois, Klimt l'a peint à de nombreuses reprises, mais ici il est sublimé dans sa forme indéniablement la plus aboutie. <3

(1) Elsa Valtat, dossier de l'art n°123

El Greco : le chemin vers l'abstraction

L'exposition "Picasso et les Maîtres" m'a permis de découvrir une toile intrigante du Greco (peintre qui a considérablement influencé le maître espagnol de la peinture moderne) : La visitation (1610-1614).

Ce tableau d'un format plus petit que la moyenne des peintures du Greco (96,5 sur 71,4 cm) est fascinant à plus d'un titre. Tout d'abord on notera la pleine utilisation du fameux "bleu électrique" du Greco avec ces étoffes soyeuses, brillantes, surnaturelles ainsi que le ciel aux nuages bleus / gris filiformes et tourmentés. Mais surtout, le plus frappant est la géométrisation des deux modèles, la Vierge et Élisabeth, deux corps dont les drapés dessinent un espace presque abstrait. Ce tableau est d'une audace de composition incroyable pour l'époque et annonce de façon fulgurante les grandes compositions abstraites qui ne surgiront que... trois cents ans plus tard !

On a reproché au Greco d'avoir "banalisé" la Vierge, en la plaçant au même niveau qu'Élisabeth, ce qui était considéré comme presque blasphématoire à l'époque. Le Greco en aurait beaucoup souffert, ayant toujours été très croyant.

Je vous laisse méditer sur ce tableau unique qui appartient au Dumbarton Oaks Museum, à Washington.

Le blanc n'existe pas : Toits sous la neige !

Je ne sais pas pour vous, mais je crois que j'ai gardé ma capacité d'émerveillement d'enfant lorsque je vois la neige tomber et surtout tenir sur les toits malgré la chaleur relative de la grande agglomération parisienne, avec ces quelques degrés d'écart qui la sépare de sa banlieue. Ce début de semaine, je n'ai pas pu m'empêcher de penser à cette toile de Caillebotte, peinte en 1878 "Vue de toits (effet de neige)", dit "Toits sous la neige, Paris", exposée au Musée d'Orsay.

Pour l'époque, cette vue est relativement inhabituelle, même si les peintres impressionnistes ont pris l'habitude de peindre la réalité quotidienne et les rues de Paris, une capitale en pleine mutation sous la férule du baron Haussmann. Ce sont les grands boulevards, les immeubles haussmanniens, l'intensité de la nouvelle vie urbaine avec le mouvement de la foule, les passants, les calèches qui sont d'habitude présentés comme dans cette toile de Claude Monet "Boulevard des capucines", 1873, de Renoir "Les grands boulevards", 1875, ou encore de Pissarro "Les Boulevards extérieurs, Effet de neige", vers 1897.

Depuis le balcon de son ami et du peintre Édouard Dessommes, rue du Rocher, Caillebotte, tel un photographe, nous met dans la grisaille d'une journée de neige parisienne, avec une vue plongeante, comme il les affectionne, sur les toits avec leurs cheminées en brique rouge, leurs gouttières, leurs pignons et leurs chiens assis. Par rapport à d'autres de ses toiles de la même période, on sent que le trait est moins précis, la touche est indéniablement plus impressionniste. La neige est représentée avec des aplats de blanc et ressort sur le fond dominant gris-bleu, qui est lui-même rehaussé par les quelques touches de rouge des tuyaux de cheminées et de quelques haut de façades d'immeubles au loin.

Mais, peut être plus encore que le cadrage original, il nous plonge dans le silence et le calme d'une ville enfouie sous la neige et, sans parler d'inquiétude - "faut-il souligner que le silence en ville est inquiétant" - on sent poindre une certaine tristesse, "un confinement où règne une action monotone".

"Cette incursion dans les espaces cachés de la ville, la vision de ses toits, n'était pas sans présenter une certaine charge émotive ... dans la mesure où de tels lieux témoignent toujours, au sein même de l'aire de civilisation, d'un certain désordre qui semble ramener la cité à la nature" (les textes cités sont de Rodolphe Rapetti, catalogue de l'exposition Caillebotte).

De l'or, de l'encens et de la myrrhe ...

Aujourd'hui, pour illustrer l'Epiphanie, ce tableau de Mantegna "L'adoration des mages", peint vers 1495-1500, s'est imposé comme une évidence. C'est l'un des derniers tableaux que l'on peut voir dans la rétrospective qui est consacrée à ce peintre au Louvre jusqu'au 5 janvier.

L’Évangile de Matthieu (2, 1-12) raconte comment des mages d’Orient sont avertis par une étoile de la naissance d’un roi en Judée. Le roi Hérode leur fait promettre de revenir quand ils auront trouvé l’Enfant, afin qu’il puisse l’adorer. Guidés par une étoile, ils découvrent ce dernier dans une maison de Bethléem, l’adorent et lui présentent leurs dons : l'or, l'encens et la myrrhe. Avertis par un songe de ne pas retourner auprès d’Hérode, ils regagnent directement leur pays.

Traditionnellement, à l'époque où Mantegna peint ce tableau, c'est-à-dire dans la deuxième moitié du 15ème siècle et au début du 16ème siècle, la vierge Marie est représentée assise et elle tient sur ses genoux l'enfant Jésus. Les trois rois mages (Melchior, Balthazar et Gaspard), pour marquer leur respect devant l'Enfant, se tiennent prosternés, et, généralement, le premier mage est agenouillé aux pieds de la vierge. Vêtus de manteaux le plus souvent somptueux, ils offrent leur présents dans des récipients en métaux précieux (calices ou ciboires) et, sur certaines de ces représentations, l'un des mages à la peau sombre (il s'agit de Gaspard). Si la scène est assez souvent associée à celle de la nativité avec notamment, en arrière plan, la représentation d'une étable ou d'une caverne, avec la présence d'un bœuf et d'un âne, elle sort progressivement de ce contexte pour des plans plus pittoresques (par exemple, "L'adoration des mages sous la neige" de Pieter Brueghel, en 1567).

Ici, l'originalité de cette toile tient dans son cadrage très serré. Sur un fond noir, et dans une composition particulièrement harmonieuse, les figures des différents personnages se détachent ; ce qui est très impressionnant c'est qu'ils vont presque jusqu'à recouvrir et envahir l'ensemble de la toile. Regardez également la beauté des couleurs chaudes utilisées (le jaune et le rouge), la douceur du visage de Marie, la représentation de l'Enfant qui pour une fois ressemble à un nouveau né, la relative simplicité des objets tenus entre les mains des mages qui, d'après certains historiens d'art, feraient partie de la collection d'Isabelle d'Este et le jeux subtil des regards. Ce cadrage resserré est d'ailleurs ce qui caractérise un certain nombre de tableaux de Mantegna à la fin de sa vie, comme "Ecce Homo", vers 1500-1502, "La Sainte Famille avec Sainte Elisabeth" (que nous évoquerons dans la prochaine note) ou "La Sainte Famille avec la famille de saint Jean Baptiste", vers 1504-1506.

Indéniablement, on sent une œuvre de pleine maturité, bien loin d'une autre "Adoration des mages", peinte dans sa jeunesse en 1461, et qui fait partie du triptyque des Offices.

Si vous souhaitez pouvoir profiter de cette exposition, pour ceux et celles qui sont en région parisienne, il faut vous dépêcher, puisqu'elle a lieu jusqu'au lundi 5 janvier avec une nocturne jusqu'à 20 heures !