Bleu de cobalt

Un déjeuner sur l'herbe ?

Quelques années après le fameux tableau "Déjeuner sur l'herbe" d'Edouard Manet exposé en 1863 au salon des refusés et qui fit scandale, Monet entreprend lui aussi une œuvre monumentale sur le même sujet mais il ne parviendra pas à la finir (voir ici l'esquisse).

Là où Monet suggère, une femme réajuste ses épingles à chignon, tandis que son compagnon lui tient son ombrelle et ses affaires, Manet provoque, en mettant  

au premier plan, au niveau du regard, une femme nue en la compagnie de deux hommes habillés ; pour autant la scène est très sage, et si elle fait scandale à l'époque c'est parce que la présence féminine nue n'est justifiée par aucune allégorie biblique ou mythologique et qu'elle se suffit à elle-même. Chez Monet, on reste dans l'impressionnisme avec un travail très important sur le rendu de l'ombre et de la lumière, chez Manet, il y a une précision quasi photographique dans le rendu des personnages par rapport au flou relatif du sous-bois.

Dans ce déjeuner sur l'herbe, largement inspiré du "Concert champêtre" attribué désormais à Titien, Emile Zola y voyait une page admirable : "Ce qu'il faut voir dans le tableau, ce n’est pas un déjeuner sur l'herbe, c'est le paysage entier, avec ses vigueurs et ses finesses, avec ses premiers plans si larges, si solides, et ses fonds d'une délicatesse si légère ; c'est cette chair ferme modelée à grands pans de lumière, ces étoffes souples et fortes, et surtout cette délicieuse silhouette de femme en chemise qui fait dans le fond, une adorable tache blanche au milieu des feuilles vertes, c’est enfin cet ensemble vaste, plein d'air, ce coin de la nature rendu avec une simplicité si juste, toute cette page admirable dans laquelle un artiste a mis tous les éléments particuliers et rares qui étaient en lui." 

Indéniablement, on sent une modernité chez Manet que l'on ne retrouve pas chez Monet.

Une envie de vert ?

Envie d'une petite balade dans un champ de coquelicots (ici et là), ou au bord du ciel (ici et là), ou tout simplement d'une petite bouffée d'air pur ? Je vous propose une petite immersion dans le vert !

En visitant au début de ce mois l'exposition Van Gogh "Entre terre et ciel" au Kunstmuseum de Bâle, mon œil a été accroché par quelques toiles et cette huile sur toile, "L'herbage aux papillons", en fait partie (ci-contre, National Gallery, Londres, (1)). Peinte en mai 1890, elle m'a fait penser à cette toile peinte quelques années plus tard, vers 1905, par Gustav Klimt "Rosiers sous les arbres" que l'on peut admirer au Musée d'Orsay (ci-dessous, (2)).

Dans ces deux toiles l'espace est saturé de vert, presque sans horizon, à tel point que sans la référence excentrée au petit chemin pour van Gogh et au petit coin de ciel bleu sur lequel se détache un arbre pour Klimt, nous serions en présence de deux toiles abstraites.

Autre point impressionnant dans ces deux toiles, c'est la large palette de verts utilisée, du vert très clair, un vert d'eau à un vert plus soutenu, voire vert émeraude, rehaussée par des pointes d'ocres, de jaune, de violet et de blanc (blanc des papillons, blanc des rosiers).

Pour autant l'impression dégagée est sensiblement différente. Chez van Gogh, avec les traits très fins qui épousent la forme des touffes d'herbe, on ressent le vent qui agite cet herbage, on sent la vie, le frémissement de la nature (3).

Chez Klimt, la juxtaposition des touches de couleur, façon mosaïque, donne un traitement particulier à la nature et, s'il n'y avait pas les quelques troncs d'arbres suggérés au premier plan, on serait perdu dans une luxuriance végétale et décorative ; pourtant, je me prends à rêver de trois silhouettes de femmes en lieu et place des rosiers tombants ...

(1) Si vous voulez découvrir d'autres toiles de van Gogh, je vous suggère une balade sur le blog de Grillon

(2) Notice du tableau "Rosiers sous les arbres" de Klimt sur le site du Musée d'Orsay

(3) Petite découverte aborigène que je trouve étonnement proche de la toile de van Gogh ...

Promenade un dimanche d'été ...

Ce dimanche d'été, je vous emmène avec George Seurat un peu plus haut sur la Seine, à l'Ile de la Grande Jatte, l'un des lieux de promenade favoris des bourgeois parisiens à la fin du 19ème siècle. Il s'agit du tableau "Un dimanche après-midi à l'Ile de la GrandeJatte", peint en 1885 et visible au Art Institute of Chicago (of course Joye !).

La composition pointilliste de cette  toile est très méthodique : lumière, ombre, ton local, interaction des couleurs, si bien que les personnages et les animaux semblent figés, très hiératiques, ils en sont presque artificiels. Même la végétation, les arbres à l'arrière plan, l'eau avec la Seine, les voiliers et les rameurs semblent n'avoir aucune vie et faire partie d'un décor.

Comme avec Bonnard (cf. le billet précédent), nous sommes également dans un instant que le peintre souhaite immortaliser, mais bien loin à mon sens, de la lecture chaleureuse qu'en a Bonnard ; c'est comme s'il avait voulu fixer une représentation exhaustive de la société de son temps.

Alors saurez-vous voir les quelques éléments insolites ou pittoresques de cette scène ? Voici un lien qui devrait vous permettre d'en découvrir un peu plus sur ce tableau !

Voyage vers le bleu : Scintillement bleu !

Des étangs aux nymphéas de Giverny à Vernon, il n'y a que quelques encablures à franchir et c'est chose faite avec ce magnifique tableau "La Terrasse à Vernon" (Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf) peint par Pierre Bonnard vers 1928. En 1912, le peintre acquiert une maison à Vernonnet, "La Roulotte", et la terrasse et le balcon de cette maison vont devenir l'un des motifs récurrents des œuvres qu'il peint jusqu'à la fin des années 1930.

Couleurs éclatantes (bleu clair, bleu foncé, vert tilleul, vert émeraude, brun, ocres, orangés), profusion végétale, reflet du soleil sur les feuilles, scintillement de l'eau, ce n'est qu'au dernier moment que l'on remarque la présence de deux femmes au premier plan qui sont étroitement mêlées à la composition d'ensemble : pour l'une, le blanc du chapeau et les motifs de la robe reprennent à la fois la luminosité apportée par le soleil et le chatoiement de l'eau, pour l'autre la couleur de son chandail souligne plus encore celle du pan de mur jaune de la maison, cette teinte ajoutant comme une touche de chaleur méridionale à l'ensemble.

Toile de dimension imposante (242,5 x 309 cm), l'œil est accroché par la perspective façon zoom photographique et la Seine, à peine suggérée dans d'autres toiles comme le "Jardin sauvage" ou "Décor à Vernon", "forme ici un bandeau lumineux très présent, prolongeant sur la droite le garde-corps avec ses motifs de losanges. A gauche, le pan de mur orange, le décrochement du balcon et, à droite, la rampe de l'escalier constituent les seules lignes de fuite de la composition, contractant la perspective" (1).

Ce paysage est lumineux, bleu, enchanteur, intemporellement figé ...

(1) Extrait du catalogue "Bonnard - l'œuvre d'art, un arrêt du temps", février 2006

Résonances aquatiques ...

Si l'aventure vous tente, je vous suggère d'aller jusqu'à la Fondation Beyeler, située dans la banlieue de Bâle. Vous y découvrirez la remarquable collection d'œuvres modernes et d'arts premiers rassemblées par Hildy et Ernst Beyeler ainsi que des expositions temporaires, en ce moment Giacometti, dans un lieu particulièrement bien aménagé.

C'est ainsi que j'ai pu faire, la semaine passée, une rencontre improbable entre le triptyque "Le Bassin aux nymphéas" (1917-1920) de Monet et les "Femmes de Venise I - IX" (1956) de Giacometti qui sont exposés, dans le foyer du musée, devant un grand sofa blanc qui invite à la paresse ...

 

Certes, ces deux œuvres sont imposantes, d'un côté un triptyque constitué de toiles de 200 X 300 cm pour chaque partie, de l'autre côté neuf sculptures qui occupent l'espace (ici et là, photographies prises lors d'autres expositions), mais a priori toute ressemblance s'arrête là.

Pourtant la présence de cet ensemble de neuf figures de femme, juste à côté de ces nymphéas, m'est apparue comme aller de soi, comme une évidence que je n'avais soupçonnée jusque là ... Ces femmes, aux silhouettes allongées et tourmentées, comme formées par la tourbe que l'on trouve près des nappes d'eau ou des marais, me sont apparues étonnamment aquatiques, "marquées par une pâte presque picturale"(1), prêtes à se dissoudre dans ces trois toiles où toute ligne d'horizon a disparu au profit de la seule contemplation de l'eau, des nymphéas et des reflets du ciel, des nuages ou de la végétation dans l'eau. Ci-contre, l'une d'entre elle,"Femme IX".

"Cet ensemble ... est le fruit de la quête intensive à laquelle s'est livré Alberto Giacometti pour parvenir à la sculpture parfaite d'une femme, qu'il voulait présenter à la Biennale de Venise de 1956" (2). D'aucuns y verront avec la référence à Venise un clin d'œil pour ces naïades des temps modernes !...

Encore un grand merci à Elisabeth pour cette escapade enrichissante !

(1) (2) Extraits du "Petit Journal" de l'exposition Giacometti du 31 mai au 11 octobre 2009 à la Fondation Beyeler

"Les funérailles de Mona Lisa"

Autant les portraits d'Andy Warhol sont colorés, représentatifs d'une image glamour, idéale, autant ceux de Yan Pei-Ming sont ancrés dans le réel, et la plupart du temps sombres. Il s'y lit l'angoisse, la crispation de l'humanité et sa Mona Lisa qui vient d'être exposée au Louvre (au même endroit où l'on a pu admirer les femmes d'Alger de Delacroix/Picasso) n'y échappe pas ! 

Ce n'est pas la première fois que le tableau le plus connu au monde "La Joconde", peint par Léonard de Vinci, fait l'objet d'une appropriation par un artiste. Appropriation provocatrice par Marcel Duchamp en 1919 avec L.H.O.O.Q. qui l'affuble d'une moustache et d'une barbichette, ou par Salvador Dali en 1954 qui en profite pour faire son "Autoportrait en Mona Lisa", revisitation relativement conventionnelle par Fernand Léger en 1930 avec "La Joconde aux clés", ou par Fernando Botero avec la "Mona Lisa", ou carrément relecture de l'œuvre par Robert Filliou en 1968 avec "La Joconde est dans l'escalier", toutes ces relectures sont, somme toute, une fois que l'on a dépassé le stade de la dérision et de la provocation assez rafraichissantes !

Plus récemment avec des artistes comme Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat ou Rauschenberg, l'image renvoyée de cette icône, au delà de la provocation, est bien plus inquiétante, sombre, pessimiste, comme un reflet de notre société actuelle (?) et Yan Pei-Ming se situe, dans le même registre, avec son polyptyque monochrome constitué par cinq tableaux.

La Joconde, placée au centre de ce "retable", est encadrée de part et d'autre par un paysage imaginaire assez indistinct où l'on peut voir répétés des crânes humains (réalisés à partir d'un scanner du crâne de l'artiste) gisant sur le sol.

Pour la première fois, le paysage à l'arrière plan présente une certaine unité qui aurait fait plaisir à l'historien d'art Daniel Arasse ! (1) Deux autres portraits complètent ce triptyque, à gauche le père de l'artiste mort, les yeux ouverts, et à droite un autoportrait de l'artiste qui préfigure en quelque sorte sa mort. On est happé à la fois par la grisaille de cette œuvre et à la fois par l'impression de blancheur ... "En Chine, le blanc est la couleur du deuil, mais pour que ce blanc existe, je l'ai interprété en gris" (2). Et la mort est présente partout à l'exception de la Joconde qui apparaît belle et bien vivante malgré des larmes de peinture sur son visage et ses mains croisées ... C'est là le paradoxe de ces funérailles fantomatiques de l'icône de la peinture occidentale par Yan Pei-Ming, artiste qui de son vivant est exposé au Louvre, et qui lui se représente déjà "mort, mourant ou endormi" (2).

(1) Daniel Arasse, "Histoires de peintures", chapitre 2

(2) Propos de Yan Pei-Ming recueillis par Guillaume Durand

(3) Pour ceux qui souhaitent aller plus loin, interview de l'artiste sur FR3 en février 2009

Icônes contemporaines (2)

"Tous mes portraits doivent avoir le même format, pour qu'ils tiennent tous ensemble et finissent par former un seul tableau intitulé "Portrait de la société". Bonne idée, non ?
Peut être qu'un jour le Metropolitan Museum voudra l'acquérir." Andy Warhol

Saurez-vous les reconnaître ?

Icônes contemporaines (1)

Icônes publicitaires ou people déifiés ?

J'avoue que l'exposition "Le grand monde d'Andy Warhol" qui a lieu en ce moment au Grand Palais a aiguisé ma curiosité, mais qu'elle me laisse un peu perplexe ...

Ma première rencontre avec les œuvres d'Andy Warhol, figure centrale du pop-art, s'est faite avec les fameuses bouteilles de Coca-Cola et les boîtes de soupe Campbell, ces objets symboles de la société de consommation américaine, de l'"american way of life". Sortis de leur contexte utilitaire, ils sont transformés par Warhol en œuvres d'art, comme sacralisés, avec une répétition qui reflète la production de masse, celle du produit ordinaire fabriqué en série, mais si l'on y regarde de plus près cette répétition n'est qu'apparente puisque certes l'image paraît la même mais qu'elle n'est pas tout à fait la même : par exemple, les 32 boîtes de soupe Campbell montrées ici sont toutes différentes !

Ma première rencontre s'est faite aussi avec l'un des nombreux portraits de Marilyn Monroe (ci-contre, "Twenty Marilyns (Marilyns in color)", 1962, tableau que l'on peut voir au début de l'exposition) ! Je vous livre une partie du commentaire qui accompagne dans le petit journal de l'exposition le tableau "Twenty Marilyns". "Répétée inlassablement, sacralisée par la reproduction processionnelle de son effigie, Marilyn est à la fois comme vidée de sa substance et sublimée en tant qu'icône contemporaine. Wahrol y souligne le double glissement à l'œuvre dans son art du portrait : le basculement du profane au sacré et de la vie à la mort".

Largement influencé par son travail de publicitaire, on sent au fil des années et de l'exposition une maestria de plus en plus importante des portraits : approche esthétique avec le gommage des imperfections, maîtrise du trait, de la quantité de peinture utilisée, des couleurs retenues (notamment son bleu turquoise) qui deviennent de plus en plus flashy ou qui scintillent avec de l'utilisation de la poudre de marbre. Comme il le dit lui-même : "J'essaie toujours de rendre le visage aussi beau que possible".

Par leur caractères, ces œuvres sérigraphiées étaient à l'époque inhabituelles comme le souligne Irving Blum, le premier galiériste à avoir exposé les œuvres d'Andy Warhol, pour ces années qui étaient marquées par l'expressionnisme abstrait. A l'heure actuelle, à l'ère des médias et de la toute puissance des images, ces œuvres apparaissent finalement comme relativement ordinaires, et avec une pointe de provocation, comme des photomatons améliorés.

Expo : "Le grand monde d'Andy Warhol" au Grand palais
envoyé par cap24-wizdeo. - Futurs lauréats du Sundance.

A suivre ...

Or, bleu profond et rose carmin ...

Or, bleu profond, rose carmin, ces trois couleurs m'accompagnent depuis ma dernière visite au Musée Jacquemart-André ... et les voilà, là, devant moi, bien présentes, avec cette sépulture faite d'un panneau en bois doré sur lequel reposent quelques pétales d'or, un bouquet de roses et une éponge bleue.

Il s'agit d'une œuvre singulière d'Yves Klein, "Ci-gît l'Espace", réalisée en 1960, et qui semble déjà présager de sa disparition précoce à l'âge de 34 ans.

Et je ne peux m'empêcher de voir qu'au delà de la vie terrestre, de la chair et du sang symbolisés par les roses, la couronne en éponge, représentative de la souffrance et du martyr et matérialisée dans la couleur bleu Klein, en élevant l'esprit vers le spirituel, va permettre de parvenir aux portes de l'éternité, à l'immatériel.

"A travers les religions et les âges, l'or a toujours matérialisé le divin. Dans la religion chrétienne des premiers temps, le fond d'or signifiait Dieu, irreprésentable et son espace divin, impénétrable. Cette matière est celle des dieux égyptiens, hindous, bouddhistes, celtes" (1).

Ces trois couleurs vont à nouveau se rejoindre dans un "Ex-voto dédié à la Sainte-Rita de Cascia", qu'il crée en 1961 pour le sanctuaire de Sainte-Rita de Cascia : du pigment pur de magenta, de bleu et des feuilles et lingots d'or, dans un simple coffrage en plexiglas.

"Articulé au bleu et au rose, l'or est aussi au cœur du feu. L'or, Dieu le père, le bleu pour le divin fait homme, et le rose garance carminé pour le Saint-Esprit, voilà comment Pierre Restany expliquait l'articulation systématique des trois couleurs à la fin de la vie de Klein" (2).

(1) (2) Extrait de l'Esprit de Klein, exposition Yves Klein "Corps, couleur, immatériel", Editions du Centre Pompidou, Paris 2006