Bleu de cobalt

Quartiers d'été !

Pour ces quartiers d'été, à l'image de l'affiche de la manifestation Estuaire 2009,     

                                    

je vous propose une balade artistique et ludique et vous réserve quelques surprises !

Printemps italiens (3)

Avant de prendre mes quartiers d'été, je vous propose de prolonger le printemps italien parisien (voir notes précédentes ici et là) et de faire un petit détour par le Musée du Luxembourg pour profiter des derniers jours de l'exposition "La Renaissance à Prato". 

Cette exposition met en lumière le bouillonnement artistique de la ville de Prato au Quattrocento en mettant en exergue les œuvres de Filippo Lippi et de son fils Filippino Lippi. Ce qui est d'emblée frappant chez Filippo Lippi c'est la douceur des visages, la tendresse et l'émotion qui émane de ses nombreuses représentations de la Vierge.

A droite, il s'agit de la "Vierge à la ceinture", détrempe grasse sur panneau (199 x 191 cm) réalisée vers 1456-1460, qui est, semble-t-il, le panneau principal d'un retable réalisé pour le couvent Santa Margherita de Prato.

La composition de ce panneau est particulièrement harmonieuse, les couleurs sont éclatantes (or, rouge, orange) et l'ensemble des éléments du décor sont dessinés avec infiniment de détails. "Les arbres de l'arrière-plan, les fleurs dans le tombeau, les herbes qui font du sol une surface presque décorative, communiquent de manière subtile avec les motifs floraux des vêtements" (1). Avec comme thème principal l'Assomption, ce tableau montre Marie qui "est ici assise sur des nuages, dans une mandorle soutenue par deux anges, et des rayons dorés émanent de son corps. Elle porte un manteau blanc, ce qui est rare dans l'iconographie et contribue à faire d'elle un être lumineux, céleste." (1)

On retrouve cette même harmonie dans l'"Annonciation avec saint Julien" peinte vers 1460 et j'avoue avoir été moins sensible aux œuvres présentées ici de Filippino Lippi, comme la "Vierge et l'Enfant avec saint Etienne et saint Jean-Baptiste" dit "Retable de la salle des audiences" d'un aspect certes plus réaliste, mais indéniablement plus sombre et mélancolique.

(1) Cyril Gerbron, L'Objet d'Art, hors série n° 41

Résonance stellaire

A l'occasion de la nuit des étoiles qui débute ce soir, permettez-moi un rapprochement que vous trouverez peut être un peu insolite, mais en voyant ce tableau "Quelques cercles" à l'exposition Kandinsky à Beaubourg (voir autres notes sur cette exposition ici et là), je n'ai pas pu m'empêcher de songer à la nuit interstellaire, aux planètes et au système solaire. 

Peint en 1926 par Kandinsky dans sa période "Bauhaus", cette huile sur toile, d'assez grande dimension, presque carrée (140,3 x 140,7 cm) nous emporte dans une autre dimension. En utilisant une seule forme géométrique, le cercle, et des couleurs pastels sur un fond uniformément noir, il imprime une dynamique toute particulière qui se rapproche du mouvement des planètes autour d'un noyau central : ces cercles "variés se superposent en transparence et semblent flotter librement, mis en mouvement par une énergie mystérieuse" (1).

Le cercle est "(1) la forme la plus modeste mais qui s'impose sans scrupule ; (2) précis mais inépuisablement variable ; (3) stable et instable en même temps ; (4) silencieux et sonore en même temps ; (5) une tension qui porte en elle d'innombrables tensions." (2)

Et, en regardant cette photographie du système solaire, j'ai trouvé troublante la coïncidence de ce halo bleu clair qui se détache du fond sombre ...

Je vous laisse contempler ...

(1) Stéphane Mroczkowski, dossier de l'art n° 162

(2) propos de Kandinsky, catalogue de l'exposition, p. 45 

Abstractions naturelles (3)

De retour d'Islande, quoi de plus naturel que de reprendre notre série sur les abstractions naturelles !

Pour continuer sur les vues aériennes des terres martiennes et terriennes (celle de gauche serait une vue aérienne des déserts à l'Ouest de l'Australie), ces dernières nous plongent dans la plus grande de confusion où se perdent indéfiniment notion d'échelle et de plasticité des matières. Est-on dans le monde minéral le plus dense, agencement de cristaux assujettis à une pression

dantesque ou bien tout simplement dans l'univers des strates sédimentaires ?

On ne peut également s'empêcher de penser à la "croûte" d'une huile déposée sur la palette et durcie avec le temps.

Je laisse votre imagination vous prendre à l'abordage.

Source : site Internet de la NASA.

Kandinsky : Un nouveau langage (2)

Progressivement les compositions peintes par Vassily Kandinsky vont s'épurer tout en restant très fouillées et complexes dans un langage qui n'appartient qu'à ce peintre, bien loin des œuvres de l'avant-garde russe qui apparaissent très simples en comparaison (voir notes sur l'exposition "Vers de nouveaux rivages" ici et là).

Dans cette "Composition VIII", peinte en 1923, on retrouve, comme dans une autre œuvre intitulée "Jaune - Rouge - Bleu" "la thématique des couleurs fondamentales qui constituait un élément majeur des cours de Kandinsky au Bauhaus : l'analyse des trois couleurs fondamentales, jaune, rouge et bleu, ainsi que leur correspondance avec les grandes formes fondamentales géométriques que sont le triangle, le carré et le cercle." (1)

Après cette période des abstractions géométriques influencées par le Bauhaus, les dernières œuvres de Kandinsky vont être marquées par "une fraîcheur toute nouvelle, empreinte de délicatesse et d'une merveilleuse gaieté" (2) avec des couleurs soit plus opposées (noir et blanc), soit plus claires (couleurs pastels). C'est le cas ici avec "Mouvement I", peint en 1935, (technique mixte sur toile, 116 x 89 cm, Moscou, galerie nationale Tretyakov) : des serpentins blancs flottent dans un espace cosmique noir habité par une multitude d'éléments géométriques colorés, l'ensemble de ce tableau générant une vibration très positive.

Cette exposition se tient jusqu'au 10 août au Centre Pompidou à Paris, puis elle sera présentée au Salomon R. Guggenheim Museum à New-York du 18 septembre 2009 au 31 janvier 2010.

(1) Annegret Hoberg, catalogue de l'exposition, p. 43

(2) Emmanuelle Amiot-Saulnier, dossier de l'art n° 162

Kandinsky : Un nouveau langage (1)

Ce qui frappe d'abord chez Vassily Kandinsky c'est la couleur, des couleurs éclatantes qui vont envahir l'espace du tableau, puis qui vont peu à peu se superposer,  s'espacer, se dissoudre, puis revenir mais mélangées pour former une œuvre abstraite. Ce qui frappe également ce sont les traits noirs pleins et déliés, étirés, courbés puis rectilignes qui vont imprimer une forme, rythmer la toile puis s'estomper dans ses dernières œuvres. Enfin, ce qui est très impressionnant et ce dont on profite pleinement à Beaubourg, c'est la taille des toiles qu'il peint ; dans l'ensemble, elles sont d'un très grand format.

Dans ce tableau "La montagne bleue", peint en 1908-1909, la composition est encore palpable même si elle est particulièrement audacieuse : un groupe de cavaliers caracole devant une montagne superbement bleue encadrée par deux arbres, l'un jaune et l'autre rouge, dessinés en contre-plongée.

Dans les années qui vont suivre Kandinsky va peindre à Munich un certain nombre de toiles qu'il appellera des "Improvisations", ici l'Improvisation 26 (En ramant), peinte en 1912, ou des "Compositions", ci-dessous, Composition VII où progressivement il s'affranchit d'éléments réels pour parvenir à cette "capacité rendant possible la restitution des expériences infinies du vécu spirituel dans les choses matérielles et abstraites."

Ces compositions nous embarquent dans un univers particulier, très foisonnant, touffu, avec trois couleurs primaires (bleu, rouge, jaune) et des formes arrondies voir floues, aux antipodes du cubisme auquel cède Picasso à la même époque.

A suivre ...

Intermède équidéen !

Petite pause avec la toile de Théodore Géricault  "La tête de cheval blanc", peinte en 1814, le temps d'une semaine marquée sous le signe de la campagne et de l'équitation !

A très très bientôt !

Un déjeuner peut en cacher un autre !

Autant vous le dire tout de suite, lors de l'exposition "Picasso et les Maîtres" au Grand Palais, je n'ai pas été voir le pendant qui était organisé au Musée d'Orsay autour du déjeuner sur l'herbe, finalement peu sensible aux multiples digressions qu'a pu en faire Picasso alors qu'avec cette toile peinte en 1903, "La Famille Soler", visible au Grand Palais (d'habitude au Musée d'art moderne de Liège), il avait déjà retenu ce thème en le traitant d'une manière tout à fait singulière.

Toile peinte pendant sa période bleue, de dimension plus modeste (150 x 200 cm) que le déjeuner sur l'herbe de Manet (voir la note précédente), elle en reprend la composition avec la nappe blanche au premier plan et les personnages se détachant d'un fond neutre, plutôt à dominance de bleu vert. Il est à préciser que celle-ci est la partie centrale d'un triptyque, puisqu'elle se trouve flanquée "des portraits symétriques des deux époux Soler (ici et là) pour composer le retable de quelque autel domestique" (1).

Ici, ce qui frappe c'est la profonde tristesse et l'ennui mortel qui semble toucher l'ensemble des personnages avec au centre du tableau, non plus une femme prenant son bain dans les sous-bois comme chez Manet, mais une petite fille campée sur ses jambes, toute de noire vêtue, et vous fixant avec insistance, droit dans les yeux, alors que tous les autres personnages sont assis et regardent ailleurs.

Ce pique-nique improvisé (?) de retour de chasse avec la gibecière, le fusil et le lièvre mort au tout premier plan prend l'allure d'une étrange réunion de famille où chaque personnage semble étranger à la scène comme marqué, lui aussi, par le sceau de la vanité ...

(1) Extrait du catalogue de l'exposition "Picasso et les Maîtres", Editions de la Réunion des musées nationaux, p. 155