Bleu de cobalt

Veilhan caracole à Versailles !

Après Jeff Koons l'an passé, c'est au tour de Xavier Veilhan, artiste plasticien, de s'emparer du domaine de Versailles. Huit œuvres d'art, spécialement conçues pour l'occasion, jalonnent le domaine sur un axe Est Ouest de la cour d'honneur pavée jusqu'à la perspective finale sur les bassins.

Comme il le dit lui-même, Xavier Veilhan s'est laissé "envahir par Versailles" (1) et ses œuvres sont autant de clins d'œil actuels à la grandeur passée du lieu et à la charge émotionnelle qui y est liée.

Pour ce roi qui fut novateur et bâtisseur, il convie côté jardin, neuf sculptures dont les silhouettes évoquent les architectes d'aujourd'hui comme Jean Nouvel, Renzo Piano ou Richard Rogers et dont les socles laissent intact la perspective sur les jardins et le grand bassin. Et il fait réaliser un 341ème jet d'eau qui culmine à 100 mètres de hauteur ! Frissons garantis depuis les embarcations sur le grand canal !

Pour ce roi-Soleil, il invite depuis "le point de vue du roi", la lune sous la forme d'une anamorphose, et, sur le pavement très géométrique de la cour de marbre, l'espace avec le gisant du premier homme à avoir voyagé dans l'espace, le russe Gagarine.

Pour cette monarchie qui courait à sa perte, il utilise la couleur violette "la couleur du deuil du roi, la couleur du religieux mais aussi de l'excès, du décorum et des délires Seventies" (1) et l'attelage violet lancé au grand galop, qui peut évoquer la fuite à Varennes dans la cour d'honneur, est particulièrement réussi.

Utilisant un certain nombre de techniques et supports modernes (sculptures en 3D, pixels, bronze, mobile ...), ces œuvres nous permettent de découvrir ou de redécouvrir Versailles avec tonicité et poésie.

(1) Textes entre guillemets de l'auteur

(2) Exposition Veilhan en détail là

(3) Interview de Xavier Veilhan ici

Escapade 4 : Danse bleue !

Dernière escapade de ces quartiers d'été, une découverte étonnante avec cette installation de Robert Henke et Christopher Bauder ...

Point d'ancrage : "Misconceivable"

Sur le canal de la Martinière, Erwin Wurm, artiste sculptural, a imaginé un bateau, voilier de son état, "Misconceivable" prêt à rejoindre ses congénères et à plonger dans le grand bleu ! 

Quel face à face cocasse !

Ces "Misconceivable" ne dépareillaient pas dans les dessins animés ... Et tout compte fait, il est peut être plus prudent de ne pas monter à bord !

Pour autant certains y voient un petit clin d'œil inconceivable à la Dali  !

 

Escapade 1 : un bestiaire improbable !

Après les photographies rafraîchissantes et insolites de Paola Pivi, je ne résiste pas dans le même registre à vous montrer un tout petit extrait de la "Bossa Fataka" de Rameau sur une chorégraphie de la Compagnie Montalvo Hervieu !

"Les funérailles de Mona Lisa"

Autant les portraits d'Andy Warhol sont colorés, représentatifs d'une image glamour, idéale, autant ceux de Yan Pei-Ming sont ancrés dans le réel, et la plupart du temps sombres. Il s'y lit l'angoisse, la crispation de l'humanité et sa Mona Lisa qui vient d'être exposée au Louvre (au même endroit où l'on a pu admirer les femmes d'Alger de Delacroix/Picasso) n'y échappe pas ! 

Ce n'est pas la première fois que le tableau le plus connu au monde "La Joconde", peint par Léonard de Vinci, fait l'objet d'une appropriation par un artiste. Appropriation provocatrice par Marcel Duchamp en 1919 avec L.H.O.O.Q. qui l'affuble d'une moustache et d'une barbichette, ou par Salvador Dali en 1954 qui en profite pour faire son "Autoportrait en Mona Lisa", revisitation relativement conventionnelle par Fernand Léger en 1930 avec "La Joconde aux clés", ou par Fernando Botero avec la "Mona Lisa", ou carrément relecture de l'œuvre par Robert Filliou en 1968 avec "La Joconde est dans l'escalier", toutes ces relectures sont, somme toute, une fois que l'on a dépassé le stade de la dérision et de la provocation assez rafraichissantes !

Plus récemment avec des artistes comme Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat ou Rauschenberg, l'image renvoyée de cette icône, au delà de la provocation, est bien plus inquiétante, sombre, pessimiste, comme un reflet de notre société actuelle (?) et Yan Pei-Ming se situe, dans le même registre, avec son polyptyque monochrome constitué par cinq tableaux.

La Joconde, placée au centre de ce "retable", est encadrée de part et d'autre par un paysage imaginaire assez indistinct où l'on peut voir répétés des crânes humains (réalisés à partir d'un scanner du crâne de l'artiste) gisant sur le sol.

Pour la première fois, le paysage à l'arrière plan présente une certaine unité qui aurait fait plaisir à l'historien d'art Daniel Arasse ! (1) Deux autres portraits complètent ce triptyque, à gauche le père de l'artiste mort, les yeux ouverts, et à droite un autoportrait de l'artiste qui préfigure en quelque sorte sa mort. On est happé à la fois par la grisaille de cette œuvre et à la fois par l'impression de blancheur ... "En Chine, le blanc est la couleur du deuil, mais pour que ce blanc existe, je l'ai interprété en gris" (2). Et la mort est présente partout à l'exception de la Joconde qui apparaît belle et bien vivante malgré des larmes de peinture sur son visage et ses mains croisées ... C'est là le paradoxe de ces funérailles fantomatiques de l'icône de la peinture occidentale par Yan Pei-Ming, artiste qui de son vivant est exposé au Louvre, et qui lui se représente déjà "mort, mourant ou endormi" (2).

(1) Daniel Arasse, "Histoires de peintures", chapitre 2

(2) Propos de Yan Pei-Ming recueillis par Guillaume Durand

(3) Pour ceux qui souhaitent aller plus loin, interview de l'artiste sur FR3 en février 2009

Icônes contemporaines (1)

Icônes publicitaires ou people déifiés ?

J'avoue que l'exposition "Le grand monde d'Andy Warhol" qui a lieu en ce moment au Grand Palais a aiguisé ma curiosité, mais qu'elle me laisse un peu perplexe ...

Ma première rencontre avec les œuvres d'Andy Warhol, figure centrale du pop-art, s'est faite avec les fameuses bouteilles de Coca-Cola et les boîtes de soupe Campbell, ces objets symboles de la société de consommation américaine, de l'"american way of life". Sortis de leur contexte utilitaire, ils sont transformés par Warhol en œuvres d'art, comme sacralisés, avec une répétition qui reflète la production de masse, celle du produit ordinaire fabriqué en série, mais si l'on y regarde de plus près cette répétition n'est qu'apparente puisque certes l'image paraît la même mais qu'elle n'est pas tout à fait la même : par exemple, les 32 boîtes de soupe Campbell montrées ici sont toutes différentes !

Ma première rencontre s'est faite aussi avec l'un des nombreux portraits de Marilyn Monroe (ci-contre, "Twenty Marilyns (Marilyns in color)", 1962, tableau que l'on peut voir au début de l'exposition) ! Je vous livre une partie du commentaire qui accompagne dans le petit journal de l'exposition le tableau "Twenty Marilyns". "Répétée inlassablement, sacralisée par la reproduction processionnelle de son effigie, Marilyn est à la fois comme vidée de sa substance et sublimée en tant qu'icône contemporaine. Wahrol y souligne le double glissement à l'œuvre dans son art du portrait : le basculement du profane au sacré et de la vie à la mort".

Largement influencé par son travail de publicitaire, on sent au fil des années et de l'exposition une maestria de plus en plus importante des portraits : approche esthétique avec le gommage des imperfections, maîtrise du trait, de la quantité de peinture utilisée, des couleurs retenues (notamment son bleu turquoise) qui deviennent de plus en plus flashy ou qui scintillent avec de l'utilisation de la poudre de marbre. Comme il le dit lui-même : "J'essaie toujours de rendre le visage aussi beau que possible".

Par leur caractères, ces œuvres sérigraphiées étaient à l'époque inhabituelles comme le souligne Irving Blum, le premier galiériste à avoir exposé les œuvres d'Andy Warhol, pour ces années qui étaient marquées par l'expressionnisme abstrait. A l'heure actuelle, à l'ère des médias et de la toute puissance des images, ces œuvres apparaissent finalement comme relativement ordinaires, et avec une pointe de provocation, comme des photomatons améliorés.

Expo : "Le grand monde d'Andy Warhol" au Grand palais
envoyé par cap24-wizdeo. - Futurs lauréats du Sundance.

A suivre ...

Un bouquet de coucous !

Dernièrement, à l'occasion de la vente de la collection Bergé-Saint Laurent, mon œil a été particulièrement accroché par cette toile "Les Coucous, tapis bleu et rose" d'Henri Matisse, réalisée au printemps 1911.

Assez proche d'un précédent tableau peint une année auparavant (Nature morte au géranium), ce tableau apparaît remarquablement bien équilibré avec le bouquet de coucous apparaissant au centre des deux tiers hauts de la toile. S'il ne déroge pas aux règles habituelles de ce genre de représentation : vase de chine bleu, bouquet de fleurs figées dans le vase, au pied du vase quelques pétales flétries (synonyme du temps qui passe).

Il en renouvelle pourtant le genre en offrant une palette de couleurs qui se répond : mur bleu turquoise flanqué verticalement d'un pan de tissus rouge, tapis bleu à motifs roses entourés de turquoise qui fait perdre les repères pour l'œil et qui fait ressortir plus encore le vase et les fleurs, point de fuite vers la droite avec un tableau dans le tableau contrebalancé par le pan de tissus rouge et la grille horizontale rouge qui coure le long de la bordure supérieure bleue.

Même de ce vase, il en émane "une énergie de ces formes vigoureuses, vaguement anthropomorphiques, aux courbes et ailerons saillants, que l'on pourrait assimiler à des bras, jambes, seins, hanches et drapés tourbillonnant de danseurs, ou à l'écorce dentelée de pommes-grenades"... (1)

En bref, un petit aperçu de la collection dispersée en février 2009 :

ARTNET.fr : Collection Yves Saint Laurent et Pierre Bergé
envoyé par ARTNET_france

(1) Hilary Spurling, novembre 2088, notice du lot 55 de la vente de la collection Bergé-Saint Laurent, Christies

Pas sérieux s'abstenir !

Un clin d'œil humoristique grâce au concours de Julie Ferrier, alias Martha la prof d'arts plastiques !

Nous adooooooooooooooorons ! ;-)

La ligne foncée : Georges Rouault

Au risque de vous surprendre, en restant toujours sur la ligne et sur le Japon, je voudrais simplement vous présenter quelques œuvres d'un peintre du vingtième siècle français, Georges Rouault, assez peu connu du grand public dont un amateur japonais a réunit près de 400 œuvres, la collection Idemitsu. Soixante-dix des toiles qui la composent étaient présentes pour la première fois en France, depuis la seconde guerre mondiale, à la Pinacothèque de Paris (du 17 septembre 2008 au 18 janvier 2009).

Ce qui frappe le plus chez Rouault, c'est l'accentuation volontaire des formes, la densité des couleurs utilisées pour ses premières œuvres (couleurs qu'il diluera par la suite avec de l'essence), et ces traits noirs, épais, qui sertissent tel un vitrail le dessin (lorsqu'il était jeune, il était apprenti chez un peintre de vitraux), avec toujours ces cernes noirs autour des yeux.

Proche du fauvisme de Van Dongen ou de l'expressionnisme d'Emil Nolde, on retrouve dans sa peinture des traits à la Daumier ou très proches des peintures noires de Goya. Mais, par rapport à ces peintres, il y réside une dimension supplémentaire, comme un supplément d'âme, comme une sorte de rédemption accordée à ces petites gens qu'il s'emploie à peindre, tous ceux que la société rejette (prostituées, saltimbanques, ...). Ci-contre, "La femme au tambourin", huile sur papier entoilé, 1931-1939, © ADAGP Paris 2008.

Peintre engagé dans le christianisme, on pouvait également admirer à cette exposition des passions du Christ, peintes dans les années 1930, sur des petites toiles carrées, telle des icônes, et qui ont été d'ailleurs les premières œuvres collectionnées par cet industriel japonais Idemitsu, de religion shinto et amateur d'art

"Bien loin du réalisme, Rouault est un visionnaire. Ces êtres dont il peignait la déchirante nudité, il rêvait de leur ressembler, de se mêles à eux : "Enfants de la balle sur toutes les routes ... vous qui cheminez doucement en hiver vers le soleil, la plaine verte au printemps ou vers la mer océane, je vous ai toujours enviés, attaché à la glèbe picturale comme le paysan à son champ ...". (1)

Traits noirs qui évoquent des similitudes avec l'art de la calligraphie, sérénité des œuvres de maturité qui invitent à un voyage intérieur, voilà deux points d'ancrage qui expliquent certainement l'attrait de Rouault au Japon.

(1) Propos de Rouault rapportés par Georges Charensol, Les grands maîtres de la peinture moderne, Editions Rencontre Lausanne, Paris 1967

"Vers de nouveaux rivages : L'avant-garde russe" (2)

... suite et fin

"Une rupture radicale, qui a revêtu depuis une dimension mythique, est opérée en décembre 1915 par Malévitch et ses disciples, au premier rang desquels Klioune et Popova, lors de l'exposition "0,10" à Saint-Pétersbourg." (1) Lors de cette dernière exposition futuriste, Malévitch y présente le Carré noir sur fond blanc qui consiste en un carré noir (dont les angles ne sont pas véritablement égaux) ressortant sur un fond blanc, on entre dans le suprématisme. A cette exposition, pas très loin d'une grande croix, on découvre un tableau de petite taille "Quadrilatère noir" (24 x 17 cm) dont les contours sont incertains sur un fond blanc, on sent la vibration de l'espace. A partir de formes géométriques essentielles (demi-sphère pour le ciel, carré pour la terre) et de trois catégories de couleurs (blanc pour l'infini, noir pour le carré et couleurs primaires pour le reste), Malévitch s'engage dans une peinture plus formaliste qu'abstraite où comme il dit "l'art ne veut plus rien savoir de l'objet, et pense pouvoir exister en soi et pour soi". Toujours dans la même grande salle d'exposition, on peut voir ce tableau ci-contre de Lioubov Popova, "Construction espace-force", peint en 1921, une huile et poudre de marbre sur bois qui est vraiment impressionnant.

En parallèle du suprématisme, se développe le constructivisme qui est véritablement révélateur après le cubisme de la réintroduction de l'objet dans la peinture, comme si les artistes russes précédaient, annonçaient et accompagnaient la révolution de 1917. L'art est au service de l'homme nouveau, cet homme nouveau qui est ingénieur et constructeur. Ci-contre, un tableau d'Alexandre Rodtchenko, "Construction sur fond blanc (Robots)", de 1920, huile sur bois (© Adagp Paris 2008).

En fin de parcours, les rencontres sont encore nombreuses et inattendues. Ainsi en est-il avec Mikhaïl Matiouchine, musicien et peintre, et nous ressentons au travers de sa toile aux couleurs chaudes, "Construction picturale musicale", comme une ronde sensuelle ; avec Vladimir Tatline qui récupère déjà des matériaux usagés pour en faire une œuvre d'art, "Contre-relief au pied de chaise", 1914-1915 ; avec Xenia Ender et ses collages qui emmènent vers des rives lointaines aborigènes. 

"A travers ce kaléidoscope", on est saisi par "l'incroyable créativité et diversité de cette avant-garde russe des années 10 et 20, qui ne se limite pas au suprématisme et au constructivisme, mais les déborde et anticipe les mouvements artistiques qui se développeront ultérieurement en Occident, tels l'abstraction géométrique, le biomorphisme, l'expressionnisme abstrait, le minimalisme, la nouvelle figuration ...". (2) Nous aurons l'occasion d'y revenir.

En prime, pour terminer cette exposition, un petit complément visuel !

(1) Extrait du dossier de presse de l'exposition

(2) Yves Kobry, Commissaire de l'exposition

(3) En cliquant sur le lien un article très intéressant sur l'Avant-garde russe sur le blog "Lunettes Rouges"