Bleu de cobalt

Ténébreuse sensualité

 

Les tableaux de Rachel Yedid interpellent immédiatement par leur incroyable force. Toute la puissance expressive réside dans une belle ambiguïté : ces femmes mises en scène dans l'écrin d'un noir absolu qui tranche avec la transparence et la légèreté du tulle, sèment en nous un superbe doute. Leur pose peut autant suggérer la tension, la souffrance que l'extase, l'abandon.

 

                Le nuage de Pamina

 

Le contraste, entre la chair, révélée par une lumière crue, et le noir profond révèle une ambivalence troublante, où sensualité et tension se mèlent de façon singulière. On ne peut être que capté par cette association ambilavente de l'évocation de la féminité la plus absolue avec un ténébrisme aux profondeurs inquiétantes.

 

                Prélude N°9

 

La gestuelle vient rythmer chaque tableau en suggérant aussi bien le lâcher prise (Prélude N°9), qu'inversement la tension (Mon Soleil), ou bien une sorte de "musique intérieure" (Reine de la mer).

Le travail de Rachel Yedid est d'une puissance rare et ses tableaux opèrent sur l'observateur un pouvoir hypnotique indéniable.

Rachel Yedid est exposée à Paris la Galerie Albert Benamou.

Artiste à suivre absolument.

Lucas Cranach : la ligne sinueuse

Les médias semblent s'evertuer à ne parler que des nus de Lucas Cranach lorsqu'ils évoquent l'exposition qui lui est consacré au Musée du Luxembourg à Paris. Il est vrai que le maître allemand a excellé en la matière avec ce que l'on appelle la ligne sinueuse. Les courbes, la posture de ses Eve par exemple, ne sont pas sans rappeler les maniéristes italiens. Le corps se présente selon un certain nombre de canons (dont la position de trois quart du buste, une jambe avancée et les pieds à 90°; la position que prennent les danseuses classiques). Ces canons contribuent indéniablement à l'élévation esthétique, sorte de sublimation, mais aussi à la suggestion d'une volupté évidente.

Cela étant dit, il convient aussi de retenir de cette exposition, trois autres points, à mon avis essentiels : l'art extraordinaire du portrait du maître, son sens des compositions étonnantes et un soigné dans le traitement de l'huile et des pigments, digne des plus grands virtuoses flamands.

Pour le portrait, l'exposition vous accueille, dans un clair obscur très bien agencé, avec cet auto-portrait envoutant de Lucs Cranach (Coblence - SchlossStolzenfels). Regard incisif, avec mélange d'interrogation, comme si le peintre nous soupçonnait de quelque chose. Ces portraits, où les peintres font surgir les visages de la plus grande obscurité sont particulièrement incisifs et nous hypnosent littéralement. Sur le thème du portrait, il y a également les dessins représentant Martin Luther, notamment une gravure sur cuivre où l'homme incarnant la Réforme est représenté en moine augustin (Washington, National Gallery of Art). Le regard ici traduit admirablement l'autorité morale et spirituelle du personnage. On imagine l'individu par facile du tout, tout entier dévoué à sa mission. Il y a aussi, le splendide dessin représentant le portrait déterminé et soucieux du Comte Philipp von Solms-Lich (Bautzen, Stadtmuseum). L'influence de Dürer sur ces portraits est indéniable.

Les compositions étonnantes. Sur son auto-portrait d'abord, avec le visage partant en arrière. Le déséquilibre formel du visage contribue à accentuer le sentiment d'incertitude, le questionnement intrinsèque que suggère l'expression du visage. Sublime trouvaille. D'autres exemples, qui pourraient sembler mineurs, nous interpellent comme le petit tableau Hercule et Antée (Bremen, Galerie Neuse Kunsthandel) où les corps se déstructurent pour occuper l'espace de façon incroyablement dynamique et incongrue.

La maîtrise de la technique enfin, est prodigieuse sur les ciels et paysages des scènes religieuses. C'est particulièrement notable dans le dyptique : la Sainte Famille entourée des anges et L'Education de la Vierge Marie (Dessau, Anhaltische Gemäldegalerie) où le dégradé du ciel nous plonge dans la lumière la plus divine qui soit.

Pour "boucler la boucle" sur le thème du nu, l'exposition consacre une large section à cette partie. Le sujet est certainement incontournable chez ce peintre qui a su marquer ses femmes d'un type reconnaissable entre mille. J'ai surtout retenu la magnifique Lucrèce (collection particulière), notamment pour ses parures qui contribuent à exalter la blancheur opaline de sa poitrine et, surtout, la subtile évocation du suicide par des gouttes de sang coulant d'un minuscule entaille de la pointe acérée du couteau.

J'ai aussi été séduit par la beauté juvénile de l'Allégorie de la Justice (collection particulière) dont le hiératisme et les positions maniérés ne peuvent cacher une sensualité indéniable.

L'Exposition se déroule jusqu'au 23 mai 2011.

On notera le très intéressant catalogue électronique édité par la RMN sur cette exposition et produit pour l'iPad, selon le même modèle que celui qui avait été constitué pour l'exposition sur Claude Monet.

Perception faussée par l'usure du temps...

On connaissait déjà les blancs qu'utilisaient les peintres classiques et dont le plomb ternissait terriblement le rendu au fil du temps. Ces blancs qui deviennent gris...

Les pigments utilisés dans les peintures à l'huile sont notamment sensibles aux ultraviolets. On parle maintenant des jaunes de Van Gogh, qui auraient considérablement perdu de leur éclat sous l'effet de ces mêmes utraviolets.

 

Je vous renvoie à un article du Monde du 19 février dernier (extraits) : "Les rayons ultraviolets sont responsables du brunissement du jaune de chrome utilisé par le peintre des « Tournesols ». La palette de Van Gogh était à l'image de son âme tourmentée. Elle exprimait, disait-il, « les terribles passions humaines ». Las, l'éclat de certaines couleurs s'estompe avec le temps. Les jaunes fulgurants de la série des Tournesols s'assombrissent, virant au brun. Un phénomène qui affecte aussi les oeuvres d'autres peintres de la fin du XIXe siècle. Le fautif est connu : le soleil, dont les rayons ultraviolets (UV) dégradent les pigments. Mais l'alchimie de ce ternissement restait mystérieuse".

Lien vers l'article du Figaro du 22 février pour l'explication scientifique.

Lien vers l'article de Libération du 14 février.

Google Art Project : une contribution à la démocratisation de l'art ?

Je rebondis sur le commentaire pertinent de Nicolas pour évoquer le Projet Google Art. Pendant sa première semaine de lancement, Google Art Project a enregistré plus de 10 millions de connexions. Je vous renvoie à l'article intéressant de artclair.com sur ce sujet.

Un petit bémol, sur ces 10 millions de visiteurs, seulement 70 000 auraient activé la fonctionnalité permettant de se constituer sa galerie virtuelle privée à partir de la visite des 17 établissements (musées, galeries) inscrits dans ce projet.

Ce projet offre pourtant une fonctionnalité extraordinaire qui répond au fantasme de tout amateur d'art : se constituer une galerie privée imaginaire des plus beaux tableaux rencontrés lors de ses visites !

Je pars vite constituer ma galerie virtuelle...

Lien direct vers Google Art Project.

 

Quand un musée rend hommage au collectionnisme

La Pinacothèque de Paris propose l'exposition "Les Romanov, Tsars collectionneurs" du 26 janvier au 23 mai. Une sélection des collections issues du Musée de l'Ermitage et constituées par les Romanov est proposée aux visiteurs.

On est au coeur de l'un des traits les plus fascinants du mécénat et du collectionnisme. Des souverains ou conquérants, réputés pour leur férocité guerrière ou politique, peuvent également avoir les goûts les plus raffinés en matière d'art.

C'était le cas par exemple, lors de la Renaissance italienne, avec des condottieri les plus féroces qui étaient aussi les mécènes les plus avisés (ex : Sigismond Malatesta ou Frederic de Montefeltro, Duc d'Urbin). Les Romanov n'échappent pas à cet archétype.

Une centaine d'oeuvres très rarement exposées en dehors de l'Ermitage sont proposées pour notre plus grand plaisir.

Découvrez Les nouveaux espaces de la Pinacothèque célèbrent les collectionneurs sur Culturebox !

Application iPad sur l'exposition Claude Monet

L'App Store propose une application permettant de découvrir sur iPad la plupart des tableaux exposés au Grand Palais et au Musée d'Orsay dans le cadre de l'exposition Monet en cours (et qui prend fin le 24 janvier prochain).

Il s'agit en fait d'un mini-catalogue ("e-album"), présenté sous forme interactive, adaptée au format iPad. L'application coûte 4,99 euros (pour ne pas dire 5...).

   

 

Chaque toile peut être vue verticalement ou horizontalement (via la rotation de l'iPad) et, surtout, on, peut zommer sur les tableaux en gardant  un niveau de netteté impressionnant. Le rendu des couleurs, grâce au rétro-éclairage de l'iPad, est finalement plus proche de la réalité que le catalogue papier. L'observation des tableaux par le biais de la tablette a alors quelque chose de fascinant et on rentre encore plus dans l'intimité des oeuvres.

Le texte qui accompagne les tableaux peut être également zommé et isolé sous forme d'une fenêtre à part.

Des vidéos sont incrustées (interviews d'experts) et activables par une simple pression de doigt.

L'album peut être parcouru de façon totalement intuitive et la navigation est très agréable.

Le contenu est en revanche assez décevant car finalement assez anecdotique, s'atttachant plus à décrire les lieux successifs de viliégiature de Claude Monet au fil de l'évolution de son art qu'à nous apporter un éclarage sur l'évolution de sa technique, de ses options esthétiques.

La nostalgie de l'Antiquité

Il reste un mois pour les parisiens ou les personnes de passage sur la capitale pour visiter au Louvre (Hall Napoléon, sous la Pyramide) la belle exposition "L'Antiquité rêvée - Innovations et résistance au XVIIIème siècle". Les 150 oeuvres exposées permettent de mieux décrypter l'attrait du XVIIIème siècle pour le style antique grec ou romain et, surtout, comment s'est matérialisée cette appropriation des canons de l'art antique par les "néo-classiques", depuis le Style Rocaille français au style dit sublime, terrible et onirique anglais. "L'anticomanie" revêt alors des formes très diverses, du style rococo français, guidé par la couleur, au véritable néo-clacissisme, construit, quant à lui, sur la pureté de la ligne.

Les pièces les plus prenantes et admirables sont indéniablement les sculptures. L'exposition part des bustes à l'antique que commandaient les aristocrates anglais, adeptes du "Grand Tour" (périple que tout amateur d'art antique se devait de réaliser notamment en Italie, et principalement à Rome), aux chefs d'oeuvre d'Antonio Canova.

J'ai particulièrement été marqué par le superbe buste de Philippe von Stosch (grand collectionneur de pierres gravées antiques), réalisé par Edme Bouchardon, en prenant comme modèle un saisissant portrait de l'Empereur Trajan, exposé au musée du Capitole à Rome et présent pour cette exposition au Louvre, présenté comme pendant du buste de Bouchardon.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Les bustes de Diderot par Jean-Antoine Houdon, de Montesquieu par Jean-Baptiste Lemoyne, également traités "à l'antique", sont saisissants de vie.

Je n'ai pu me défaire, à la fin de l'exposition, de la magnifique Psyché debout d'Antonio Canova (cf. photo ci-dessus) dont la pureté et la finesse d'exécution est proprement éblouissante. Cette sculpture, d'une sensualité extraordinaire est à proprement parler hypnotique et l'équilibre de ses formes est parfait.

Il faut également noter l'atypique Vénus sortant du bain de Christophe-Gabriel Allegrain, tant par la torsion du corps, constituant une véritable prouesse quant au traitement de la pierre, que par le marbre lui-même, veiné et considéré comme impur par les observateurs de l'époque.

On retrouve dans cette exposition, des chefs d'oeuvre des théoriciens du "vrai style" comme Jacques-Louis David avec, notamment, le fameux monumental Serment des Horaces, emblématique des collections du Louvre, ou comme Jean-Baptiste Greuze avec "L'Empereur Septime Sévère reproche à son fils Caracalla d'avoir voulu l'assassiner".

L'exposition permet, dans le cas de David, de découvrir sa Psyché, d'une facture différente, dont le style et la posture sont particulièrement opposés au hiératisme des compositions habituelles du maître. Les touches de peinture rendent la peau d'une façon différente, rappelant étonnament le pastel et Psyché est d'une volupté indéniable. Les touches de couleurs irrisées sur la peau annonce de façon étonnante le travail des impressionnistes. Ce tableau a été retenu par le Louvre comme l'une des affiches de l'exposition.

L'exposition nous présente aussi les dessins singuliers, inquiétants et puissants de celui qui incarnera le mieux le style sublime et terrible, à savoir Johann Heinrich Füssli, dit Henry Fuseli (notamment ce plus que suggestif Cauchemar).

L'agencement des pièces et, surtout, l'éclairage des sculptures de cette exposition sont parfaitement réussis. Les pièces sont peu éclairées et les magnifiques marbres blancs ressortent parfaitement de ce superbe écrin.

Exposition à ne pas manquer si vous pouvez vous libérer d'ici vendredi. 

Je recommande également l'excellent numéro du Dossier de l'Art (disponible en principe en kiosque), consacré au thème de l'exposition avec, notamment, une interview très intéresssante de Marc Fumaroli, membre de l'Académie française, professeur au Collège de France et commissaire général de l'exposition.

Picasso retrouvés : fauvisme fascinant d'une étude de main

Dans cette histoire assez étonnante (que d'aucuns qualifieront de rocambolesque) des 271 oeuvres inédites de Picasso apportées à la famille héritière par un couple de retraités des Alpes Maritimes, il est intéressant de s'attarder tout de même sur l'importance artistique des dites oeuvres alors que les médias mettent surtout l'accent sur leur valeur marchande.

J'ai été particulièrement interpellé par une étude de main, tout à fait envoûtante. Parée de couleurs fauvistes, cette main sort littéralement de la toile avec une puissance expressive surprenante. Dans le cas précis, ce terme de fauvisme prend tout son sens littéral. On sait à quel point la dualité homme / animal, le caractère bestial des sujets peints par Picasso était un thème cher au maître. On est ici, je trouve, au centre de cette dualité. La force musculaire ici transcrite, exacerbée par le jeu complémentaire des couleurs dégage un sentiment de puissance qui évoque de façon évidente quelque patte épaisse d'un animal, un... fauve justement. Je me permets de faire ici un parallèle que vous jugerez peut-être déplacé avec les pattes de tigre brossées par les peintres traditionnels chinois.

La bestialité de cette main est évidente. Il s'en dégage à la fois une force indéniable et une certaine sérénité. Quand on sait à quel point, dans la peinture classique et académique, la grâce des mains devait constituer un code incontournable (code sublimé, par exemple, avec les peintres maniéristes de la fin du XVIème siècle), Picasso, comme dans toute son oeuvre, brise les conventions et s'attache plutôt à traduire la part animale qui peut résider en tout homme (ou femme, on ne sait pas bien sur cette étude ?) et, surtout, désire revenir à une expression brute, directe, dénuée de tous les apprêts du classicisme.

Cette main a un caractère proprement hypnotique...

 

Effets de vent

Paysage rythmé par des troncs d'arbres, oscillation de la végétation, reflets dans l'eau, luminosités éclatantes ou plus ternes, effets de feuillage, voici quelques une des toiles peintes par Claude Monet au cours des années 1890 sur les peupliers. Cette série, peinte entre celles des meules et de la cathédrale de Rouen, dont le motif existe déjà avant 1890 (Peupliers à Giverny, 1888), connut un succès immédiat à une époque friande de peintures d'extérieur (à la même époque, par exemple, la série de vergers de Van Gogh).

Pour la petite histoire, cette série va être une véritable course contre la montre, puisque les arbres que peint Claude Monet sont voués à disparaître et qu'il va même jusqu'à payer le marchand de bois, qui acheté la parcelle, pour reporter de quelques semaines la destruction de ceux-ci.

Touches promptes (Les peupliers au bord de l'Epte, 1891, à droite) ou à peine esquissées (Effets de vents, série de peupliers, 1891, à gauche), "la composition, coupée dans le vif, matérialise elle aussi le sens de l'instantanéité, comme si le peintre, ne pouvant embrasser tout le déploiement des arbres, pas plus que la succession des heures, se contentait d'un fragment, pour dire l'ensemble.

Parfois enlacée en sinuosités asymétriques, à la manière japonisante, la composition parvient à rendre visible le cheminement des berges autant que le passage du vent dans les feuilles, de telle sorte que c'est un parcours visuel et mental que le promeneur accomplit en compagnie de Monet." (1)(2)

Un parcours fragmentaire rythmé par le temps...

(1) Dossier de l'art n° 177 sur l'exposition Monet aux Galeries Nationales du Grand Palais

(2) Une illustration musicale des Peupliers en automne, au centre, cliquez ici

Couleurs

Sans doute la grisaille actuelle m'incite-t-elle aujourd'hui à vous parler de couleurs ! A l'occasion de l'exposition "Monet et l'abstraction", on pouvait voir cette toile "Paysage méditerranéen" de Nicolas de Staël que je ne connaissais pas.

La juxtaposition des différents bleus, accentuée par le travail de matiérage, est très réussi. Et comme toujours chez ce peintre ce qui me frappe c'est l'utilisation de la couleur, qui relève d'une sorte d'alchimie intime avec le paysage représenté.

Ici, des bleus plus sourds encadrent, dans une perspective qui s'organise par "couches de couleur-forme" (1), le bleu céruleum de la mer positionné presque au centre du tableau. La palette utilisée nous emmène loin du Ciel à Honfleur, nous sommes descendus plus vers le sud, et nous nous sommes arrêtés sur les rives méditerranéennes. Mais il me semble que nous ne sommes pas plus au sud, parce qu'il n'y a pas suffisamment de blanc, de sécheresse et d'aridité de la terre. 

Cette aridité, il va parvenir à la rendre en saturant l'espace de la toile de couleurs chaudes, voire totalement inhabituelles comme ici dans ce tableau "Sicile" (peint en 1954) avec un ciel vert, et du rose et du violet au sol, ou encore dans celui-ci "Agrigente" (peint en 1953) avec un ciel rouge qui reprend la rougeur de la terre.

Et puisqu'il faut marquer encore plus la sécheresse, c'est sur un fond noir que se découpe la masse blanche de la terre et de quelques habitations, ci-dessous "Agrigente", peint la même année, marquée par une autre émotion.

"La lumière, la matière, les formes colorées et la manière de concevoir la composition de l’œuvre changent radicalement selon qu’il s’agit de paysages normands ou du sud de l’Italie, par exemple. Cette révolution plastique, à chaque fois recommencée, n’est pas seulement liée aux variations du motif et des lieux en question, elle naît de la confrontation de sa peinture avec le visible, vécue toujours comme une véritable expérience de l’être" (1).

C'est cette connivence insoupçonnée avec les couleurs qui, à mon sens, résume au mieux l'œuvre de cet artiste...

 (1) Extrait du parcours pédagogique de l'exposition consacrée à Nicolas de Staël à Beaubourg en 2003

(2) Exposition Nicolas de Staël en ce moment à Martigny