Bleu de cobalt

Escapade bleu azur !

Petite pause avec Claude Monet avec "Le Jardin à Sainte-Adresse" pour ce week-end encore prolongé, encore, et oui !!!

A très très bientôt !

Un lacrimosa éternel ...

Sur un fond d'or éternel, la Pietà de Villeneuve-lès-Avignon que l'on peut admirer au Louvre s'inscrit dans le prolongement de ce printemps italien.

Attribuée à Enguerrand Quarton, ce chef d'œuvre de l'école provençale, réalisé vers 1455 reprend le thème connu de la Pietà où la Vierge reçoit, à la descente de la croix, le corps de son fils, le corps du Christ mort.

Avec silhouettés à l'horizon, d'un côté la ville de Jérusalem et de l'autre le Mont Ventou, la composition de ce tableau adopte une forme de tympan dont les arcs sont formés par les corps inclinés de Marie-Madeleine et de Saint-Jean, qui accompagnent le corps du Christ raidi et disloqué, alors que la Vierge en position centrale, toute à sa douleur, reste digne, en prière, les mains jointes.

Composition très proche de celle de Van der Weyden, avec le corps du Christ mort situé en dessous de l'horizon, avec le côté sculptural des drapés et du corps du Christ, elle en diffère cependant à la fois par son expressivité et par son intériorité. Ici, il est certain que le Christ est mort, et non pas simplement endormi, et cela marque son corps bleui et cassé jusqu'à l'extrême, jusqu'à la raideur de son bras ballant, jusqu'à sa main droite recroquevillée. Ici, il est certain que la Vierge apparaît forte et confiante dans la résurrection, alors que chez Van der Weyden, submergée par la douleur, elle étreint dans un dernier contact charnel le corps de son fils.

Je vous laisse contempler ce lacrimosa éternel ...


Pour ceux qui voudraient prolonger la contemplation, je vous suggère "Un chemin de méditation" sur un ancien blog d'Alain et "Josquin, larmes sereines" sur le blog Vermischter Stil

Printemps italiens (2)

Extrême douleur et humanisation de la figure de Dieu, cette exposition des "Primitifs italiens" nous permet également de découvrir le Christ en croix ou portant les stigmates de la passion d'une façon particulièrement bouleversante.

D'origine byzantine, le thème iconographique du vir dolorum, le Christ de douleur, est magnifiquement représenté par Pietro Lorenzetti, peintre siennois, dans cette œuvre à tempera "Christ de pitié", vers 1340-1345. Sur un fond noir, la tête auréolée d'or, le Christ, dont le visage est très expressif, les yeux mi-clos, avec la bouche légèrement entrouverte arrêtée dans son dernier souffle, porte sur son corps les traces des stigmates. Et, personnellement, je trouve déjà ce panneau sur bois saisissant de modernité.

A la même époque, à Florence, Bernardo Daddi peint cette "Crucifixion" vers 1345-1348. Très proche d'une autre crucifixion qui se trouve à Washington (National Art Gallery), celle-ci présente toutefois quelques originalités. Quatre anges entourent le Christ et l'un d'entre eux est accoudé sur la croix, par l'intermédiaire de trois bandes (on croit voir des rubans...) le peintre a donné "voix" à des protagonistes de la scène, le soldat Longin (cf. l'Evangile de St-Jean) qui perça de sa lance le flanc de Jésus sur la croix est doté d'une auréole polygonale (qui marque le moindre degré de sainteté et ce qui est un motif plutôt siennois). Les couleurs (le manteau  rouge de Marie-Madeleine, la tunique verte du soldat, équilibrés par le bleu clair de deux des anges et de deux des présents à la crucifixion) frappent encore par leur luminosité et leur douceur.

Plus monochrome, est le panneau sur bois peint à tempera "Le Christ en croix entre Saints-François, Benoît et Romuald" par Lorenzo Monaco, dans la tradition florentine, vers 1405-1407. Le Christ est peint en croix sur le Golgotha avec à ses pieds Saint-François qui porte les stigmates du Christ et qui enlace la croix. Ici, ce qui impressionne est le rendu presque sculptural des manteaux blancs de Camaldules de Saint-Benoît et de Saint-Romuald, l'attitude poignante et de recueillement des trois Saints agenouillés, la délicatesse du rendu des barbes et des chevelures, la finesse des "graffitis sur l'or", et "la bordure de rinceaux si décorative" (1).

Pour ceux qui souhaiteraient découvrir d'autres horizons, et là il s'agit de l'art germanique de la fin du Moyen-Age, je vous propose d'aller voir l'un des derniers billets de Jean-Christophe sur son blog Passée des arts "Le maître du retable de Rottweil".

J'espère vous avoir fait partager un petit instant d'éternité...

A suivre

(1) Extrait du catalogue de l'exposition "Les primitifs italiens La collection du Musée d'Altenbourg", p. 146

Printemps italiens (1)

Un Christ escaladant une échelle pour monter sur sa croix, voilà une image tout à fait insolite que j'ai pu découvrir à la superbe exposition sur les Primitifs italiens, La collection du musée d'Altenbourg, qui a lieu jusqu'au 21 juin 2009 au Musée Jacquemart-André à Paris.

Cette collection rassemble des œuvres qui ont été produites de 1280 à 1470, dans les villes de Sienne et de Florence, qui sont le berceau de la peinture italienne. Celle-ci frappe à la fois par la présence de ces œuvres sur fond d'or caractéristique de l'influence byzantine et à la fois par les prémisses qui annoncent déjà la peinture de la Renaissance avec "l'humanisation de la figuration de Dieu et des personnages représentés, l'apparition des paysages terrestres et la relation avec la réalité du monde perçu, la réalisation picturale d'architectures complexes pour localiser les scènes évoquées" (1) (5).

Symptomatique de cette évolution, je voudrais vous présenter trois représentations de la Vierge à l'Enfant par des peintres siennois qui ont particulièrement retenu mon attention.

A gauche, cette Vierge à l'Enfant est de Lippo Memmi (vers 1320-1322, (2)). Très proche de la Maesta peinte plus tôt en 1315 par Simone Martini au Palazzo Pubblico de Sienne, cette peinture frappe par la majesté de la Vierge (la Vierge se tient assise, de face, sur un trône dont le dossier est revêtu d'un brocard d'or aux entrelacs végétaux) et par la douceur qui en émane (les tons roses pales des visages, des mains et des vêtements sont particulièrement mis en valeur avec le manteau bleu lapis-lazuli de celle-ci) (3).

A droite, il s'agit d'une œuvre de Pietro Lorenzetti, datant de 1340-1345 (détail, (4)). La Vierge tient dans ses bras l'Enfant emmailloté, dans un geste affectueux. Elle est revêtu d'un manteau d'un bleu particulièrement lumineux.

Enfin, dans cette dernière œuvre (ci-contre, à gauche, (4)) de Liberale Da Verona, réalisée vers 1470, la Vierge et l'Enfant sont représentés de façon particulièrement tendre et réaliste, comme le serait une mère qui tient son enfant dans ses bras.

Extrême douceur, éclat et vivacité des couleurs, finesse dans le détail des ornementations, il me semble que le temps s'est arrêté ...

A suivre ...

(1) Conférence "Les primitifs italiens, du ciel d'or divin au ciel bleu de la terre", Gilbert Croué, Arts et vie plus, été 2002

(2) Tempera sur panneau de bois, vers 1320-1322, Musée Lindenau, Altenbourg, © Bernd Sinterhauf, Lindenau Museum, Altenburg, 2008

(3) Voir aussi la "Sainte Marie-Madeleine", du même peintre, 1325 ? Avignon, musée du Petit Palais

(4) Musée Lindenau, Altenbourg, © Bernd Sinterhauf, Lindenau Museum, Altenburg, 2008

(5) Note sur l'exposition par Alix dans le Blog "L'œil à l'œuvre" que je vous recommande

Les arbres ne montent pas jusqu'au ciel !

Et bien si les arbres ne montent pas jusqu'au ciel, peut être que des échelles en corde solidement amarrées à un arbre vont pouvoir nous y mener ! A moins que ce ne soient les étages en volute de la Tour de Babel !

Cette installation in situ dans le jardin de Chaumont-sur-Loire "L'arbre aux échelles" de François Méchain (voir également la note précédente), qui sera visible jusqu'au 31 décembre 2009, m'a fait insensiblement penser à cette peinture très connue de Pieter Brueghel "La Tour de Babel" (1563, huile sur toile, Kunsthistorisches Museum, Vienne).

Quelque part, il y a le même souhait de s'affranchir de la terre et de monter plus haut, jusqu'au ciel ...

Autant avec Méchain, qui s'est inspiré d'un conte philosophique d'Italo Calvino, "Le Baron Perché", il y a une "invitation poétique à regarder le monde d'un autre point de vue, de plus loin, de plus haut" (1). Libérés de nos contraintes habituelles, nous sommes capables d'accéder à des connaissances jusque là inconnues. Autant avec Brueghel, qui illustre un récit biblique, il y a un rêve d'orgueil, de démesure humaine qui va conduire à la destruction. Sur des bases non stabilisées et encore inachevées s'édifie une tour qui grimpe vers le ciel et même qui côtoie les nuages, alors même que ces fondations présentent des signes de faiblesse évidents.

Ce qui est toujours amusant dans de telles œuvres, c'est de voir comment le peintre s'inspire de sa réalité quotidienne (une tour située près d'une grande ville côtière comme celle d'Anvers, des échoppes sous les arcades, des engins de levage similaires à ceux présents sur les chantiers des cathédrales gothiques) pour peindre une scène censée se passer en orient.

(1) Marika Prévosto, http://www.artcatalyse.eu

Des azurs pommelés

Cette fin de semaine un peu grisaillante m'incite à vous emmener vers des ciels azurs, aussi je vous propose aujourd'hui une balade poétique grâce au concours de René Magritte et de François Méchain.

Cette huile sur toile de Magritte, "Le Beau Monde", réalisée en 1962, invite à un voyage dans le bleu turquoise. Sur un fond de sol bleu clair uniforme s'ouvre comme une fenêtre en forme de rideau, tenu par une embrasse, avec pour motif un beau ciel bleu et des nuages pommelés blancs.

Par ailleurs, deux vrais rideaux d'un bleu un peu plus soutenu, dans une perspective un peu en trompe l'œil, se détachent du mur de la pièce ? ou plutôt du ciel parsemé de nuages blancs cotonneux. De façon insolite, ils encadrent le rideau imaginaire qui nous permet de nous échapper vers le ciel.

Au premier plan, une pomme verte, un fruit familier, semble nous ramener dans la réalité ...

      

"Je pouvais voir le monde comme s'il était un rideau placé devant mes yeux" (1).

Magritte l'a rêvé, François Méchain, sculpteur et photographe, et également adepte du Land Art, l'a fait (avec le concours de l'excellent photographe Denis Collette) !

Voici une fenêtre suggérée par deux rideaux de lin blanc cassé, gonflés par le vent, qui s'ouvrent sur un ciel bleu azur avec des nuages blancs pommelés (août 2007, à Deschambault au Québec).

(1) Propos de René Magritte

Anthropométrie bleue

En préparant la note précédente, et à vrai dire je ne saurais trop vous dire pourquoi, j'ai soudain trouvé des points de similitudes troublants entre certaines des œuvres de Matisse et certains des tableaux de Klein. Jusque là, je n'y avais véritablement jamais songé, mais à présent ces rapprochements m'apparaissent avec évidence et je ne peux m'empêcher de vous les livrer. 

D'un côté, "La Chevelure" de Matisse, de nouveau un découpage dans du papier bleu, fait en 1952 (collection particulière), et de l'autre "L'anthromorphie ANT 130" de Klein, réalisée en 1960 en pigment pur sur papier (Museum Ludwig Köln).

Outre la couleur, le mouvement d'envol du corps est similaire, et l'on ressent la même sensation de légèreté et d'apesanteur, avec pour moi du côté de chez Klein, plus encore que chez Matisse, un mouvement très proche de celui de la Victoire de Samothrace.

Matisse dit lui-même "Vous ne pouvez pas vous figurer à quel point, en cette période de papier découpés, la sensation de vol qui se dégage en moi m'aide à mieux ajuster ma main quand elle conduit le trajet de mes ciseaux." (1)

Il en est de même pour le "Nu bleu debout" réalisé par Matisse la même année en 1952 (Pierre et Maria Gaetana Matisse Foundation) et, par exemple, l'une des Anthropométries comme cette "Anthropométrie sans titre", faite en 1960, en pigment pur et résine synthétique, or, sur papier marouflé sur toile (collection privée, © Adagp, Paris 2007).

Pourtant la façon de faire est radicalement différente, pour l'un il s'agit de découpage dans du papier gouaché bleu, pour l'autre "la technique des pinceaux vivants" (2). Dans les deux cas, on aboutit quasiment à la même empreinte, aux mêmes formes sculpturales.

Je vous laisse sur ces parallèles étonnants ...                                                                                                                                                                    

(1) Entretien avec André Verdet, 1952, cité dans Henri Matisse, 1972, cité dans le catalogue Matisse-Picasso, septembre 2002

(2) Propos d'Yves Klein

Voyage vers le bleu : le bleu de Matisse

La précédente note me donne le prétexte de rebondir sur le bleu de Matisse. C'est, je crois, peut être la première couleur à laquelle on associe spontanément l'œuvre de Matisse. 

Contrairement à d'habitude où le bleu est une couleur froide que l'on a l'habitude d'opposer aux couleurs chaudes (jaune, orange, rouge), ce bleu frappe toute de suite par sa vivacité, sa luminosité et sa chaleur. 

Dans ce tableau, Nu bleu I, réalisé en 1952 en papiers gouachés et collés sur papier blanc marouflé sur toile (Fondation Beyeler, Riehen/Bâle), Matisse dessine avec la couleur, voire sculpte la silhouette d'une femme aux lignes courbes d'un trait continu, "en dessinant aux ciseaux dans des feuilles de papier coloriées à l'avance, d'un même geste pour associer la ligne à la couleur, le contour à la surface" (1). Matisse dit d'ailleurs lui-même : "découper à vif dans dans la couleur me rappelle la taille directe des sculpteurs" (2).

"Si, dans les œuvres antérieures, les bleus de Matisse avaient presque invariablement été de nature spatiale, ils devenaient maintenant tangibles et d'un effet monolithique" (3). De plus, il se suffit à lui-même sans être opposé et donc mis en valeur, comme dans de nombreuses toiles, par le rouge et/ou le rose (voir la note précédente sur "Les Coucous") parce que ce bleu contient indéniablement du rouge.

C'est depuis que j'ai lu "Histoires de peintures" de l'historien d'art Daniel Arasse (voir la bibliographie) que j'ai fait cette découverte qui depuis m'apparaît avec évidence lorsque je vois des toiles de ce peintre. Je laisse parler Daniel Arasse : "par exemple, ce qui m'a bouleversé, dans l'esquisse pour La Danse de Matisse, c'était le bleu, ce bleu-là. Cette tonalité de bleu inventée par Matisse m'a bouleversé ... c'est après, en réfléchissant sur cette qualité de bleu, que je me suis dit que dedans il y a du rouge caché, et c'est ce rouge qui, depuis le bleu, m'appelle".

(1) André Verdet, "Entretiens avec Henri Matisse, dans Prestiges de Matisse, Paris, 1952

(2) Henri Matisse, "Ecrits et propos sur l'art", Paris, Hermann, 1972

(3) John Golding, catalogue de l'exposition Matisse-Picasso, "L'espace vibrant", septembre 2002